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AGENDA 2023

BENITO CERATI PRESENTA “EN VIAJE HACIA LA REDENCIÓN”, HOMENAJE A TREINTA AÑOS DEL LANZAMIENTO DE “AMOR AMARILLO”

Efeméride del disco por MAXI CURCIO

¿Quién dijo que hablar de rock no es hablar de amor? Hacia 1992, el auge inaudito de “El Amor Después del Amor”, de Fito Páez, marcaría un antes y un después en la historia de nuestra música, hasta convertirse, de forma meteórica, en el disco de rock más vendido. Por aquellos años, el siempre recordado Ulises Butrón también hablaba de amor en “El Amor es Más Fuerte” (tema insignia de “Tango Feroz”, la polémica película de Marcelo Piñeyro) y los emergentes Babasónicos hacían lo propio con “La Era del Amor”. El rock podía vivir del amor y hacerse cargo de ello. Allí estaba Gustavo, a punto de emprender un tramo fundamental de su trayectoria.

En 1993, luego de la presentación de “Dynamo” (1992), Soda Stereo ingresaría a una pausa creativa. Con miras de finalizar obligaciones contractuales con la disquera Sony -con quien aún tenía acuerdo para editar un último disco-, comenzaría un tramo de negociaciones complejas para cumplir con lo estipulado en el contrato firmado en 1984. Finalizada una extensa gira por Latinoamérica, España y Estados Unidos, Gustavo se iría a vivir provisoriamente a Chile, durante el embarazo de su esposa Cecilia Amenábar. Allí gestaría su primer disco en solitario, “Amor Amarillo”, estrenado en 1993 apenas un mes antes del nacimiento de Benito, su primogénito. El álbum, que posee un total de once temas e incluye un cover de Luis Alberto Spinetta (“Bajan”, de “Artaud”), sería presentado de forma íntima y acústica en la FM 100, en 1994.

Inspirado, sutil, moderno y carismático, Cerati compuso canciones clásicas y nos legó un puñado de discos memorables, e indudablemente “Amor Amarillo” resume una búsqueda creativa en absoluto intimista y personal, constituyéndose en su debut solista. Estimulante resulta la escucha de una obra que despegó del legado Stereo para cobrar vida propia, y que fuera compuesta íntegramente durante la estadía del canten en Providencia, en los Estudios Ámbar. Como dato llamativo, resulta mencionar que la canción “Crema de Estrellas”, incluida posteriormente en el álbum “Sueño Stereo” -Soda Stereo, 1995-, quedó fuera del tracklist final, en favor del tema “Rombos”, que pertenece a su anterior e inmediata dupla junto a Daniel Melero.

“Amor Amarillo”, cuyo arte de tapa corresponde al destacado Alejandro Ros, se terminó de mezclar y grabar en Buenos Aires, e incluyó tres sampleos, vertiente creativa que un Cerati siempre a la vanguardia gustaba de explorar: “Pulsar” contiene samples de “Microphone Poet” de Rob’n’Raz ft. Papa Dee y “Sirius” de The Alan Parsons Project; “Rombos” contiene un sample de “Texture” de Catherine Wheel y “Torteval” contiene samples de “Impeach the President” de The Honeydrippers y “You Got the Love” de Rufus ft. Chaka Khan. Publicada por Sony Music el 1 de noviembre de 1993, para su difusión, fueron filmados tres videoclips: “Te llevo Para que me Lleves” (1993), “Pulsar” (1993) y “Lisa” (1994).

El pasado domingo 3 de diciembre, a las 20 hs, en el Auditorio de la Usina del Arte, y en el marco del ciclo «Especiales de la Usina», Benito Cerati conmemoró la permanencia de un disco que, a treinta años de su lanzamiento, continúa sonando moderno. El homenaje titulado «En Viaje Hacia la Redención» contó con la participación de ilustres músicos, eternos colaboradores de Gustavo, como Fernando Samalea (batería), Leandro Fresco (guitarra), Tweety González (teclado) y Fernando Nalé (bajo). Especialmente emotivo resultó la participación en voces de Cecilia Amenábar (madre de Benito) y Lisa Cerati (su hermana).

TRACKLIST DEL DISCO:

AMOR AMARILLO / LISA / TE LLEVO PARA QUE ME LLEVES / PULSAR / CABEZA DE MEDUSA / AVENIDA ALCORTA / BAJAN / ROMBOS / AHORA ES NUNCA / A MERCED / T0RTEVAL

RICHARD COLEMAN & EL TRANS-SIBERIAN EXPRESS CERRARON EL AÑO EN BUENOS AIRES

✍️ Cobertura de JIMENA COLTRINARI

En la noche del sábado 2 de diciembre, el maestro Richard Coleman & El Trans-Siberian Express arribaron a la última estación del año, en Lucille de la ciudad de Buenos Aires. En marzo pasado, brindaron el primer show de 2023 en este recinto de Palermo, en el cual tanto aprecian tocar.

Después de presentarse en distintas ciudades del Gran Buenos Aires, Córdoba, Trelew y, por primera vez, en Chile, el gran frontman junto a su fabulosa banda, integrada por Gonzalo Córdoba (guitarra), Daniel Castro (bajo), Bodie Datino (teclados), Diego Cariola (batería) y Juan Blas Caballero (músico y productor), recientemente incorporado, demostraron, una vez más, con una performance de altísimo nivel, que son la auténtica locomotora del Rock argentino. Llevan 12 años tocando juntos en distintos escenarios y la química sigue intacta. Son siempre evidentes las expresiones de complicidad y admiración.

La velada tuvo una invitada de lujo, Flopa Lestani, quien, a dúo perfecto con nuestro anfitrión, aportó su hermosa voz y energía en «Arañas Bebé», el nuevo single de Coleman feat. Andrea Echeverri, estrenado en noviembre pasado con un videoclip (disponible en todas las plataformas), y en «Héroes», versión en español del clásico de David Bowie.

Fue mágica la comunión entre un encendidísimo Richard, la banda a toda máquina y el público, que hizo el aguante cantando, bailando y alentando durante todo el concierto.

Ahora, a esperar la próxima estación. ⚡️⚡️⚡️

🎶 Setlist

Entre Sábanas – F-Á-C-I-L – Casa de Papel – Turbio Elixir – El Agua no se Puede Beber – Lo que nos Une – Incandescente – Hamacándote – Corre la Voz- Normal – Dios nos Libre – Humanidad – Arañas Bebé – Días Futuros – Para Terminar – Enjaulados – Héroes – Hombre al Agua

BENITO CERATI BRINDÓ UN CONCIERTO DE CUMPLEAÑOS EN BUENOS AIRES

✍️ Cobertura de JIMENA COLTRINARI

En La Tangente de Palermo, el 29 de noviembre, el brillante Benito Cerati celebró sus 30 años, cumplidos el pasado 26, y el primer aniversario de su precioso disco Shasei, una joya imprescindible de nuestra música. Estuvo acompañado por su gran banda conformada por Agustina «China» Roldán (teclados), Juliana Isas (violín y teclados), Alfred García Tau (guitarra) y Santiago de Oyarbide (batería).

El talentosísimo cantante y compositor, dueño de una voz imponente, sensibilidad magnetismo y estilo propio, presentó un setlist compuesto por hermosas canciones de Shasei, Zero Kill (su banda anterior), temas nuevos y covers. Una exquisita selección acorde a una noche de celebración para cantar y bailar sin pausa.

Para esta ocasión especial, Benito eligió un mono plateado, inspirado en la película Alien 3000, y make up que resaltaba sus ojos. Las chicas de la banda lucieron vestuarios en sintonía.

Con este show, sumado al anunciado para el 8 de diciembre, en La Plata, el músico está culminando una fructífera etapa de presentación de su fantástica primera obra solista, que lo llevó a recorrer distintas ciudades de Argentina, Chile, Paraguay y Europa.

🎶 Setlist

Fácil de Amar – Futuro Incógnito – Agujero Negro – Cemento – Let Forever Be / Tomorrow Never Knows (The Chemical Brothers / The Beatles) – No sé Por Qué – Buenos Días Amor – Shasei – Estás Solo – Nada va a Pasar – Cerca (Zero Kill) – Julio – La Tercera es la Vencida – La Luz Mala – Santa Fe (Zero Kill)

AGENDA MUSICAL / Roger Waters regresa a Buenos Aires + estreno de película «THIS IS NOT A DRILL (desde el Estadio 02 de Praga)

Por Maxi Curcio

Roger Waters, el más político de los miembros de Pink Floyd, regresa a los escenarios argentinos con su gira despedida “This is Not a Drill”. Música y compromiso social confluyen como común denominador de un programa de conciertos llamados a cumplir con sus expectativas visuales, aunque ciertamente empañados por el mensaje de odio antisemita del cual fue objeto de acusaciones el reconocido músico.

En parte angustia, en parte perorata política –en propias palabras de Waters, teñidas de ironía-, el cantante acabó siendo víctima de sus propias conjeturas, sin temer pronunciarse en contra de las clases dominantes. En el ojo de la tormenta por las polémicas declaraciones durante su show en Berlín –en el pasado mes de mayo-, Waters opuso férrea defensa: <<Mi actuación ha provocado ataques de mala fe por parte de aquellos que quieren difamarme y silenciarme porque no están de acuerdo con mis opiniones políticas y principios morales. Los elementos que han sido cuestionados son claramente una declaración en oposición al fascismo, la injusticia y la intolerancia en todas sus formas. Los intentos de presentarlos como algo falso tienen motivaciones políticas. He pasado toda mi vida denunciando el autoritarismo y la opresión. Seguiré condenando la injusticia y a todos aquellos que la perpetran>>.

“This Is Not a Drill” es la séptima gira de conciertos del compositor inglés, y sucesora de la exitosa “Us +Them” (que lo trajo a tierras argentinas en 2018). Originalmente programada para realizarse entre julio y octubre de 2020, fue suspendida tras el avance de la pandemia, y reprogramada para realizarse en 2022. Dio comienzo en diversas ciudades americanas, para luego trasladarse a Europa, y hacer escala en Praga, en el gigantesco Estadio O2 Arena. Particularmente, dicho concierto fue grabado en vivo y proyectado en más de mil salas de cine de todo el mundo. Con dirección en compartido del propio Waters con Sean Evans –el mismo tándem que se encargara del último proyecto audiovisual, estrenado en 2019-, el documental musical consta de una duración de casi tres horas, y el repertorio que allí podemos disfrutar es el que replicó Waters ante la audiencia porteña, de regreso al Estadio River Plate, luego de su visita en 2012, para la recordada gira de “The Wall”, coronada con la cifra astronómica de nueve estadios completos (cifra récord, luego destronado por Coldplay, en 2022).

Estrenada en el pasado mes de mayo, la película “This is Not a Drill” reproduce íntegro el concierto llevado a cabo por el miembro fundador de la mítica banda. Contando con un escenario de estilo cuadrante, pantallas gigantes proyectando imágenes y textos sobreimpresos, y una configuración de público en forma de ronda, el show dio comienzo con una versión de órgano y voz de “Comfortably Numb” (recientemente registrada en estudio), seguida de “Run Like Hell”. Melodías inolvidables nos sumergen en lo profundo de la noche, y es así como se suceden los clásicos “Shine on You Crazy Diamond”, “Sheep”, “Wish You Were Here”, “Another Brick in the Wall” y “Have a Cigar”.

Promediando el concierto, Waters se sienta al piano con “The Bravery of Being Out of Range”, de su álbum solista de 1992. Luego improvisa sobre una extensa y minimalista versión de la inédita “The Bar”. Con cierta melancolía, recuerda anécdotas compositivas a dúo con el desaparecido Syd Barrett, a quien dedica el tramo en curso. El aire se torna más nostálgico a la hora de celebrar el propio legado, mientras Waters recapitula la primera firma de contrato por parte de la formación originaria de Londres. En un segmento posterior, se encargará de repasar algo del cancionero de su último y celebrado álbum editado a la fecha: “Is This the Life we Really Want?” (2016).

A poco de haber cumplido ochenta años de edad, la atemporalidad de su obra no pierde vigencia. Waters, que ha anunciado su retiro de los escenarios luego de la conclusión de la presente gira, acaba de publicar la regrabación en modo solista del épico y conceptual “The Dark Side of the Moon”, con motivo de su cincuenta aniversario. Una revisión que promete extenderse hacia otras obras gestadas en co-autoría junto a David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason.

MÚSICOS DE LA GIRA:

Jonathan Wilson – guitarras y voces / Dave Kilminster – guitarras y voces / Jon Carin – teclados, guitarras y voces / Gus Seyffert – bajo y voces / Robert Walter – teclados / Joey Waronker – batería / Shanay Johnson y Amanda Belair – coros / Seamus Blake – saxofón

THIS IS NOT A DRILL – repertorio de canciones:

Set 1 / “Comfortably Numb 2022″/ «The Happiest Days of Our Lives» / «Another Brick in the Wall, Part 2» / «Another Brick in the Wall, Part 3» / «The Powers That Be» / «The Bravery of Being Out of Range» / The Bar» / «Have a Cigar» / Wish You Were Here» / «Shine On You Crazy Diamond (Parts VI-VIII)» / «Sheep»

Set 2 / «In the Flesh» / «Run Like Hell» / «Déjà Vu» / «Is This the Life We Really Want?» / «Money» / «Us and Them» / «Any Colour You Like» / «Brain Damage» / «Eclipse»

Encore / «Two Suns in the Sunset» / «The Bar» (reprise) / «Outside the Wall»

Festival Internacional de Cine Mar del Plata / Cobertura ESPECIAL por Julio Varela

Jornada 10 / El podio

Para concluir con las entregas diarias que se han realizado sobre el festival de Mar del Plata, va el top ten después de haber visto 41 de las 150 películas, es decir un retazo muy sesgado pero que igual puede ser una guía para los amantes del cine. Los tiempos no dieron para ver otros títulos de relevancia como Pobres Criaturas (Lanthimos), Evil Does Not Exist (Hamaguchi), Retratos Fantasmas (Mendonca Filho). La disminución de salas de proyección dificultó enormemente la obtención de entradas, valga la aclaración.

Fallen Leavs – Aki Kaurismaski
Cerrar los Ojos – Víctor Erice
Los Delincuentes – Rodrigo Moreno
La Chimera – Alice Rohrwacher
Do Not Expet Too Much From The End of The World – Radu Jude
La Sociedad de la Nieve (Juan Antonio Bayona
Las Almas (Laura Basombrío)
Partió de mí un Barco Llevándome (Cecilia Kan)
Animal/Humano -Alessandro Pugno
Tierra de Nuestras Madres – Liz Lobato

Bonus: Orlando (Paul Preciado); Kinra (Marco Panatonic); Sobre todo la Noche (Víctor Iriarte); La Práctica (Martín Letjman); El Otro Hijo (Juan Quebrada); In Our Day (Hong Sang-soo); El Libro de las Soluciones (Michel Gondry)

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Podio de la competencia internacional

Las Almas
Partió de mi un barco Llevándome
Animal/Humano

Lo peor de la competencia internacional

Arthur y Diana (su protagonista ganó como mejor actriz, indescifrable)

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Charla destacada: presentación del libro Canon del Cine Norteamericano, tomo 3, de Matías Orta y Fredy Friedlander.

Jornada 9 / Ganadoras

Estas son las películas ganadoras del 38° Festival Internacional de cine de Mar del Plata

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Premio Astor Piazzolla al Mejor Largometraje
Kinra de Marco Panatonic
Justificación del Jurado:
“Por la forma en la que cuenta una fuerte historia a través de una potente puesta en escena que permite observar la humanidad de los personajes. Un verdadero descubrimiento”.

Premio Astor Piazzolla Especial del Jurado
Partió de mí un barco llevándome de Cecilia Kang
Justificación del Jurado:
“Por la construcción de un potente vínculo entre una búsqueda de identidad, una historia familiar y la violencia hacia las mujeres en Corea durante la guerra japonesa”.

Premio Astor Piazzolla a la Mejor Dirección
Laura Basombrío por Las almas
Justificación del Jurado:
“Por la forma única en la que la directora decide relatar, a través de una voz hipnótica e imágenes poéticas, una historia que se eleva hacia lo fantástico”.

Premio Astor Piazzolla a la Mejor Interpretación
Sara Summa en Arthur & Diana
Justificación del Jurado:
“Por su magnética y honesta actuación. Su relación con la cámara, y su presencia escénica construyen un personaje misterioso y complejo”.

Premio Astor Piazzolla al Mejor Guion
Shane Atkinson por LaRoy
Justificación del Jurado:
“Por la orquestación de un entretejido de tensión, diálogos maravillosos, y la dinámica entre unos personajes desarrollados y profundos de manera entretenida e impredecible”.

Premio del público
Partió de mí un barco llevándome de Cecilia Kang

COMPETENCIA LATINOAMERICANA

Premio Astor Piazzolla al Mejor Largometraje
Otro sol de Francisco Rodríguez Teare
Justificación del Jurado:
“Por su riesgo formal que transgrede la propia tradición cinematográfica en la que se inscribe, guiándonos por una geografía poco visitada, con personajes hipnóticos”.

Mención Especial
O dia que te conheci de André Novais Oliveira
Justificación del Jurado:
“Por retratar territorios periféricos no solo físicos, sino también emocionales y por su osadía, su humor y su apuesta narrativa”.

Premio Astor Piazzolla al Mejor Cortometraje
La noche del minotauro de Juliana Zuluaga Montoya
Justificación del jurado:
“Por su trabajo autoral con el archivo y su espíritu insurrecto, que nos hace descubrir un pasado invisibilizado”.

Mención Especial
Nueva esperanza de Carlos Rentería
Justificación del Jurado:
“Por su textura onírica para retratar paisajes cotidianos inmersos en la contingencia de la pandemia con una mirada sensible y no convencional”.

COMPETENCIA ARGENTINA

Premio Astor Piazzolla al Mejor Largometraje
Adentro mío estoy bailando de Leandro Koch y Paloma Schachmann
Justificación del Jurado:
“Por hacernos viajar hacia raíces que se van ramificando en personajes y músicas que resisten el paso del tiempo y la postmodernidad, poniendo en valor la identidad, la tradición, el arte y la cultura. Por la manera lúdica de abordar los cambios generacionales en los vínculos y las formas narrativas, con una puesta en escena sorprendente y sencilla a la vez”.

Premio José Martínez Suárez a la Mejor Dirección
Romina Tamburello y Federico Actis por Vera y el placer de los otros
Justificación del jurado:
“Por su contundente visión, su trabajo con los actores, su compromiso con el tema y su valentía para permanecer en situaciones incómodas, sosteniendo hasta el final el pulso narrativo”.

Premio Astor Piazzolla al Mejor Cortometraje
Especies de compañía de Juan Renau
Justificación del Jurado:
“Con gran sencillez, la película se acerca a sus personajes de manera conmovedora. Utiliza nuestros vínculos con las mascotas para revelar nuestros propios vínculos con la soledad, los miedos y las aflicciones. En estas relaciones, se ilumina con delicadeza la confianza en los demás y en la humanidad”.

Mención Especial
Corrientes mercuriales de Carolina Fusilier
Justificación del Jurado:
“Por su riqueza audiovisual para abordar las fuerzas económico-energéticas que afectan nuestra vida en sociedad”.

Mención Especial
La necesidad de un testigo de Mariana Sanguinetti y Renzo Cozza
Justificación del Jurado:
“Por su personalidad para contar una historia de soledad contemporánea, mezclando humor y misterio. Por su mirada afilada, divertida y triste a la vez”.

COMPETENCIA ESTADOS ALTERADOS

Premio Astor Piazzolla a Mejor Película
Malqueridas de Tana Gilbert
Justificación del Jurado:
“Por rescatar imágenes que se consideran descartables, tal como las vidas que retrata, con una mirada provocativa que enfatiza la potencia y la cualidad liberadora de los vínculos”.

Mención Especial
Orlando, ma biographie politique de Paul B. Preciado
Justificación del Jurado:
“Por su amor y humor para repensar lo que puede ser una adaptación y una autobiografía, sosteniendo el deseo con espíritu tanto revolucionario como alegre”.

Mención Especial
Mast-del de Maryam Tafakory
Justificación del Jurado:
“Por dar voz a la desesperación cotidiana por la que pasan las personas más peligrosas en Irán: mujeres que desean”.

COMPETENCIA EN TRÁNSITO / WORK IN PROGRESS

Premio Astor Piazzolla al Mejor Proyecto
Todo documento de civilización de Tatiana Mazú González
Justificación del Jurado:
“Por la valentía de develar la violencia de un sistema opresor mediante un manejo dinámico de múltiples recursos narrativos, con fuerte marca autoral”.

PREMIOS OTORGADOS POR PATROCINADORES

COMPETENCIA INTERNACIONAL
Premio Sendfiles a la Mejor Película
Kinra de Marco Panatonic

COMPETENCIA LATINOAMERICANA
Premio Banco Nación, Alta Definición Argentina y Sendfiles a la Mejor Película
Otro sol de Francisco Rodríguez Teare

COMPETENCIA ARGENTINA DE LARGOMETRAJES
Premio Banco Nación, Lahaye Media, Pomeranec Música & Sonido y Sendfiles al Mejor Largometraje Argentino
Adentro mío estoy bailando de Leandro Koch y Paloma Schachmann

COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES
Premio Banco Nación, Lahaye Media y Pomeranec Música & Sonido al Mejor Cortometraje Argentino
Especies de compañía de Juan Renau

COMPETENCIA ESTADOS ALTERADOS
Premio MUBI y Sendfiles a la Mejor Película
Malqueridas de Tana Gilbert

COMPETENCIA EN TRÁNSITO / WORK IN PROGRESS
Premio Banco Nación, Cinecolor y Cono del Silencio al Mejor proyecto EN TRÁNSITO
Todo documento de civilización de Tatiana Mazú González

Jornada 8 / Kaurismaki es Gardel

En el adiós de una nueva edición del festival, ese largo adiós, se pudo ver la mejor película, sin duda alguna. Fue un regalo que la clausura sea Hojas al Viento u Hojas Caídas, de Aki Kaurimaski, un director finlandés con una estética personalista, de diálogos cortos y abruptos, imágenes minimalistas y composición de cuadros dignos de un arte pictórico. Le bastan pocas palabras, gestos mínimos y diálogos casi inexistentes para construir una historia que él mismo llama de perdedores. Los personajes aquí no tienen dónde caerse muertos, van de trabajo en trabajo, hay una guerra en el medio (la de Ucrania, que se escucha en una radio de los años 50) y, muy especialmente, una sala de cine que no podía llamarse de otra manera como Ritz (hay nombres iguales que recorren cines y hoteles del planeta). Es que todo lo que hace Kaurimaski es una oda al cine, los protagonistas acuden a ver una película de Jim Jarmusch pero a la salida un espectador dice que le recuerda a Bresson y otro a Godard. Y ahí termina la discusión. En la cartelera de ese cine hay afiches de clásicos, solamente, El Desprecio, Pierrot el Loco, El Clan Siciliano, Rocco y sus Hermanos en un film que ocurre en la actualidad. Y la chica tiene un perro, ¿cómo se llama?. Chaplin

Y también hay mucha música ¿y quién canta? Gardel. Entona Arrabal amargo y se suman otras antigüedades, boleros, un rock de los 60. Y como si fuera poco los personajes asisten a un bar que se llama Buenos Aires. Pero en un momento pareciera que Helsinki está peor que nosotros porque la precariedad laboral, la pobreza van unidas a cuestiones existenciales como la soledad, la incomunicación (¿recuerdan a Antonioni?). Pero Kaurismaki es único. Fue con su película al festival de Cannes y no lo dejaban ingresar a la premiación porque no tenía smoking. En ese sentido, nadie podrá negar que Mar del Plata es el festival más popular del mundo. Es bueno aclararlo porque los críticos argentinos más reconocidos todos los años, pero todos, maldicen a Cannes pero todos los años, todos, van a Cannes. Y a la mayoría después no los vemos en Mar del Plata.

La cuestión es que Hojas de Otoño o como se llame a la hora del largo adiós terminó siendo lo mejor del festival, la única película aplaudida de pie por tiempo prolongado. Y con el pie en el estribo, una pregunta: ¿puede tener una ficción un final feliz con seres infelices? Es la pregunta, intuimos de Kaurismaki que, fiel a Gardel, quiere siempre volver, aunque dudamos que sea con la frente marchita.

Jornada 7 / Temas y personajes (aguante Howard Hawks)

Un festival tiene de todo. Películas buenas, malas, regulares, bodrios, imprescindibles, olvidables, inolvidables. Pero nadie puede asegurar cómo se determina esta especie de categorías y quien es el titiritero que lo impulsa. También puede asegurarse algo que tiene que ver con la visión del cine en general: una película se enriquece o se sepulta después de un intercambio de opiniones. La máxima de Kurosawa siempre vigente: hay tres películas en una, la del director, la que se proyecta en la pantalla y la que construye el público.

En ese jardín multicolor afortunadamente hay senderos que se bifurcan, la diversidad alimenta la posibilidad creativa del espectador en tanto y en cuanto se considere el dueño definitivo de lo que ve, el que construye, destruye o reelabora. Lo mejor que tiene un festival y su maratón hasta límites exasperantes, es que más allá de opiniones laudatorias o condenatorias de un film, permite reflexionar por encima de si “me gustó” o “no me gustó”.

Este no ha sido la excepción, aún con su (entendible) nivel menor, en particular, en la competencia internacional. Tanto en la edición anterior como en la actual, la pretensión de esta columna es analizar el cine que nos asiste, más que criticar la película vista. Y en especial hacer conexiones en estos tiempos de formatos híbridos y performáticos.

Lo que se ve en el horizonte es, más que una pugna, un diálogo entre temas y personajes. O tal vez un orden de prioridades. Da la sensación que la corriente moderna o actual o como quiere llamársele apuesta a los personajes. Puede interpretarse como una reacción al cine clásico donde la premisa siempre fue contar una historia. No es un arrebato golpista contra la escuela fordiana (por nombrar un emblema) pero quizás una reacción a la dictadura del “tema”, como para invalidar la pregunta de qué se trata.

Se han visto muchas películas en este festival en esa sintonía y algunas muy interesantes, de hecho Las Almas, última película exhibida en la competencia internacional, opera prima de la salteña Laura Basombrio, hace honor a la abstracción que surge del título y si bien hay una mujer que cuenta una historia, resulta más valioso la contemplación, el ensimismamiento en un desierto bellamente sonoro (antes que visual) que nos dice cosas más existenciales que un relato lineal.

Sin ser antagónica tenemos una película colombiana, con apoyo argentino, como El Otro Hijo, de Juan Quebrada, una de las gratas sorpresas de este festival. Pudo haber sido un relato convencional pero el director eligió otro camino sin renegar un tema preciso: una tragedia y un duelo y cómo se reelabora la cotidianeidad a partir de lo irreparable. Ningún espectador sabía que el director contaba su propia historia pero –aleluya- Quebrada no hace catarsis con el público y la historia pasa como si fuera pura ficción. Y algo más: no se deja tentar por lo que pudo ser un thriller y enfrenta un drama psicológico donde poco importa lo que pasó y cómo fue, sino cómo se reconstruye el futuro.

Con estos dos ejemplos se intenta demostrar la convivencia de ideas, de cómo parece extinguirse el rito arcaico del nuevo cine, para abrir el juego a la diversidad como si el cine, cual señor de los milagros, les indicara a todos, vengan a mí.

Quien mejor interpretó este momento, aunque para algunos parezca una película demodée, es Víctor Erice en Cerrar los Ojos. A la mitad del metraje, en un momento que pudiera resultar innecesario, el protagonista empieza a cantar Mi Rifle, mi Potro y Yo, tema que entona Dean Martin en Río Bravo, del gran, el eterno Howard Hawks, el que mejor supo interpretar la simbiosis de temas y personajes, como si Erice quisiera decirnos que la máxima enseñanza del cine es cabalgar ese potro indócil de ensueño y realidad.

Jornada 6 / Del ascetismo a los zapatos de Chaplin

El cine nos está planteando una relación riesgosa. Por un lado, como está ocurriendo en la literatura, la autoficción viene pisando fuerte. Esto no sería problema si “mi vida” realmente puede interesarle a alguien, sobre todo cuando no hay nada para contar como si esa vida fuera un vacío que sólo se llena por la experiencia personal que en muchos casos ni vale la pena compartir. Salvo, claro está, que el realizador sea Hong sang soo capaz de mostrar diez minutos a un filósofo y dos jóvenes jugando al papel-piedra-tijera como en Nuestro Día, su última y más floja producción. El tema central es cómo filmar el tedio, como ser decididamente ascéptico pero capaz de hipnotizarnos, como hacer del clásico “no pasa nada”, que pasen cosas, que fluyan interiormente porque de eso se hace las películas: de un ritmo interior aunque por fuera todo sea minimalista, con imperio del silencio y la ausencia de la acción, algo de lo que ya hablamos en el anterior festival pero con una diferencia: las producciones “ascéticas” tenían su encanto y eran capaces de crear una poética a partir de esa pausa, ese distanciamiento.

Bueno, nada de esto ha pasado en la competencia internacional. No hay películas ascéticamente aceptables, hay un par de plomazos importantes, escondidas bajo la pátina autorreferencial, etc., etc. Y es de este modo como, por ejemplo, un film de género como Elena Sabe logra abrirse paso, aunque no sea lo mejor de Anahí Berneri. Fue el que inauguró la competencia generando cierta desilusión porque le cuesta tomar vuelo en medio de las reiteradas temáticas de la novelística de Claudia Piñeyro. Pero ahora logra colarse entre las preferidas del público, tras el desaliento provocado por las obras que siguieron salvo las dos apuntadas en nuestra reseña anterior: Animal/Humano y Partió de mi un Barco Llevándome.

En la sección Autores/as ya hablamos de Cerrar los Ojos, La Sociedad de la Nieve y cabe sumar La Práctica, que marca el retorno de Martín Rejtman y que no va inaugurar una nueva etapa en el cine argentino como lo hizo en los 90 con Rapado. Tampoco parece ser su intención en esta extraña y por momentos divertida película. Otra vuelta es la de Michel Gondry (Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos) con El Libro de las Soluciones, el libro no escrito de un director de cine y su delirio a la hora de rodar una película. Un “cine dentro del cine” en clave de comedia.

Todavía quedan Radu Jude y el mimado de Hamaguchi, con su legión de seguidores a cuestas. Pero la película que agotó entradas ni bien comenzó la venta es Pobres Criaturas, del griego Yorgos Lanthimos (La Favorita), ganadora en el festival de Venecia y ya demasiado oscarizada. Pero nuestra fe está puesta, aunque no compita, en La Chimera, de Alice Rohrwacher (Lazzaro Felice). Capaz que nos traiciona el inconsciente y que, como Chaplin, estemos buscando la quimera del oro porque nos estamos comiendo los zapatos de tanta ansiedad. Ojo: capaz que es gula, nada más, otro pecado de la cinefilia.

Jornada 5 / Hay que hacer sonar la campana

Ubicada en la sección Nuevos Autores, había una película que, por su argumento, prometía: un pequeño pueblo de España está a punto de ser privatizado, hay una comunidad que se resiste, una comisaría con dos policías y una cabra que habla. Con esta especie de realismo mágico situado en Villacarrizo –así se llama el pueblo, en un lugar de La Mancha- la novel realizadora Liz Lobato elabora un digno producto del cine rural, acaso un género en expansión en España, llamado Tierra de Nuestras Madres, título que encierra no sólo un toque de feminismo sino un homenaje a las madres que luchan.

Se nota una clara influencia de Bienvenido Mr. Marshall, de García Berlanga y Pajarracos y Pajaritos, de Pier Paolo Pasolini, más en tono de tributo que de copia. El resultado final está acorde a su pretensión: una película pequeña que busca hablar de la dignidad de los pueblos y la pelea por sobrevivir.

La directora estuvo presente en la función que se ofreció en el Teatro Auditorium y si bien no se organizó ronda de preguntas y respuestas, aguardó a los espectadores al final para conocer sus impresiones, sin disimular los nervios. La reacción la conmovió hasta las lágrimas. La gente pugnaba por una selfie mientras la abrazaba y la felicitaba. Convengamos que estas muestras de afecto, cuando una película gusta, son habituales en la fiesta festivalera. Pero aquí hubo un agregado inusual, explosivo y, curiosamente, alentado por gente mayor que no suele ser la más efusiva.

En una de las escenas clave de la película, aparece una campana que nunca se hace sonar pero se intuye desde el comienzo que algún significado tendrá. Cuando la campana suena ante los arrebatos privatistas invitando a la resistencia, es cuando el film levanta sin perder ese tono de comedia que la abarca en todo su trayecto. La cuestión es que, una vez en el hall, mientras la directora repartía besos y llantos, el público, a coro empezó a cantar “¡¡¡hay que hacer sonar la campana, hay que hacer sonar la campana!!!”, más como un canto de batalla que un tributo a la película. Fue tan impactante ese momento, que la realizadora grabó con su celular esta mezcla de devoción y rebeldía. “Tengo que grabar esto, nunca me pasó algo así”, decía con teléfono en mano mientras el grupo de espectadores, mayormente mujeres, entonaba con tono tribunero el símbolo más claro de la película.

La actriz y directora Victoria Carreras –la hija de Enrique, que presentó un documental sobre su obra llamado Amor y Cine-, que formaba parte del público, grabó también el momento y entrevistó a los espectadores, conmovida, como mujer del cine, por un momento tan especial. Y si de singularidades se trata, Liz Lobato repartió tarjetas entre todos con su número de teléfono para que no se corte el diálogo y para mandarles a cada uno el video que acababa de grabar.

Fue un episodio distinto, espontáneo, protagonizado por el espectador común. Pero, ¿qué es un espectador común? Podría sintetizarse así: el que no se preocupa en desentrañar el motivo de un encuadre, sino el que se cuadra para dejar que las imágenes impacten en sus entrañas.

Mientras tanto, el festival sigue en su recta final, con curvas y contracurvas y alguna que otra sorpresa en el camino.

Jornada 4 / Dos o tres cosas que se de él

Se han hecho, más que críticas o reseñas, reflexiones sobre el cine a partir de esta edición del festival, pero el lector/espectador quiere también precisiones. Definiciones concretas.

-¿Está bueno el festival?, es la pregunta de rigor.

Aunque parezca un divague, aquí dos o tres cosas que sé de el:

1.- No es el mejor ni lo será como si lo fue el del año pasado (el mejor en mucho tiempo)

2.- La situación económica y sobre todo la devaluación de nuestra moneda hizo que no se pudieran traer más títulos de renombre ni figuras de peso que alimentan ese vicio de la alfombra roja.

4.- También por la misma causa, los alquileres de tres espacios de proyección (el Ambassador, Los Gallegos, Cines del Paseo) no pudieron ser absorbidos por la organización y sólo quedaron el Auditorium, el Paseo Aldrey y el Teatro Colón para 150 películas (100 menos que en 2022). Esto redundó en pocas funciones y que las localidades se agotaran ni bien se pusieran en venta. Antes de comenzar, ya estaba prácticamente todo agotado. Quien quiera venir hoy a Mar del Plata –miércoles 8- sepa que no va a poder comprar prácticamente nada. Y en forma online colapsó todo en apenas unos días.

5.- El clima festivalero respecto a otros años no disminuyó, pese a todo. No queda un hueco libre para ninguna función pero, con buen criterio, los organizadores decidieron que en la entrada a los cines se arme una fila alternativa de aquellos que no tienen entradas y en tanto y en cuanto se vean espacios libres, se puede ingresar sin pagar un peso. Pero es una verdadera lotería. Es que se sabe que en todo festival, aquí, en Cannes o en Venecia siempre hay quienes compran entradas y después no van, por pereza o porque el día está lindo y prefieren ir a la playa. Pero están los que, con un sol radiante, prefieren el cine y hacen la cola alternativa como la gran esperanza blanca. No hay sol que valga. El único, es el del cine.

6.- La competencia internacional no ha deparado títulos para el recuerdo. Hasta hora, a nuestro criterio, llevamos dos: Animal/Humano, del español Alessandro Pugno (su tercer largo), una película cuyo título resume mucho: el sentido y contrasentido entre el hombre y la bestia y viceversa. El tema se centra en el mundo de la tauromaquia y el crecimiento de aprendices a toreros pero también del toro. Sin estridencias y con un final memorable, lejos lo mejor, hasta hora.

La otra perla es Partió de mi un Barco Llevándome, de la argentina Cecilia Kang, un documental sobre la comunidad coreana en Argentina pero más que nada recuperando una historia trágica que no ha tenido mayor difusión y que ahora se impone más que nunca: el secuestro en la segunda guerra mundial de mujeres coreanas para satisfacer sexualmente a los soldados japoneses. Ese pasado y las huellas de identidad que se transfieren de generación en generación es lo que aborda la joven cineasta, sin estridencias, sin golpes bajos y hasta con una ternura digna de admirar.

7.- No hay una séptima cosa que se sepa del festival. Boca jodió mucho con la séptima y así le fue. Mejor lo dejamos acá.

Jornada 3 / El regreso de los muertos vivos

Una docente está dando clase en una escuela de cine. Habla de los archivos y de la memoria. De cómo el cine de nuestro mundo de hoy, condenado a perpetuidad gracias a las nuevas tecnologías, nos permite encontrarnos cada vez más con muertos vivientes, tal la expresión que usa. Está claro el mensaje: la dinámica cinematográfica es memoria viva, vuelve de entre los muertos y con los muertos a cuesta mostrando que siguen vivos. El archivo permite el revisionado, con la paradoja de que todo está como era entonces, pero las cosas han cambiado.

Esta y otras reflexiones sobre el cine aparecen en boca de esa genial actriz que es Eva Bianco en la película de María Aparicio, la cordobesa que deslumbró el año pasado en este mismo festival con Sobre las Nubes. Ahora se trata de Las Cosas Indefinidas, acaso aquellas lagunas y desconciertos que genera el arduo trabajo de hacer cine pero que tienen en determinado momento su luz, la esencia del cine, esa persistencia retiniana que choca con otra indagación en paralelo que hace el film: la ceguera.

Pero más que analizar esta película, desde aquí se pretende establecer un cruce con otra producción de cine dentro del cine, nada más y nada menos, que la última entrega de Víctor Erice, después de tantos años y de tres obras deslumbrantes: El Espíritu de la Colmena, El Sur, El Sol del Membrillo. Es el turno de Cerrar los Ojos, en este caso, como la ceguera que aparece en el film de Aparicio, aunque aquí con otras intenciones. Pero siempre la luz. Cerrar los ojos para ver. Para ver la conciencia y el estado de las cosas que es lo que pasa con un padre desmemoriado, un actor de fuste que de un día para el otro desaparece después de actuar en un film donde su personaje debe buscar a la hija de, llamémosle así, un rey débil. Erice juega con el cine que ama, el clásico, el que no arriesga más de lo debido pero que se sumerge, quizá como nunca, en las aguas de esta aventura que es hacer cine. En la escena clave de la película el director español muestra una sala –que hace recordar a Splendor- y proyecta el final del film que ese actor desmemoriado ha decidido olvidar. Y lo mira al lado de su hija Ana –Ana Torrent, uf, qué maravilla- sin tener claro que pasa hasta que decide cerrar los ojos. ¿Qué es lo que ha pasado? ¿En vez de enfrentar la luz prefiere la oscuridad? ¿O acaso a veces hay que tener un instante de ceguera para que sea la conciencia la que opere y no sólo el mundo circundante?

A esos interrogantes nos somete Erice, en una película que recuerda mucho a El Sur, su mejor obra, para rendirle uno de los tributos más emocionantes que se recuerden al cine, una suerte de milagro salvador capaz de hacernos recobrar la memoria y ver que los muertos están vivos como en la película de Aparicio. Es que como dice Ramiro, un personaje de Las Cosas Indefinidas: las películas siempre son generosas. Vaya frase. Imponente como para unir a una directora de Córdoba, Argentina, con un director de Vizcaya, España.

Jornada 2/ Nieve en Mar del Plata

Esta crónica iba a estar destinada a otras reflexiones sobre el cine que se está mirando en el festival de Mar del Plata, pero es imposible postergar lo acontecido el domingo a la noche por la conmoción que produjo en el público el estreno de La Sociedad de la Nieve, de J. Bayona, el mismo de El Orfanato, Lo Imposible, Jurassic World, entre otras, y que se encuentra en esta ciudad, donde recibió el premio Astor por su trayectoria.

No se recuerda al final de un film un aplauso sostenido de diez minutos. Hubo producciones ovacionadas todos los años pero lo que ha ocurrido con La Sociedad…no tiene (o muy pocos, habría que hacer memoria) antecedentes. La reacción de los espectadores que colmaron el Auditorium no cesó hasta que finalizara el último de una larga lista de créditos. Pero hubo más: aplausos a mitad de la función.

Es curioso lo que pasa con el cine y otro que lo sabe bien es Cameron. También él rescató una tragedia de la que todos sabíamos el final y terminó siendo una de las películas más taquilleras de la historia. En Titanic, Cameron le agregó la épica romántica para sostener las tres horas pero Bayona, sin comparar, no tenía esa posibilidad pero se las ingenia muy bien para que durante dos horas y media la gente quede sin aliento…a pesar de conocer el final.

Bueno, no hemos dicho todavía que este film trata sobre la llamada tragedia de los Andes y el avión que cayó en la Cordillera con rugbiers uruguayos a bordo, salvándose sólo 16 y que permanecieron 72 días aislados del mundo hasta que encuentran en medio del desolado paisaje al famoso baqueano que da aviso del hallazgo. Aunque toda la platea es consciente que el salvador va a aparecer en ese preciso momento, explota el auditorio en un tremendo aplauso como si la vida misma los sorprendiera a todos los espectadores. Como si no importara que la misma historia sea quien porte la guadaña del maldito spoiler. Eso también es el cine.

En honor a la verdad, La Sociedad de la Nieve, que sin duda irá rumbo al Oscar, no es, a pesar de todo lo dicho, una obra maestra (la frase no es muy feliz pero sirve para graficar la idea). Es una gran producción, pero sería injusto agregar “hollywoodense”, ya que no tiene actores de renombre y se habla en castellano, no en inglés, como la versión de ¡Viven!, por ejemplo. Sí tiene unas escenas portentosas como la caída del avión que contuvo la respiración de las dos mil almas que estaban en la sala. Lo nuevo que puede aportar la película es justamente “la sociedad”, esa mirada colectiva de los que murieron y los que sobrevivieron, a tal punto que el film es contado –al estilo Sunset Boulevard, de Billy Wilder-por un muerto. Y el concepto, si se quiere filosófico de que no fue un milagro porque si así lo fuera se hubiesen salvado todos. Después, es lo imaginable en términos de espectáculo –en este caso lo es- con lo que aportan los avances tecnológicos.

Aunque no estemos en presencia de LA PELICULA del festival, fue, y no sólo por la nieve, un soplo de aire fresco en un encuentro que viene con cierta fatiga digital por no decir flojito de celuloides.

Jornada 1 / El paso (o el peso) del tiempo

Hace algunos años, en realidad muchos, era un lugar común en las crónicas festivaleras, cuando todo comenzaba, hablar de “las primeras postales”, sobre todo cuando el centro de reunión es una ciudad turística como Mar del Plata. Es curioso esto del tiempo pasado, esta entelequia de una postal, escrita al dorso deseando felicidades o algo por el estilo. La palabra postales es una antigüedad porque ya nadie manda postales porque directamente no existen…salvo en las películas.

El festival ha arrancado y hay escenas de películas donde aparecen las famosas postales, como recuerdo o realidad, incluso hay personajes que escriben cartas a mano y las envían por correo. ¿Qué es lo que pasa? ¿El cine extraña el pasado o se extraña a sí mismo? ¿Por qué hay películas actuales que remiten a dispositivos antediluvianos, antes que cayera sobre el arte-industria el diluvio tecnológico y de la plataforma/s?

Hay como una sensación de que el cine se añora a sí mismo, volviendo y revolviendo su perezosa, pero siempre gratificante añoranza de ver cine en las salas. La nostalgia siempre es un arma dañina, doble filo traicionero que elige el mejor modo de matar y a su víctima. Sin embargo, la ficción se moderniza, pero no puede con su genio. Asistimos a nuevas corrientes estéticas que sin embargo rescatan la pantalla partida, el barrido y hasta el fundido. Saltean los formatos de manera inesperada y una película actual de pronto se transforma en una producción de 16mm o incluso en fragmentos de super 8 y hasta los círculos ovales que cerraban una escena en el cine mudo.

¿Qué está pasando con el tiempo o con las películas? O, mejor dicho, ¿qué está pasando con el cine y su tiempo? En Argentina hubo una gran revista que se llamaba Tiempo de Cine, no sería ilógico que apareciera otra que se llamara Cine del Tiempo y que se sumara a las pocas publicaciones que quedan en papel (La Vida Útil, Kilómetro 111, Revista de Cine y unas pocas más) porque los cruces temporales dan para todo.

En las primeras dos jornadas del Festival de Cine de Mar del Plata –realizado con angustias económicas que derivaron en la disminución de salas y por consiguiente en poquísima disponibilidad de entradas- hemos visto trazar una línea de tiempo extraña, seductora, renovada, pero con una cierta fidelidad a tradiciones que se creían perdidas. Esta no es una reflexión sobre las pocas películas vistas hasta ahora (El Hombre de la Esquina Rosada, de vigencia estética arrolladora, Elena Sabe, Sobre Todo la Noche, entre otras) sino sobre el cine mismo. Como si en su desparramo universal de pronto no olvidara el camino desandado y aquella postal enviada al espectador para decirle, simplemente, vení, aquí estoy, soy el mismo de siempre pero distinto. Y tal vez mejor.

AGENDA MUSICAL / Discos: «Hackney Diamonds», de The Rolling Stones

Por Maximiliano Curcio: Si nos remontamos a la cosecha stone de la última década, podemos encontrar en ejemplares como el single «Doom and Gloom» (primero de dos sencillos incluidos en «GRRR!», de 2012, que en tres CDs agrupó cincuenta de los grandes éxitos de una prolífica carrera), el disco de covers «Blue and Lonesome» (2016, versionando otros artistas por primera vez en su carrera) y “Living in a Ghost Town” (2020, tema escrito, grabado y publicado en plena pandemia). Luego de un prolongado silencio sin estrenar material discográfico propio, The Rollling Stones regresan a un gran nivel con una de las más anticipadas novedades del presente año: «Hackney Diamonds», editado por Polydor, compuesto por doce tracks y lanzado al mercado el pasado 20 de octubre. El disco fue presentado en la noche del jueves, con un show sorpresa en un bar de New York, para 500 selectos y exclusivos invitados. La banda comandada por la veteranísima dupla Jagger/Richards -ambos cumplen durante este 2023 ochenta años de edad- concibe el primer trabajo de canciones inéditas en formato álbum desde «A Bigger Bang», y el vigésimo sexto de su abultada trayectoria. Inoxidables, y aún superando la irreparable pérdida de Charlie Watts, la palabra retiro no existe en su vocabulario.

Por Carlos Avalle: Y los gemelos Glimmer (*) lo hicieron nuevamente. Quizás como un presagio interminable, en la primera canción grabada de su autoría allá por febrero de 1964, nos decían: <<Tell me (you´re coming back to me)>> y volvimos a escucharlos con un disco totalmente nuevo, “Hackney Diamonds”, lanzado al ruedo el pasado 20 de octubre de 2023. El trío (o quinteto) bajó a la tierra con este nuevo material, cosa que no hacían desde varios años atrás (“A Bigger Bang” – 2005). En esta ocasión suman a su staff nombres como los de Paul McCartney, Lady Gaga, Elton John, Stevie Wonder, algunas pistas grabadas por Bill Wyman y algo también de Charlie Watts. Mientras escribo esta breve reseña, disfruto escuchándolo por enésima vez con el volumen al borde de lo no recomendable. Una tras otra estas nuevas canciones, absolutamente plagadas de rocanrol, reivindican a estos grandes músicos que saben y sienten lo que hacen. Íconos del rocanrol y faro de estas nuevas generaciones, nos hacen pensar que siempre la sabiduría puede sorprendernos con buenas novedades. En lo personal considero una irreverencia analizar las doce canciones del álbum. Los que seguimos transitando este camino con el rocanrol como banda de sonido sabemos que todo depende del torrente sanguíneo.

Tracklist: Angry”,”Get Close” (feat. Elton John), ”Depending On You”, ”Bite My Head Off” (feat. Paul McCartney), ”Whole Wide World”, ”Dreamy Sky”, “Mess it Up”, ”Live By The Sword” (feat. Elton John, Charlie Watts y Bill Wyman), “Driving Me Too Hard”, ”Tel Me Straight”, “Sweet Sound Of Heaven” (feat. Lady Gaga y Stevie Wonder) y “Rolling Stone Blues» (de Muddy Watters).

(*) NdR: “The Glimmer Twins” -del inglés, ‘los gemelos destello’- es un seudónimo por el cual se conoce a Mick Jagger y Keith Richards, quienes lo utilizan en los créditos como productores de los álbumes de The Rolling Stones. apareciendo por primera vez bajo dicha función en “It’s Only Rock ‘n’ Roll” (1974), sin aclarar que se trataba de un alias de sus respectivas personas.

AGENDA CULTURAL / «Música Para Volar», Teatro Broadway de Buenos Aires – «CHARLY SINFÓNICO»

Por Maxi Curcio

En octubre de 2012, nace “Música para Volar”, integrado por artistas oriundos de Capitán Bermúdez y Rosario, Provincia de Santa Fe. Un proyecto musical que cobró impensada dimensión en los últimos años, y a cuya autoría pertenecen los espectáculos “Un Viaje por la Obra de Gustavo Ceratí” y “Charly García Unplugged”, el grupo está conformado por los excelentes José Matteucci en batería y voz; Alexis Thompson en guitarra; Julieta Sciasci en bajo y voz, y Bruno Moreno en piano. Hacedores de un trayecto cada vez más sólido, continúan, una década después, llevando adelante una abultada gira alrededor del país y en diversos países de Latinoamérica, homenajeando a uno de los pilares de nuestro rock nacional.

El pasado sábado, “Charly Sinfónico” se presentó en el Teatro Broadway de Calle Corrientes, dividiendo en cuatro actos (“La inocencia con la piel”, “El pueblo pide sangre”, “Música es lo que das” y “Asesíname”, respectivamente) una veintena de canciones de agrupada de forma temática, acompañadas de una propuesta audiovisual proyectada en pantallas, en consonancia con el criterio elegido. Rumbo a una ambiciosa tarea, la formación sobre el escenario se ocupó de repasar el cancionero de un artista clave que atravesó las diferentes corrientes y tendencias del rock nacional. A todas y cada una de ellas, dejando una marca indeleble en la evolución del género musical más convocante de nuestro país. Gestor de melodías, ritmos y armonías que marcaron un determinante antes y después, allanando el camino a las generaciones venideras. Charly fue esa llama incandescente.

Viajar hacia el corazón de la obra de Charly García nos lleva a encontrar a un artista cuya trascendencia y relevancia descansa en los talentos de quien supo sintonizar con la realidad social y política país de modo excelso. Bajo el tamiz de la mirada inquieta de quien supo interpretar el pulso histórico de nuestro país, su discografía se nos presenta reveladora. A través de un repertorio cuidadosamente elegido, suenan versiones de “Confesiones de invierno”, “De Mí” e “Inconsciente colectivo”. Tramo a tramo, yendo de lo más luminoso a lo más oscuro de su cosecha, el show amalgama las variaciones de un músico en constante evolución, en tanto se propone como un recorrido conceptual y emotivo por canciones de toda su discografía: desde Sui Generis hasta su extensa carrera solista, pasando por La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán.

Adentrándose en la espesa obra de García, en búsquedas estéticas y sonoras que revitalicen el legado de sus canciones, “Charly Sinfónico” encuentra la precisa coloratura en composiciones que desnudan pasiones y motivaciones, así como fragilidades y inseguridades inherentes a uno de los más grandes artistas de nuestra historia. El espectáculo rescata las diversas facetas compositivas en las que Charly se lució, hallando algunos de los puntos de quiebre insoslayables de su cosmovisión. Digna de atenta escucha, destaca la meticulosa recreación de una compleja pieza como “La Grasa de las Capitales”, asimismo su habilidad como gran relator de historias de amor con sentido visual en “Filosofía Barata y Zapatos de Goma”. Por otra parte, la sutileza poética de “Alicia en el País”, “Cerca de la Revolución”, “Los Dinosaurios” y “Desarma y Sangre” traducen el sentido social y la razón creativa detrás de sus posturas políticas en tiempos convulsos.

En pos de reconocer su dilatada trayectoria, resulta imprescindible dimensionar el radical impacto de García dentro de la escena del rock local y su condición de mentor absoluto. Dos horas de show aportan suficiente contundencia a la hora de sintetizar y colocar en contexto la obra de García dentro del tiempo histórico con el que dialoga, ejercicio que se asume como un reto indispensable para desmenuzarla en mayor profundidad. El oyente melómano, no sin cierta nostalgia, descubre tempranas influencias de la música clásica y la fascinación del García por el tango, gracias a la acertada y dificultosa tarea de ejecución que acometen cincuenta instrumentistas en escena, incluyendo banda, orquesta y coro polifónico.

“Charly Sinfónico” desnuda la esencia del último ídolo vernáculo, rebelde y redimido. ¿Cuántos rostros es posible descubrir? Visionario precursor que supo engendrar el epítome de rockstar contra toda tempestad. García y Los Enfermeros, García y su trono de sangre, García y La Máquina de Ser Feliz. Todos somos Salieris de Charly, buscando en su constelación de canciones el contrapunto que equilibre la perfecta armonía. García como una caja de resonancia y un eco demoledor. Creador de bandas fundamentales, extrajo belleza de ultrajante dolor. Naturalmente disruptivo, radicalmente provocativo y experimentador sonoro, la transgresión vibró en su piel. Oído absoluto, juez y aliado de su destino. Parte de la religión ‘Say no More’, porque la vanguardia es así.

AGENDA TEATRAL / «ESTROPICIO» (Teatro El Método Kairos)

por MAXI CURCIO

Durante los días viernes, en el teatro El Método Kairós, podemos disfrutar de “Estropicio”, una versión libre y reducida de la destacada autora Patricia Suárez, sobre la clásica pieza “Hedda Gabler”, de Henrik Ibsen. Con dirección del experimentado Mariano Dossena y protagónicos de Lucía Tapiola, Federico Dopico y Marcos Horrisberger, apreciamos la presencia en nuestra cartelera de una propuesta arriesgada, que continúa conservando intacto y relevante su conflicto social central.

Escrita en 1890, la historia -según su versión original- nos sitúa en la fría y agreste Oslo. Una precisa estructura dramática aborda temáticas actuales como la institución familiar, los mandatos culturales, el debate entre el deber y el deseo y el rol que ocupa la mujer en la sociedad. Desde un desapacible anochecer hasta el alba del día siguiente, una insomne Hedda, elemento central de la tragedia, transita sus horas claves rumbo a un drástico final. La inestable relación que establece con su marido y el detonante del arribo al pueblo de su ex amante colocan a la joven y aristocrática mujer en un estado de fragilidad mental notable. La caída será estrepitosa y la resolución de armas tomar.

Ibsen, personaje tan insólito como insondable y con una aceptable dosis de oscuridad en su pluma, sabe bien qué hilos tensar para ilustrar el inevitable desasosiego cuando la vida no depara aquello que se anhela. Presa de sus frustraciones, Hedda se pregunta a qué precio obtendrá la ansiada libertad física y espiritual. Porque ser fiel a sí misma conlleva sus riesgos de destrozo o rotura premeditada. Porque a veces, lo que se pretende para la propia realización no es lo que toca en suerte, mientras el común imaginario impone normas para la felicidad ajena: tener un hijo, conservar cierto estatus sin ofender a la moral y entablar una vida matrimonial en armonía.

Antecedente del simbolismo y revolucionario a la altura de pares como August Strindberg o Anton Chejov, Ibsen describe en “Hedda Gabler” un mundo turbio, carcelario y asfixiante. ¿Cómo escapar de esta prisión en vida en la uno se aburre mortalmente? Dossena dirige con acierto a tres intérpretes encarnando la emblemática complejidad que caracteriza al autor, capaces de transmitir las frustraciones y la angustia existencial de aquellos que viven en función (y bajo las expectativas) de lo que la sociedad les impone. En este sentido, el padre del drama moderno y gran bisagra del teatro a nivel mundial, sabe cómo indagar con precisión en vínculos familiares desgarrados: las buenas costumbres que predican los buenos principios no equivalen a lo que ocurre dentro de los límites y circunferencias puertas adentro.

Aquí, el también autor de “Un Enemigo del Pueblo” se muestra como precursor del feminismo, aun sin ser esta su intención. Como protagonista de una de sus obras cumbre, coloca a una mujer inmersa en una sociedad conservadora y patriarcal de fines de siglo XIX, regida por leyes exclusivamente masculinas; una sociedad que dictamina y encasilla según un código en estricto genérico. Algo que ya había hecho previamente en “Casa de Muñecas” (1879) y “Espectros” (1881). En este sentido, la lograda adaptación de Suárez aviva la polémica y el debate moral que subyace en los textos del dramaturgo noruego. Y lo hace con carácter reivindicatorio, afín a sacudir el polvo social de lo imperante.

Agenda cultural: «LOS EMPEÑOS DE UNA CASA» / Centro Cultural 25 de Mayo

Por Maxi Curcio

Dramaturga gestora de un teatro mitológico, nacida en Nueva España, en 1648, Sor Juana Inés de la Cruz fue una de las mayores exponentes del Siglo de Oro de la literatura en idioma español. Considerada por entendidos como la décima musa, cultivó el teatro, la lírica y la prosa. Autora que ha sabido virar de lo religioso a lo laico, Sor Juana Inés de la Cruz concibe en “Los Empeños de una Casa” una pieza dramática de enorme valía literaria y social, compuesta para celebrar el nacimiento de José, hijo de Tomás de la Cerda y Aragón y su esposa María Luisa Manrique de Lara y Gonzaga.

Tres mujeres (Ana, Leonor y Celia) poseen un papel primordial dentro de una historia que gira en torno a infortunios del corazón, irresistibles amoríos y pretensiones entrecruzadas. Comedia de enredos tardo-barroca escrita en 1683, “Los Empeños de una Casa” – profana creación de su tiempo- visibiliza las diferentes formas que cobra el amor de pareja, colocando al género femenino como eje de la historia: la escritora concibe a sus féminas como personajes fuertes y decididos, capaces de expresar sus deseos sin miramiento alguno. En pleno siglo XVII, el texto cobra carácter precursor y rupturista.

Pasión, exaltación, arrebato y frenesí son sentimientos que conviven bajo el mismo techo, en donde todos se empeñan en salvar su honor. Bajo la fina pluma de Sor Juana, las complicaciones van acompañadas de fino ingenio: el argumento se puebla de los típicos malentendidos propios a este subgénero nacido en el marco del teatro clásico español del Siglo de Oro. Ejemplar destacado del texto en verso, la pieza exhibe precisión en el manejo de la intriga que sobrevuela a las complejas circunstancias vinculares que se viven dentro de la casa. Abundan favores callados y peligros irresueltos. El trato puede volverse desapacible, entre hombres y mujeres que sufren por amor, atados a lo incontrolable, víctimas del irremediable atractivo de agradar y a medio paso de la verdad pronunciada sin solución. ¿Serán los flechazos correspondidos?

Desarrollada en Toledo, España, un acertado tratamiento de caracteres enfatiza discursos y acciones, ilustrando estructuras y prototipos del comportamiento humano en constante fricción. Aquí las mujeres no eligen a sus maridos, y el ideario social lleva a cabo una crítica contra el egoísmo y la preponderancia masculina. Una mujer es pretendida por un hombre, pero prefiere a otro, disputando con otra su amor. Embrollado el cortejo, el fracaso se entiende como amarga condición, habitante de un mundo inmoral repleto de celos, envidia, soledad e hipocresía. De gusto cortesano, en “Los Empeños de una Casa” se vislumbran modales, maneras y ropajes arquetípicos de la época, incluso jugando de forma provocativa con el travestismo.

A nuestros oídos llegan coplas de octosilábicos y algunos neologismos; intentamos comprender las consecuencias de tensiones tan ajenas al reparo. Con espíritu provocador, Sor Juana se hace aliada de palabras que llevan consigo musicalidad, acometiendo esta comedia de capa y espada en lanzado riesgo, con evidentes influencias de Calderón de la Barca y a Lope de Vega. La calidad del verso y sus rimas consonantes bordean los extremos temerarios del amor. No hay cuerpo que aguante bajo las ropas que no pertenecen: cuando se develan los disfraces, es hora de enfrentarse a la última de las confesiones. Con fina persuasión y gentil desenfado, la autora descubre los más bajos descuidos camino a una recíproca y feliz unión.

Durante los viernes y sábados de septiembre, en el Centro Cultural 25 de Mayo de Villa Urquiza, fue exhibida la premiada versión, dirigida con excelencia por Santiago Doria, merecedora de cuatro nominaciones a los Premios ACE, y protagonizada por un elenco de primera línea: Maia Francia, Irene Almus, Mateo Chiarino, Andrés D’Adamo, Mónica D’Agostino, Jorge García Marino, Fabián Pandolfi, Francisco Pesqueira y Jazmín Ríos.

Agenda cultural: «UN DOMINGO EN FAMILIA» / Teatro en la TV Pública.

Por Maxi Curcio

El ciclo Teatro presenta versiones televisivas de espectáculos teatrales que recorrieron las carteleras de todo el país. Su más reciente proyección nos convidó de “Un Domingo en Familia”, estupenda obra que relata el secuestro y desaparición de Roberto Quieto, dirigente montonero cuyo nombre no se menciona ni una sola vez a lo largo de todo el texto. Con dramaturgia de Susana Torres Molina y bajo la dirección de Juan Pablo Gómez, se proyectó el pasado viernes, por la pantalla de la TV Pública, en una versión incluida dentro del ciclo que conduce y cura el destacado director de nuestra escena nacional Rubén Szuchmacher.

Coproducida con el Teatro Nacional Cervantes, a su estreno en 2019, «Un Domingo en Familia» arriba al formato audiovisual haciendo gala de una gran belleza poética y de una potencia discursiva notable. Ganadora del Premio Trinidad Guevara para Torres Molina en su labor de autora, la pieza evoca, a través de una provocativa mirada, una época violenta y convulsionada, sentando las coordenadas de un momento político-social tan crucial como extraordinario. Con valentía, indaga en un espinoso territorio, bajos principios irrenunciables: aquí no se mata, sino que se elige morir por un ideal.

La composición teatral recurre a música y ritmo omnipresentes a la hora de discutir los pormenores de un clima enrarecido: las voces se confunden, los discursos se yuxtaponen, el rostro ensaya un grito mudo. Desarmonía en permanente pugna, en la escena habitan sistemas de fuerza que chocan entre sí dentro de un mismo movimiento, capaz de alterar el curso de la historia con el ímpetu un solo gesto. Un procedimiento coral acomete la polifonía de voces desdobladas y contrapuestas, porque el peligro que rodea a uno es el que amenaza a muchos. Sobre el escenario, un brillante grupo de actores y actrices consigue retratos absolutamente conmovedores: Lautaro Pablo Delgado Tymruk, Sergio Daniel Fabricio Mayorquin, Anabella Laura Bacigalupo, José Gabriel Mehrez y María Guillermina Etkin Blanco.

Sorteando con éxito los desafíos de trasladar a un lenguaje a otro medio, en “Un Domingo en Familia” diferentes espacios conviven en un mismo entorno escénico. Al momento de representar los rostros identitarios de una época, el uso de máscaras alivia el peso de la caracterización de ciertos personajes icónicos, prestando un cuerpo a la finalidad de un discurso. La tragedia individual y colectiva visibiliza la contradicción, la fricción y la tensión imperante en medio de la resistencia. Valor poético y eximia calidad interpretativa otorgan entidad a textos revolucionarios y militantes, simbolizando las heridas sin cerrar de un tiempo de llamativa actualidad.

“La Biblia según Vox Dei”, por Ricardo Soulé y La Bestia Emplumada, se presentó en el Centro Cultural Kirchner / por Maxi Curcio

“La Biblia según Vox Dei”, por Ricardo Soulé y La Bestia Emplumada, se presentó anoche en el Auditorio Nacional del destacado multidisciplinario espacio de la ciudad de Buenos Aires y atractivo central de su abultada programación musical. Con motivo de homenajear el segundo álbum de estudio del pionero grupo Vox Dei, Soulé, uno de sus emblemáticos miembros fundadores fue acompañado por un ensamble de cuerdas de la Sinfónica Juvenil Nacional, y su habitual formación, La Bestia Emplumada, integrada por César Colautti en bajo eléctrico, Daniel Oroño en guitarra y coros y Diego “Tiki” Suarez en batería y coros. El concierto se transmitió en vivo por radio Sonido Cultura. Desde el vientre de la ballena, un imperecedero y trascendental mito del rock nacional cobra nuevamente vida…

Repertorio de canciones: Génesis”, “Moisés”, “Las guerras I y II”, “Libros sapienciales I y II”, “Profecías”, “Cristo (nacimiento)”, “Cristo (muerte y resurrección)”, “Apocalipsis”, «Canción para una mujer que no está», «Presente» y «Gata de noche».

Procedentes del Gran Buenos Aires (más precisamente, de la localidad de Quilmes), Vox Dei constituyó el corazón palpitante del prominente rock de la primera generación de los ’60. La irrupción dentro de nuestro rock nacional, a mediados de aquella década, no tenía nada en común con aquello que, por entonces, se escuchaba en el ambiente. Su formación original estaba compuesta por Ricardo Soulé -en voz y guitarra-, Willy Quiroga -en voz y bajo-, Juan Carlos Godoy – en voz y guitarra- y Rubén Basoalto -en batería-. Su estilo no se parecía a la moda impuesta por Los Gatos y tampoco era comparable a Almendra. Precursora, la banda conjugó energía, potencia y gran capacidad lírica. Virtudes suficientes como para ser descubiertos por el sello Mandioca de Jorge Álvarez, discográfica que promocionaba grupos emergentes del blues y del rock local. Gracias a la difusión obtenida, llegaron a tocar en los míticos festivales Buenos Aires Rock, deslumbrando al incipiente territorio del género.

Si bien comenzaron cantando temas en inglés (clásicos de The Byrds, The Beatles y The Rolling Stones), su aporte al rock nacional vendría de la mano de una obra conceptual. En los estudios TNT, concibieron la mítica “La Biblia” en 1971, bajo la edición de un álbum doble de indudable maestría que los llevaría unirse a CBS. La obra, de profundo contenido religioso, marcó un hito en la historia del rock nacional, cobrando aun mayor significancia en tiempos políticos y sociales turbulentos. En los albores de nuestro rock, “La Biblia” reinterpretó al idioma musical elementos simbólicos y poéticos de las liturgias sagradas, en un abordaje sin antecedentes que ha conseguido mantenerse vigente, sorteando épocas, tendencias y mutaciones del fenómeno musical más convocante. A partir de su éxito, Vox Dei comenzaría una fructífera etapa profesional, en donde grabarán placas como “Es una Nube, No hay Duda” (1973) y “Ciego de Siglos” (1976).

LA COMPAÑÍA TOIA&CALACCI PRESENTA DOS DE SUS ÚLTIMOS TRABAJOS

por AGUSTINA TOIA

La compañía Toia&Callaci nace en la ciudad de Rosario (Argentina), con los directores, actores y creadores teatrales Agustina Toia y Severo Callaci. Trabajan en la creación y producción de sus espectáculos, dictando seminarios de entrenamiento físico expresivo en todo el mundo, proponiendo una búsqueda poética propia. Trabajando desde el teatro físico, poético, político y popular.

Han participado de Festivales Internacionales, recibido premios y realizado trabajos escénicos, en Italia, Suiza, Alemania, Bélgica, México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Perú, Bolivia, Chile, Uruguay, Paraguay, Cuba, España, etc.

Actualmente, la compañía está presentando los dos siguientes trabajos:

En “El Ángel de la Valija”, un actor sobre el escenario cuenta nuestro tiempo, dominado por lo superfluo, lo intangible y lo incomprensible. Reciente ganadora de los premios a Mejor Dirección, Actuación y Unipersonal en Nueva York, se trata de una comedia poética y fantástica con más de ciento setenta funciones realizadas alrededor del mundo.

“El Señor de los Árboles”, documental seleccionado en festivales internacionales, integrante de la última edición del MAFICI (Festival Internacional de cine de Puerto Madryn). El largometraje narra, con sentido metafórico, las aventuras y aprendizajes de Luis Laurino, un hombre que dedicó su vida entera a la pasión por los árboles, desde la semilla hasta el árbol anciano.

LAS JUANAS – UNA HEREJÍA CÓSMICA, la obra aplaudida en Argentina y el mundo vuelve a LA CARPINTERÍA.

por AGUSTINA TOIA

SOBRE LA OBRA / Las Juanas es un unipersonal que vengo escribiendo desde el 2015. Todos estos años he investigado mucho, leyendo sus poesías, sus tratados, sus biografías, yendo físicamente a los lugares donde han sigo encerradas, quemadas, a los museos que conservan sus misterios y reliquias, a las plazas en donde se han manifestado, a los territorios que han defendido, a sus casas. Esta obra nace de un deseo profundo de abordar el universo femenino. Sus vidas me representan a modo personal en muchos aspectos y es desde ahí que las invocamos, las pensamos, las escribo. La vida de ellas como punto de partida hacia mi mundo más íntimo. Volvía a Argentina luego de haber vivido siete años en Europa. El hecho de que Las Juanas lleven el mismo nombre y curiosamente hayan sido víctimas de las mismas acusaciones y precursoras de las mismas ideas a un lado y al otro del Atlántico, fue también un camino para mí. Era una oportunidad de reconciliación entre mis dos patrias, ya que hay 4 Juanas latinoamericanas y 4 Juanas europeas. Un nombre en común para borrar las fronteras y buscar la unidad. Cada una luchó por defender sus ideales, cada quién con su arma: la pluma, la espada, la palabra, la militancia política, la fe. La obra, a través de un lenguaje físico y poético, hace hincapié en las situaciones y universos que las unen: la política, la justicia, la locura, el aborto, el travestismo, la maternidad, el deseo, la lucha, el feminismo, la patria, las contradicciones de la historia, la poesía, la paz, la fe, la libertad, dándoles una oportunidad para decir aquello que no pudieron decir. Todas Las Juanas se rebelaron a su tiempo: sufrieron procesos y condenas, fueron las primeras mujeres en escribir, vivieron la prisión y el convento, fueron a la guerra, liberaron a sus países y a sus almas, sufrieron el amor locamente, creyeron en sus instintos y siguieron adelante por sus sueños, fueron asesinadas por la inquisición, sufrieron violencia doméstica, adiciones y abuso de poder, terminaron en la pobreza absoluta, pero quedaron estampadas en los billetes de sus países, las sepultaron bajo otro nombre, tuvieron que ocultar su identidad detrás de un seudónimo o del aspecto de un hombre para escapar a su destino, fueron censuradas y olvidadas por la historia, sus huellas han quedado impresas en la historia no oficial, envueltas en un aura mítica muy grande. Una oportunidad para repensar a la mujer y los lugares que ha ocupado a lo largo de la historia en la sociedad, un homenaje a ellas por su condición, su amor, su perseverancia y su valentía. Todas Las Juanas han muerto, pero ha quedado mucho por decir. Esta obra recupera la fuerza del grito que han dado, pero también del que no han podido pronunciar.

SOBRE LA PUESTA EN ESCENA Y PROPUESTA ESCÉNICA / El espectáculo está protagonizado por una sola actriz quien lleva a cabo un profundo trabajo actoral del cuerpo y de la voz en continua transformación. El cuerpo como dramaturgia y un vestido blanco en constante movimiento, que cada Juana usará de un modo diferente, transformándose en pantalón, manto papal, camisón, vestido de monja. A su vez ese mismo vestido servirá escénicamente para otras cosas: será moisés, bandera, mantel, estandarte, caballo, camisa de fuerza, etc. El escenario será una terraza con dos cuerdas para secar la ropa. En estos hilos habrá poemas tendidos al sol, telas que servirán para armar y desarmar la escena: para hacer los muros de la celda, el altar de una iglesia, un techo, una plaza, un campo, una habitación, una carpa. En la escena hay pocos objetos que se irán resignificando a medida que avanza la obra, al ser utilizado por las diferentes Juanas. Cada una de ellas tendrá su escena y, entre una y la otra, habrá transiciones musicales, que le permitirán a la actriz prepararse el vestido y los objetos para la siguiente escena: siendo de este modo una mujer sola que se pasea de un modo fantasmagórico, por la terraza o por la casa, con un aire onírico. Hay paisajes sonoros para cada escena que nos sumergirán en la noche, en el campo, en la iglesia…Hay cantos, escenas de danza y una poesía llena de metáforas, alegorías y reflexión. El espectáculo habrá terminado y el público parecerá haber despertado de un sueño lleno de emoción, esperanza y libertad.

AGENDA TEATRAL – «LA NOCHE DE LOS HIPÓCRITAS» – Teatro Argentino de La Plata

Por Maxi Curcio

En la sala Astor Piazzolla del Teatro Argentino continúa desarrollándose el ciclo «Cultura en Escena en el Teatro Argentino», espacio que busca restablecer y favorecer el encuentro de los platenses con las más atractivas propuestas escénicas. En el marco de una nueva edición, el Instituto Cultural bonaerense presenta a Nora Cárpena en el radioteatro “La Noche de los Hipócritas”, junto a la participación especial de María Rosa Fugazot y un gran elenco.

Con entrada libre y gratuita, previa reserva de localidades vía web, el espectáculo tuvo lugar el pasado día miércoles 13 de septiembre, a partir de las 20 hs.

“La Noche de los Hipócritas” recurre el particular género abordado antaño en estudios de radio, incorporando efectos de sonido recreados con precisión en la sala y aliándose de la imaginación de cada espectador como indispensable ingrediente en cada función. A lo largo de una hora de duración, la obra nos involucra en el álgido encuentro de un grupo familiar acostumbrado a congeniar reuniones tal como se arman obras de teatro: pura puesta en escena de engaños, disputas y rencillas. Durante una celebración de Año Nuevo, en una distinguida residencia, una sorpresa mayúscula está por desatarse. En una noche de clima tempestuoso, una verdad triste y podrida saldrá a la luz.

El dispositivo de comedia es utilizado aquí para camuflar la tragedia y visibilizar la auténtica naturaleza de los integrantes de un grupo familiar de clase social alta acostumbrado a fingir detrás de sus máscaras de estatus. Entre un futuro sin esperanza y trampas que muestran las uñas, nos preguntamos qué lugar queda para el amor que nos llene de música y sueños. Pasajes musicales interpretados en vivo, entre los que destacan el tango “Gricel”, de Mariano Mores y “Pasional” de Alberto Morán, ilustran los ánimos de una velada en absoluto idílica; en la mesa familiar abunda el dolor y el rencor, y la palabra que se verbaliza genera asco y rechazo. Arruinada la convivencia, la vida marcha rápido y es más tarde de lo que parece.

La pieza es autoría de Alberto Migré – emblemático productor de televisión argentino, responsable de varias de las telenovelas más exitosas de la televisión argentina- y Víctor Agú, autor especialista en radioteatro que escribió junto a Migré obras como “Inconquistable Corazón”.

Cabe destacar que el propio Agú ha formado una duradera dupla junto a Cárpena, explorando el radio teatro a lo largo de cuatro años en la Casa de Provincia de Buenos Aires (transmitido por Radio Provinicia), así como también formando parte del homenaje al Teatro Abierto (adaptado al formato radio teatral) llevado a cabo en el Teatro Nacional Cervantes. Además, han llevado a cabo giras provinciales, y entre sus trabajos en conjunto se encuentra el folletín (novela diaria) “Rebelión Otoñal” (de Migré) y “Las de Barranco” (de Gregorio de Laferrère).

AGENDA TEATRAL – «FANTASMATIC: INVOCACIÓN STANISLAVSKY» – El Portón de Sánchez

Por Maxi Curcio

La escenografía nos sitúa en el ensayo de una obra teatral. La profundidad del espacio nos hace pensar en una pista de entrenamiento. A ambos lados, un par de cortinas blancas simulan figuras fantasmales. La realidad se desvanece, también las líneas temporales. Seis actores representando actores, debaten acerca de la correcta realización de una escena. La forma meta teatral encarna los conceptos teóricos y prácticos propuestos por el emblemático teórico soviético, creador del método actoral, ‘alguien que hasta sus últimos días se atrevió a poner en duda sus propios postulados´.

Fundador del Teatro de Arte de Moscú, el pedagogo Konstantin Stanislavski (1863-1938) propuso un enfoque sistemático para la formación de actores, desarrollando durante la primera mitad del siglo XX el fino arte de experimentar lo inasible. Sus preceptos movilizaron el pensamiento y la voluntad interna del actor bajo interrogantes claves: ¿qué justifica la acción? ¿qué define la búsqueda? ¿qué impide conseguirlo? La activación de procesos psicológicos, así como la experiencia emocional y el comportamiento subconsciente se convierten en herramientas revolucionarias. Sus propuestas serían luego desarrolladas en Estados Unidos por Lee Strasberg, influenciando notoriamente a una generación hollywoodense, digna continuadora de una serie de técnicas dispuestas a vivir una acción, en contraste de representar una ficción.

En “Invocación Stanislavsky”, los pasajes dramáticos se deconstruyen en diversas variables rítmicas: el esfuerzo colectivo activa esa precisa zona de la memoria que concatena fragmentos y recrea sensaciones menos controlables. La multiplicidad se apropia del efecto realidad, en busca de sentimientos que capturen toda la historia en un solo instante. El grupo de intérpretes se vale de rutinas afines, recurriendo a recuerdos personales: improvisan y liberan sus cuerpos, dando vida a una expresiva sistematización de movimientos. Un hombre contempla el paisaje y habla con una mujer que se pregunta si aún queda amor entre ambos. ¿Adónde fue a parar? ¿Hay que ir a buscarlo? Porque no puede desaparecer así porque sí…si es emoción, no será superficial.

La compañía de actores recurre a Stanislavsky, y sus vestimentas evocan la estética de tiempos pasados. Danzan alrededor de objetos imaginarios, marchan siguiendo instrucciones, ejercitan el cuerpo y la voz. El factor lúdico se torna fundamental al momento de investigar nuevas formas de entrenamiento, mientras que la mirada que contempla desde las butacas intenta comprender que siente aquel que mira desde un escenario. Cien años de equívocos ofrecen considerables razones: ¿qué siente un actor? ¿qué nos hace creer? ¿de qué nos convence? Es hora de extremar los recursos: en el territorio ficcional se hará presente la muerte, y algo en el horizonte ensombrecerá el espíritu. No lo vemos, pero es fácil de imaginar. ¿Será la euforia de los moribundos? El brillo y la lucidez del instante precio son señales fidedignas. La aparición de la alegría suprime el dolor, pero ahora es tiempo de seguir ensayando.

El trabajo gestual y corporal se vuelve incesante y mimético, piedra fundamental de un lenguaje -entonces- en ciernes. Un magnífico elenco conformado por los talentosos Diego Velázquez, Paola Barrientos, Juan Ignacio Bianco, Matías Corradino, Hilario Laffitte y Marianela Pensado, se convierte en el alma, fuerza física, espíritu y corazón de una experiencia teatral inigualable. “Fantasmatic: Invocación Stanislavski”, con dramaturgia y dirección de Ciro Zorzoli, se presentó por primera vez en el Ciclo Invocaciones, con concepto y curaduría de Mercedes Halfon, en el Complejo Teatral San Martín, durante el año 2019. En la actualidad, esta singularísima propuesta de nuestros escenarios e imprescindible recomendación, continúa dispuesta a apresar un intangible, y puede disfrutarse en el espacio El Portón de Sánchez, del barrio de Almagro, durante los días domingos.

AGENDA TEATRAL / «TERCER CUERPO» – Espacio Máscara

Por Maxi Curcio

Durante los viernes de agosto, en el Espacio Máscara de la ciudad de Córdoba, se presentó la emblemática obra “Tercer Cuerpo”, escrita por Claudio Tolcachir, aquí bajo la dirección de Juan Pablo Herrera. Después de recorrer veinte países y más de cincuenta festivales internacionales, este fenómeno del teatro independiente, estrenado en el año 2008 y traducido a siete idiomas, arriba a tierras cordobesas.

Su título alude al tercero de un edificio de varios cuerpos, emplazamiento en dónde se desarrollará la acción. Observamos la simultaneidad de una oficina, un restaurant, un bar y un consultorio médico, en donde un mobiliario ambiguo representa cada uno de los espacios mencionados. Los diferentes sitios se alternan conjugando una entidad física única, unificando las circunstancias que atraviesan una serie de personajes inmersos en la incomprensión y en la incapacidad. Bajo el mismo techo, reina un silencioso asedio. En la soledad de aquel lugar olvidado, las necesidades se expresan con urgencia. Por ende, en la cotidianeidad, la convivencia explota.

El encuentro con el otro se vuelve patético, doloroso y violento. Atestiguamos la más auténtica incapacidad de accionar de forma pura y simple. No es extraño que la confianza no llegue a desarrollarse lo suficiente entre cinco personalidades que conviven sin saber, realmente, uno del otro. El tiempo compartido discurre sin cada uno involucrarse con su semejante; se trata de mentirse a sí mismos y a los demás. El sinsentido y el absurdo de la vida afloran en su máxima expresión, y la incomodidad coloca a cada uno de los personajes en un caótico fuera de lugar, en el cual actos de retorcida oscuridad y vergüenza respecto a la propia identidad llegarán a confundirse. De tal modo, problemáticas sencillas cobrarán intrincada forma.

El texto instala los tiempos de la escena, funcional a una dramaturgia que presenta zonas de quiebre y ruptura como código insustituible. Protagonizada por un elenco local integrado por Virginia Garrone, Eduardo Ferreyra, Estefanía Kiessling, Sandra Stuto y Luis Torrez, la presente pieza aborda a una serie de personajes con enorme deseo afectivo, falibles de encontrar nicho dónde depositarlo. Se encuentra disponible también en la plataforma Teatrix (versión con elenco original y dirección de Claudio Tolcachir, estrenada en 2015, en Teatro Timbre 4).

Agenda Teatral / EL DICCIONARIO (Teatro El Tinglado)

Por Maxi Curcio

Cursando su séptima temporada, la notable obra “El Diccionario”, escrita por Manuel Calzada y dirigida por el gran Oscar Barney Finn, retrata la vida de María Moliner, bibliotecaria, archivera y filóloga de origen ibérico, autora del Diccionario de Uso Español, publicado en 1966. La pieza nos adentra en el duro trance de salud que atravesara esta precursora figura, así como también en el tiempo de vida afanosa y apasionadamente dedicado a la creación del citado diccionario.

Desde la España franquista a la España liberada, se nos traza la silueta de una mujer que busca imponer sus propias reglas. Hija inconformista del mil novecientos, quien emprende un recorrido no apto para un género habitualmente sesgado, desplazado y disminuido en sus derechos. Un juego entrecruzado de latitudes temporales nos adentra en la rutina cotidiana de un ser que se enfrenta a su propio deterioro. Paralelamente, un médico indaga en el proceso que la conduce al irremediable Alzheimer. Tal vez, como una extraña burla del destino, la arteriosclerosis que le fuera diagnosticada se convierte en la cruel forma bajo la cual la vida le devuelve la pérdida del sentido de cada una de esas palabras que su labor absorbió.

Con total abstracción, nos convertimos en partícipes del pasado que sustenta una vida que sorteó el franquismo como status quo, e hizo de la propia quijotada contra molinos de viento un mandato irrenunciable. María no cesó en luchar por su objetivo de vida, brindando minuciosidad y dedicación absoluta en su empeño. Más tarde, solo quedarán palabras vaciadas: territorio de pertenencia para la inercia de un cuerpo envejecido y diezmado de su más notoria facultad. Nada queda intacto, una vez expuesta la desorientación de la que es preso, sobre un magnífico blanco sin memoria.

Ganadora de dos premios ACE -Actriz teatro alternativo: Marta Lubos y Espectáculo teatro alternativo-, también galardonada con el premio María Guerrero y el Premio Nacional de Literatura Dramática en España, “El Diccionario” es exhibida actualmente, los días domingo, en El Tinglado. Actúan, de formidable modo, Pablo Flores Maini, Marta Lubos y Roberto Mosca. Mientras tanto, el gran Osmar Nuñez cumple la labor de voz en off.

Agenda Teatral / LOS OTROS DUARTE (Teatro del Pueblo)

Por Maxi Curcio

En “Los Otros Duarte” se repasa la historia de María Eva Duarte de Perón desde la mirada de los medios hermanos de una de las figuras fundamentales de la vida política argentina del siglo XX. Sus hermanos, aquellos para los que los libros de historia no guardaron ningún lugar, aquellos que no generaron interés alguno en los múltiples abordajes biográficos sobre Eva. Ellos tendrán aquí la palabra y la subjetividad emotiva absoluta, vertiendo opiniones encontradas respecto al fenómeno peronista, e invitándonos a una profunda reflexión acerca de la otredad y nuestra noción de país.

“Los Otros Duarte” siembra mayúsculos interrogantes que nos interpelan como ciudadanos. ¿De qué modo construimos nuestra propia noción de realidad? Mixtura de realidad y ficción, el relato comienza en 1926, con un hito que marcará para siempre la vida de Eva: la muerte de Juan Duarte, su padre. Una efeméride fundacional para la hermana ‘bastarda’ y suerte de rival para sus tres hermanos; hecho a partir del cual recorreremos una línea cronológica que condensa décadas signadas por el amor y el resentimiento; por la aceptación y el desprecio; paradójicamente, la familia oficial aquí se ubica en la vereda de enfrente del ciego fanatismo.

De modo tragicómico y apelando al registro costumbrista, “Los Otros Duarte” recrea una estructura narrativa que otorga voz a tres de los cinco hermanos de Eva en la vida real: cada uno de ellos se diferencian notablemente en conductas y posturas adoptadas. Delante de sus ojos desfilan episodios claves que forjan el mito de la verdadera protagonista, aunque no veamos su rostro una sola vez. Desde sus orígenes a su partida de Los Toldos, pasando por sus trabajos en el cine y su posterior acercamiento a Juan Domingo Perón.

La destacada obra, exhibida actualmente en el Teatro del Pueblo y disponible a través de la plataforma Teatrix, obtuvo el Premio Argentores en el Concurso “Del Texto a la Escena, 2019” para el desarrollo y estímulo del Teatro Nacional. Culminando un proceso creativo demorado por instancias de la pandemia, Marcelo Velázquez dirige con gran acierto el texto autoría de Gastón Quiroga, ejercitando una renovada mirada sobre un personaje capaz de despertar incesante interés en el cine, la literatura y el teatro.

METALLICA ESTRENA “M72 WORLD TOUR” EN LOS CINES DE TODO EL MUNDO

Por Maxi Curcio

Desde Arlington, Texas, el M72 World Tour de Metallica irrumpió en la pantalla grande a nivel mundial, a través de un broadcast que nos permitió disfrutar a una de las bandas más trascendentales en la historia del heavy metal. Un evento cinematográfico sin precedentes, en donde el grupo originario de California, fundado en 1981 por Lars Ulrich y James Hetfield, abordó dos listas de canciones completamente diferentes, repasando lo más destacado de sus cuatro décadas de trayectoria. Desde su álbum debut de 1983, el visceral “Kill ‘Em All”, hasta el flamante lanzamiento de 2023, “72 Seasons”, una sofisticada placa de casi ochenta minutos de duración.

El arrollador «Lux Æterna», primer sencillo promocional, se convirtió en el primer estreno mundial del undécimo trabajo de estudio, eje de un recorrido que dio comienzo el 27 de abril del corriente, y cuya conclusión de anuncia para septiembre de 2024, en la Ciudad de México. Actualmente en curso por tierras americanas y pulverizando récords a su paso, la ambiciosa gira M72 cuenta con un audaz y llamativo diseño circular en forma de anillos que reubica el famoso escenario Metallica Snake Pit, de manera que los fanáticos tengan una vista completa de trescientos sesenta grados.

Setlist – Noche 1:

Creeping Death

Harvester of Sorrow

Leper Messiah

King Nothing

Lux ÆTerna

Too Far Gone?

Welcome Home (Sanitarium)

Shadows Follow

Orion

Nothing Else Matters

Sad but True

The Day That Never Comes

Hardwired

Fuel

Seek & Destroy

Master of Puppets

La fórmula de Metallica se asume incontrastable: riffs galopantes en los dedos de Kirk Hammett, líneas de bajo de Robert Trujillo como un repiqueteo de ametralladora, el cavernoso caudal vocal de Hetfield comandando con poder de destrucción y el violento acompañamiento de batería en manos de Lars Ulrich. A lo largo de un set que se extiende por dos horas de intensa duración, entre estrenos de la nueva placa y clásicos coreados a modo de himno, la doble velada en el AT&T Stadium nos dejó certeras muestras de la contundencia que exhibe una banda de intacta perdurabilidad, trazando su enésimo lazo con la industria cinematográfica, luego de los exitosos estrenos de “Trough the Never” (2013) y “Metallica & The San Francisco Synmphony” (2019).

En las cadenas de cine más concurridas de nuestro país (y superando el millar de salas de todo el mundo), durante las noches del 19 y 21 de agosto, nos convertimos en partícipes del monumental M72 World Tour, una ambiciosa gira de conciertos en apoyo del undécimo álbum de estudio de la banda, editado en el pasado mes de abril. Con una configuración multicámara de última generación, el privilegio de disfrutar de este evento en una sala a oscuras nos anima a participar de una experiencia musical invaluable; un espectáculo audiovisual que nos coloca en el centro de la acción, entre pochoclos y headbanging, siendo testigos del contundente presente de una banda de estirpe legendaria.

Setlist – Noche 2:

The Call of Ktulu

Creeping Death

Leper Messiah

Until It Sleeps

72 Seasons

If Darkness Had a Son

Welcome Home (Sanitarium)

You Must Burn!

The Unforgiven

Wherever I May Roam

Harvester of Sorrow

Moth into Flame

Fight Fire with Fire

Whiskey in the Jar

One

Enter Sandman

Richard Coleman & El Trans-Siberian Express se presentaron en la ciudad de Buenos Aires

Por Jimena Coltrinari

En la noche del sábado 19 de agosto, tras su paso por Burzaco y Córdoba, el maestro Richard Coleman & El Trans-Siberian Express regresaron a C.A.B.A., luego de su actuación en Lucille, el pasado 25 de marzo. Esta vez, el sitio elegido fue el clásico café-concert La Trastienda, ubicado en el corazón de San Telmo. La última presentación en este mítico lugar ocurrió en octubre de 2022.

Pasadas las 21 hs., con un tramo instrumental seguido de “F-Á-C-I-L”, inició el viaje a toda máquina en este potente tren de auténtico Rock N´ Roll, conducido por el gran compositor, cantante y guitarrista, junto a una banda de lujo integrada por Daniel Castro, en bajo, Diego Cariola, en batería, Gonzalo Córdoba, en guitarra y Bodie, en teclados. El vibrante recorrido, que tuvo alrededor de una hora y media de duración, incluyó clásicas estaciones musicales de la carrera de Coleman, interpretadas, como es habitual, de forma impecable, con su correspondiente respuesta por parte de un público leal, que acompañó cantando, aplaudiendo y con expresiones de cariño en cada intervención.

Para celebrar los doce años de amistad con El Trans-Siberian, fecha que coincide con el lanzamiento del álbum “Siberia Country Club”, subió al escenario la cantante Flopa Lestani, quien se lució con su voz y energía increíbles, en dueto magistral con nuestro anfitrión, en “To Bring You My Love” (de P.J. Harvey) y en “Arañas Bebé” (inédito).

Este “viaje hacia la oscuridad”, en palabras de Richard, vivido con total intensidad, terminó con los temazos “Días Futuros”, “Desechos Cósmicos” y “Hombre al Agua”, y el agradecimiento por el techo y el sonido compartido.

En septiembre, nuestro querido músico, realizará la gira “Cuestión de Tiempo”, un tour por Europa, en formato acústico, que incluye distintas ciudades de España, Dublín y Londres. Y en octubre, junto a la banda, tocarán en Temperley y, por primera vez, llevarán su exquisita música a tierras chilenas.

Setlist:

Intro Instrumental («I Feel Love», de Donna Summer y Giorgio Moroder)

F-Á-C-I-L

Casa de Papel

Terminal

Lo que nos Une

Entre Sábanas (de Fricción)

Turbio Elixir

Perfecto Amor

Fuego

El Agua no se Puede Beber

Humanidad

To Bring you My love (de P.J. Harvey, con Flopa Lestani)

Arañas Bebé (inédito, con Flopa Lestani)

Cuestión de Tiempo

Incandescente

Dios Nos Libre (Editado en el disco de Gustavo Cerati “Ahí Vamos”, 2006)

Días Futuros

Desechos Cósmicos

Hombre al Agua

AGENDA CULTURAL / Muestras de Arte

METAMORFOSIS / Por Valeria Serruya

El concepto de la serie es la Metamorfosis entre ser humano-reino vegetal, vinculado con la idea de retorno a la Naturaleza. Busco integrar al individuo con su entorno y por esa razón en mis representaciones aparecen figuras metamorfoseadas. Mi desarrollo pictórico es expresivo-social-cultural-político, proponiendo una reflexión ecologista.
En el proceso de producción se puede partir del cuerpo humano hacia otras formas orgánicas, o viceversa. Al principio el planteo estuvo enfocado en una sola figura con su metamorfosis, luego fue cambiando a diferentes composiciones con más de una figura. Algunas representaciones son figuras completas, otras son diferentes fragmentos de la morfología humana-vegetal. Las diversas formas de integración figura-fondo se dan en correspondencia al clima propuesto. Comencé trabajando en acuarela dado el carácter etéreo de la técnica, vinculándolo al mundo onírico, surreal. Posteriormente establecí un diálogo entre lo etéreo, donde priman las sutilezas del sfumato, y lo terrenal, con la sensualidad de la materia pictórica, incrementándose actualmente esta última por medio de la pintura acrílica.
La temática de las figuras metamorfoseadas goza de gran apertura en las formas de representación, y puede ser abordada de diferentes maneras. En mi obra está siempre presente como hilo conductor el amor y el respeto hacia la Naturaleza. Es mi aporte a la lucha por preservar el ambiente, y para concientizar y motivar a otros a participar en la misma corriente.

Dónde y cuándo: GALERÍA MUNICIPAL DE ARTE (Soler 217), desde el 15/8 al 27/8

ESTRENOS EN SALAS: «Fragmentada», de Facundo Escudero Salinas

Por MAXI CURCIO

De reciente estreno en diversos espacios INCAA del país, la destacada película «Fragmentada» nos lega una poderosa y necesaria reflexión. Una historia de unión entre mujeres atravesadas por la determinación, en permanente lucha contra el atropello, la violencia, el avasallamiento de derechos y toda forma de poder que pretenda silenciarlas. Este valioso ejemplar de nuestro cine independiente visibiliza vínculos familiares en reconstrucción, y en su mensaje prima la noción de sororidad, hasta las últimas consecuencias.

Facundo Escudero Salinas, dirige un efectivo film que aborda temáticas como la codicia empresarial, la corrupción policial, la persecución a los pueblos indígenas y la contaminación ambiental. El registro genérico es utilizado aquí como soporte: forma en función de contenido mixturan al thriller con el cine de denuncia, desde una inusual perspectiva dentro de nuestra industria. El relato gira alrededor de la investigación sobre el crimen de una adolescente, ocurrido en un poblado del sur de nuestro país. Allí acude una mujer policía y madre soltera, en la perspicaz tarea de descifrar la pista clave que desentrañe el misterio.

La siempre intensa Jazmín Stuart se coloca bajo la piel de una heroína de fuste, en cuya esencia confluye lo sensible y lo aguerrido. Atravesada por una compleja historia de vida, busca sanar sus propios traumas y recomponer el vínculo con su madre (Beatriz Spelzini). Sobreviviente de su propio pasado, calza sobre sí un escudo de emociones y empuña un arma, porque la vida le enseñó que debe aprender a defenderse. En igual medida de frágil que desafiante, el personaje interpretado de forma soberbia por Jazmín no teme en confrontar al poder de turno, aunque tal actitud no conforme a su padrino (César Bordón)…no en vano es una mujer de carácter a quien, de vez en cuando, se le va la mano.

El conmovedor retrato al que da vida la protagonista de la tercera temporada de “El Jardín de Bronce” carga con un pesado pasado sobre sus espaldas. Debe soportar la opresión machista y las habladurías del lugar. La amenaza latente cobra forma de epíteto como acto de injusticia: es tildada de ‘asesina’. En el peor de los casos, su condena será el precio a pagar por develar una verdad y hacer justicia. Algo se filtra en la fractura irremediable, cuando la lucha personal y el oficio se confunden, y antes de que su destino sea sellado, es hora de que enseñe a su hija a disparar. Porque, con buen olfato, sabe distinguir a la bestia que golpeará a traición. Ella hace todo bien, pero está en tierra de lobos.

ESTRENOS DE CINE EN STREAMING: «Doble Discurso» / AMAZON PRIME VIDEO

Por Maxi Curcio

La comedia dramática “Doble Discurso”, recientemente estrenada en la plataforma de streaming Amazon Prime Video, y protagonizada por Diego Peretti, Rafael Ferro y Julieta Cardinali, nos adentra en los delicados inconvenientes que atraviesa un candidato político, quien utiliza los servicios de un estratega de campaña para imponerse en las elecciones. El film, escrito y dirigido por Hernán Guerschuny (“El Crítico”), traza evidentes lazos con la realidad actual, y el círculo mediático gestado en derredor a la poco ética competencia que aflora en tiempos de campaña.

El grotesco intenta describir la naturaleza de ciertos personajes que conforman nuestra fauna política, desde los pasillos de la Casa Rosada a los actos de proselitismo: tejes y manejes en las cúpulas de poder. La retórica y la sabiduría griega hacen su aparición para cumplir un interesante rol metafórico dentro de una trama conformada a través de tres ejes vitales. Una periodista (Cardinali) buscando la verdad, un político (Ferro) que no tiene opinión propia y un estratega (Peretti) dispuesto a jugar el juego sucio. Cada uno de ellos, piezas intercambiables de un orden manipulado. Que no es lo mismo que mentir…

Peces gordos cegados por la ambición ilustran un paisaje atestado de corrupción, y, conformando un necesario ingrediente dentro del nefasto panorama, una pizca de moral en la conciencia podría corregir el rumbo a tiempo. El asesor de imagen trabaja desde las sombras, sabe cómo ser influyente en segundo plano. Táctica y estrategia serán empleados sin margen de error alguno, a la hora de inventar un candidato que seduzca a la gente. La capacidad de raciocinio en medio de un escándalo político mayúsculo buscará salvaguardar la buena moral de los implicados, sumidos en hechos desfavorables que salen a la luz en medio de una campaña.

Citas y guiños a Simone De Beauvoir y Albert Camus contribuyen a la descripción del pensamiento político dominante en un escenario plagado de intenciones arteras. ¿Quién es el domador del circo? Entre la parodia y el realismo, “Doble Discurso”, apela a la identificación con nuestra idiosincrasia, buceando con liviandad en un territorio poco explorado por el cine nacional. Contando con interpretaciones secundarias de Víctor Laplace y Jorge Suárez, el relato gana interés cuando se propone satirizar al mundo político, pero luce algo forzada cuando prefiere mixturarse con una veta romántica que no acaba de encajar por completo. Aún así, no empaña el resultado de un film dueño de atractivo propio.

JULIETA DÍAZ Y DIEGO PRESA estrenan «RÍO» en Espacio Roseti

Por Maxi Curcio

Estrenando su segundo trabajo en conjunto, el LP “Río” (2023, editado por el sello independiente Bizarro), sucesor de “El Revés de la Sombra” (EP, 2022), la cantante y actriz Julieta Díaz y el compositor y músico uruguayo Diego Presa retornaron a su habitual formato dúo en el espacio cultural Roseti, ubicado en el barrio de Almagro. Días después de presentarse en Pura Vida Mae (Tucumán), así como en el cierre de la 7ma Edición del Festival de Cine de Pico, la velada porteña los reencontró con su público, en un clima ameno e intimista.

Entre tragos y cocina de la casa que amenizaron el show, las canciones hicieron su aparición pasada las 21 hs. para llenarnos de melodías y poesía. En un set que se dividió en dos entradas de cuarenta y cinco minutos de duración cada una espaciadas por un intermedio, Diego y Julieta intercalaron en el repertorio logradas composiciones de los mencionados trabajos discográficos, entre las cuales destacaron “Flor de Agua”, “Descubrir”, “Minotauro”, “Luz de Río”, “Zamba” y “Arrancar el Día”. Surcando el horizonte en línea recta llegó la pegadiza “Tordo”, una de las novedades más celebradas. Luego fue tiempo de “Serpiente en Vuelo”, huesos y penas para un blues de pura cepa.

Uniendo ambas orillas, el cauce encontró a sendos cantantes a exacto medio camino -porque el río tiene esa luz-, rumbo a rescatar dos logradas gemas incluidas en “Río”, homenajeando la obra de Alfredo Zitarrosa (“Si la Canción Quiere”) y Gabo Ferro (“Volver a Volver”). Nos llueve melancolía gracias a dos magníficas reversiones. Al momento de visitar la prolífica obra discográfica de Presa, llegó el turno de “Melodía Simple” (perteneciente al EP “Visitante”, 2022). Más adelante, un segmento de canciones ternarias nos invitó a la atenta contemplación de “Río Negro” y “Desafina”, como anticipo a un tramo final que nos descubrió la belleza que cruza el paisaje, revistiendo las texturas de “Rojo”, “Perro” y “Serás Peligrosa”.

La presentación resultó otra fiel muestra de un dueto dueño de una identidad propia incontrastable, fruta madura capaz de exhibir sobre el escenario un constante crecimiento. Cuando Julieta, cada vez más sólida en su rol, nos ofrece su amplio rango vocal, y no solo canta de maravillas, sino que también, y como parte de la condición performática que domina, coloca su cuerpo como instrumento para transmitir (y potenciar) las emociones que brindan coloratura a cada canción. Porque, como una gran actriz sabe, solo así se entiende desde adentro.

En esos instantes está Diego, en el lugar indicado, acompañando en guitarra y haciendo gala de su magnífica destreza con las cuerdas. Y, cuando los roles se invierten y le toca cantar, lo hace con talento, energía y autoridad, porque sabe que cantar es dejarse el alma y la piel en el escenario. Y allí está Julieta, haciendo la segunda voz. Son dos enormes artistas que se conocen de memoria, y la química exhibida nos hace pensar que el refrán no fallará rumbo a nuevas creaciones en conjunto, porque no hay dos sin tres…

PEDRO AZNAR BRINDÓ UN CONCIERTO DE CUMPLEAÑOS EN BUENOS AIRES

Por Jimena Coltrinari

El domingo 23 de julio, pasadas las 21 hs., el gran Pedro Aznar celebró su cumpleaños con un hermoso concierto, en formato unipersonal, que reunió clásicos y canciones de su más reciente disco doble, el extraordinario «El Mundo No Se Hizo en Dos Días» (2022).

Por segundo año consecutivo, la cita fue en el Auditorio Belgrano de la ciudad de Buenos Aires. La sala estaba colmada, con un público dispuesto a demostrarle todo su amor al brillante cantante, compositor y multiinstrumentista, en el 64° aniversario de su natalicio.

Exultante de felicidad, con «Tu Amor» (Aznar/García), Pedro inició un repertorio pensado para esta velada especial, que tuvo bellas músicas representativas de distintas etapas de su prolífica carrera, y momentos altamente emotivos, como las conmovedoras interpretaciones de «Quebrado» (a capella), «Love» (de John Lennon, con Pedro sentado al borde del escenario), «Ya No Hay Forma de Pedir Perdón» (versión de «Sorry Seems To Be The Hardest Word», de Elton John/Bernie Taupin), «Mientras» (un aire celta ejecutado con mandolina), «Un Simple Abrazo» (con letra de Víctor Heredia y música de Aznar, precedida por un sentido relato acerca del origen de la canción, en tiempos de la pandemia), «Tu Corazón» y «Canción de Otoño» (en logrados pasajes por el nuevo álbum), «Corpoland» y «Aceitosaurio» (también estrenos, precedidos de sendos comprometidos y potentes manifiestos). Solo por rescatar algunas instancias destacadas, desde la absoluta subjetividad; cada asistente tendrá sus propias capturas memorables.

Al término, nuestro músico orgullo nacional, que venía de presentarse en Tecnópolis, fue agasajado con una torta y el canto del «Feliz Cumpleaños», por parte del público, sumado a distintas expresiones de cariño y presentes obsequiados por fans. Lágrimas en los ojos del maestro, y, claramente, en los nuestros también, reflejaron el cierre de una noche de intensa celebración.

SETLIST

Tu amor

Lina de luto

A cada hombre, a cada mujer

Un simple abrazo

Tu corazón

Rencor

Ya no hay forma de pedir perdón

Corpoland

Fugu

Zamba para olvidarte

Reverdece

Canción de otoño

Aceitosaurio

Mientras

September Blues

Todo de mí

Dejando la tormenta atrás

Mientes

À primera vista

Quebrado

Love

BENITO CERATI PRESENTÓ SHASEI EN EL CAFÉ BERLÍN DE BUENOS AIRES

Por JIMENA COLTRINARI

En la trasnoche del viernes 21 de julio, después de una extensa gira por distintas ciudades de Europa, con motivo de la presentación de Shasei, su fabuloso primer disco solista, el eximio cantante y compositor Benito Cerati brindó un magnífico show en el emblemático Café Berlín de la ciudad de Buenos Aires.

«Tu Espada en Mí», «El Atardecer», «Luz Mala» y «Agujero Negro», gemas pertenecientes a su más reciente obra, editada en noviembre de 2022, fueron las elegidas para dejar en evidencia, desde el arranque, el enorme talento, la increíble voz y la magnética presencia escénica de nuestro anfitrión.

Luego, llegó el momento de la sentida apreciación de influencias y guías musicales, con un potente mashup de Let Forever Be/Tomorrow Never Knows (The Chemical Brothers y The Beatles) y las bellísimas interpretaciones de «Shasei» y «Buenos Días Amor» (Shasei) junto al maestro Lito Vitale, quien lo acompañó en el piano. Beni siempre reserva un espacio en sus conciertos para agradecer y reconocer a los músicos que son faros en su camino artístico y profesional.

Promediando la noche, con intensas emociones a flor de piel, se sumaron al repertorio «Futuro Incógnito» y «Cemento», ambas piezas de Shasei, las siempre aclamadas «Santa Fe» y «Cerca» (Lapsus, Zero Kill), y una versión de «Teardrop» (Massive Attack).

Con «La Tercera es la Vencida» (Shasei), cantada a dúo con Lula Rosenthal, «Virus» (Shasei) y «Mil Maneras de Amar» (de su autoría, no editada), Benito cerró otro recital mágico e inolvidable, demostrando, una vez más, que su hábitat natural es el territorio de la música.

Cabe destacar que Benito estuvo acompañado por una excelente banda integrada por Agustina «China» Roldán (teclados), Juliana Isas (violín y teclados), Roberto Saver (batería) y Alfred García Tau (guitarra).

AGENDA TEATRAL – «VENECIA», Teatro Boedo XXI

Por Maxi Curcio

“Venecia” fue llevada a escena por primera vez en 1998. Ha sido representada en diversos países de Latinoamérica, también en Inglaterra, España, Canadá, Estados Unidos e Italia. Su éxito y vigencia resultan un fenómeno incontrastable. La cartelera local la recibe nuevamente, habiéndose exhibido durante los meses de abril y mayo en el Teatro Boedo XXI, con dirección de Rosario Zubeldía.

Es autoría de Jorge Accame, porteño radicado en Jujuy, hace más de cuatro décadas. Dramaturgo, cuentista y novelista, ha consagrado su vida y tiempo a la escritura, concibiendo en su obra cumbre una tierna fábula que desarrolla en un paisaje marginal: un pueblo perdido en el norte de nuestro país. En dichas calurosas coordenadas, lo ingenioso y lo grotesco se conjugan para tramar engaños con buenos motivos. Una madama ciega se verá tomando parte de una travesía imaginaria que ella cree absolutamente auténtica, otorgando sentido dramático a la obra. “Venecia” apela al costumbrismo para proyectar su sentido metafórico: el afán de La Gringa gira en torno a la búsqueda de un galán perdido, Don Giacomo, amante a quien robó y abandonó. ¿Quién sabrá apiadarse de las miserias de esta mujer en el otoño de sus días?

El regreso a la ciudad del amor por el afán de resarcir antiguos yerros, en realidad, involucra la experiencia teatral como espectadores; porque la ilusión nos alcanza siempre, dispuestos a colarnos bajo la piel de personajes que existen solo en aquella zona onírica donde la invención lo hace todo posible. Con transparencia, dulzura y simpleza, “Venecia” nos identifica. Sabe encontrar lo mágico y lo poético en lo más cotidiano e ingenuo, porque la felicidad a la que se aspira requiere de un condimento especial para ser hallada: la pureza de corazón.

El espectador se mira en una sala de espejos, la pieza nos interpela: ¿qué motoriza nuestros deseos? ¿qué despierta la necesidad de solidaridad? Tres mujeres y un cliente habitual del prostíbulo se enfrascan en construir mecanismos para un mundo ficticio del cual luego no se podrá salir. La unión hace la fuerza: un avión de mentira surca los confines de un contexto lúdico, porque hay sueños que se resisten a morir. El patético y colorido grupo humano pretende seguir el plan hasta las últimas consecuencias, porque la epifanía todo lo permite…este es un viaje sin moverse de aquí.

Una versión de la presente obra, estrenada en 2016 y con dirección de Helena Tritek, se encuentra disponible en la plataforma Teatrix.

AGENDA TEATRAL – «UNA», Espacio Timbre 4

Por Maxi Curcio

¿Somos lo que pensamos? ¿Cómo refleja nuestra personalidad la impresión que tenemos sobre nosotros mismos? Magnífico escritor y creador teatral, filósofo y ganador del Premio Nobel, también polémica figura que se declarara adepto al fascismo en 1922, Luigi Pirandello concibe en “Uno, ninguno y cien mil” una novela definitoria. Un proceso de descomposición personal, una suma de partes, una huella autoral. Una obra que reúne el sello identitario de su entera trayectoria. Quizás, un pretexto para no volver a escribir jamás, según las propias palabras del dramaturgo fallecido en Roma, en 1936.

La poética del juego de rol dialoga con la realidad, inspirando la presente puesta dirigida por Giampaolo Samá y exhibida en el espacio Timbre 4. La observación externa de un detalle físico actúa como detonante: ¿cómo nos ven los demás? ¿cuántos personajes somos? Una sola máscara es la que portamos. En fantástica labor unipersonal, Miriam Odorico transmite el amplio abanico de sensaciones una vez la propia identidad ha sido puesta en duda. El intenso monólogo que conforma “Una” recrea un cuestionamiento de formas de conocerse a sí mismo y a los demás. Más interrogantes emergen a la superficie. ¿Qué nos da entidad? ¿El nombre que portamos, el estatus económico o la profesión? ¿Nada de eso o todo a la vez?

Ante ojos extraños que contemplan y juzgan, la idea que tenemos sobre la realidad que nos rodea muta de forma constante. La percepción externa causa tumulto emocional y se pronuncia implacable. ¿Qué relación hay entre las ideas que elucubramos y una nariz que ahora observamos en el reflejo? Hay un cuerpo momificado esperando respuesta. Sesenta minutos transcurren de modo absorbente. Mientras tanto, el alma se mueve, pero distinta.

AGENDA TEATRAL / «Miguel de Molina al Desnudo» (Teatro El Picadero)

Por Maxi Curcio

El actor español Ángel Ruiz, en compañía del eximio pianista César Belda -en calidad de músico en escena y director musical-, se propone revisitar la icónica figura de Miguel de Molina. Años atrás, Ruiz se fascina con la figura del cantante a través de su biografía, titulada “Botín de Guerra”. Luego, una entrevista de casi cuatro horas de duración, realizada por Carlos Herrera para el Canal Sur, acaba conformándose en el principal disparador y fuente de consulta para la presente adaptación a escenarios.

Durante ocho únicas semanas, en el Teatro Picadero, el fenomenal actor se camufla por completo bajo la piel del legendario artista, convirtiendo un palpitante monólogo en un diálogo cerrado con una platea que adquiere forma de ávida rueda de prensa. El hallazgo logra romper la cuarta pared: hemos venido a capturar la gran noticia. “Miguel Molina al Desnudo” establece un puente de conexión entre el pasado y el presente, y su principal valor reside en la noble búsqueda de la justicia poética, acaso en el necesario llamado a un despertar de conciencia, que nos empatiza con el sufrimiento en carne propia de un artista perseguido por la dictadura franquista y auto expatriado. Somos testigos de una performance vibrante: un hombre sometido a un sinfín de avatares, quien pretende sepultar definitivamente sus penas y aliviarse de cargas.

En palabras de Miguel de Molina, la frase adquiere contundencia: cuando llegó a este mundo, en España ejercía el poder Alfonso XIII… y también gran parte del clero. Tierra natal de la que debió partir para jamás volver. El poeta utiliza su boca para denunciar y sus canciones ilustran un tiempo, en la expresión de un sentimiento inequívoco. Se pronuncia presto a desenterrar de las fosas del olvido las viejas y recalcitrantes modas, aunque con ello se reabran profundas heridas. Este magnífico retrato y homenaje al artista malagueño, exiliado a Argentina en 1946, se advierte como el elocuente fresco socio político de un país en donde reina el hambre, la pobreza, la ignorancia y la superstición. Es la semblanza de una España retrógrada; es la exposición de sus frágiles eslabones institucionales, caldo de cultivo para la inminente Guerra Civil.

Dirigida por el dramaturgo Félix Estaire y ganadora del Premio Hugo al Mejor Unipersonal, la conmovedora pieza se propone contar la versión definitiva de una mirada ayer sesgada, y parte constitutiva de una memoria (y de una historia) que una porción entera pretende obviar. Corriendo el velo sobre aquel encasillamiento del que fuera víctima, se deja al mito por completo desnudo, restaurando la belleza y la sensibilidad que habitó en una figura injustamente condenada al ostracismo. Para capturar el alma de una figura clave del siglo XX, Ruiz hubo de beber de su inagotable agüita del querer.

AGENDA TEATRAL / «ME DUELE UNA MUJER» (Teatro San Nicolás), por Maxi Curcio

Un hombre que es dejado por su mujer no puede separarse de ella, tampoco evitar pensar en su ausencia. Todo lo que hace, indefectiblemente, lo lleva a añorarla e idealizarla. Sumergido en una abstinencia afectiva total, se encuentra por completo escindido de su ser. Atemorizado y preso del duelo, sabe que no podrá volver a enamorarse. La imagen de Paula es inconmensurable, y se repite, igual que su nombre. Como un mantra, a lo largo de seis largos meses de celibato. ¿A quién no nos duele alguien?, pareciera ser la premisa de una obra que apuesta por la identificación ante la pérdida de un ser amado.

El estado de melancolía, abandono y soledad que no puede superar, signa los días del desdichado personaje. Se comunica con su inseparable e imaginario alter ego, elemento onírico de un viaje introspectivo que nos interpela de inmediato. Su omnipresente compañía lo aconseja y contiene. Hace terapia, pero no logra encaminar su minado ánimo. Paula se ha convertido en una obsesión que se multiplica alrededor. Toda mujer lleva su rostro, su aroma y su piel. Un placentero padecimiento que renueva el tortuoso recuerdo de aquella mujer que sonríe y camina por las manos, como arena que se escurre. El derrotero lo lleva directo hacia una verdad absoluta: no importa lo que haga, no podrá librarse de aquel recuerdo que habita en una intersección de calles que será mejor no nombrar en voz alta.

Con libro y dirección de Manuel González Gil, “Me Duele una Mujer” se exhibe actualmente en el Teatro San Nicolás, como parte de una exitosa gira nacional. Nicolás Cabré, Mercedes Funes y Pepe Monje estelarizan una obra concebida bajo un gran marco escenográfico: del vagón de subte al recorte urbano, de una boletería de cine a una mesa de café; parece casi una puesta cinematográfica. Inmerso en la pesadilla, para Miguel el corazón no es mero decorado. El suyo es un llanto emocional sin posibilidad alguna de alivio. Nada más doloroso que el amor no correspondido.

AGENDA TEATRAL / «LUZ TESTIGO» (Espacio Callejón), por Maxi Curcio

En la maravillosa “Luz Testigo” confluyen cinco relatos, cinco historias breves escritas en pandemia, y protagonizados por magníficos intérpretes: Ramiro Delgado, Luciana Grasso, Silvina Katz, Paula Manzone, Agustín Meneses, Marcelo Pozzi, William Prociuk y María Villar.

En medio del lapso de cuarentena más severo, el siempre prolífico director y dramaturgo Javier Daulte persiguió nuevas formas de seguir creando. ¿Qué hacer cuando no se puede estrenar? Era hora de escribir y ensayar. La idea fue impulsada a través de un concurso de obras breves, en el que participaron más de trescientas. De las finalmente seleccionadas, su autoría corresponde a: Tomás Afán Muñoz, Marina Artigas, Rubén De La Torre, Julián Marcove y Agustín Meneses. Así fue como surgió “Luz Testigo”.

El título elegido como disparador designa a aquella luz encendida que permanece sobre un trípode, en el escenario. Esto ocurre, sobre todo, en los grandes teatros. Sin embargo, el simbolismo aplica a todos ellos sin distinción. El mensaje era esperanzador: aunque el teatro esté vacío regresaremos pronto a la mágica ceremonia. Al necesario encuentro con el público, en la vital valoración del ritual del cual estuvimos privados por un tiempo considerable.

Más allá del elemento estético, la presencia de la luz cubre un rol fundamental en cada uno de los relatos. El abordaje roza tangencialmente un tiempo vivido entre sensaciones de extrañeza, miedo, incertidumbre y aislamiento. Con diversidad, se nos presenta un abanico de estados, emociones y vínculos corporales:

Una mujer mayor se refugia en sus ensoñaciones, acompañándose de su radio. La imaginación siempre es una fiel aliada. La investigación de un hecho criminal toma como punto de partida una visión libre sobre “Hansel y Gretel”. ¿Qué ocurrió realmente en esa casa? Un padre y su hija comparten un sentido diálogo durante la cuarentena. Él atraviesa una dura enfermedad, ella se acerca a asistirlo. Son dos exiliados de un mundo en quiebre. El ir y venir en el tiempo difumina los límites narrativos de una noche en donde los recuerdos se empecinan en regresar. Un ejercicio de teatro dentro del teatro, en donde el espectador se sentirá especialmente parte. Un actor desesperado por un amor que lo observa desde la platea no puede evitar monologar respecto a él. En lo alto de un edificio, el encuentro fortuito de dos personas, un mutuo agradarse y descubrirse. Las almas solas siempre saben encontrarse.

Nominada a los Premios ACE como Mejor Espectáculo Alternativo, “Luz Testigo” rebosa amor al teatro y eximia calidad. Su fuerza emotiva es un foco incandescente. La pieza se exhibió hasta mayo del corriente año en el bello refugio teatral alternativo de Abasto, llamado “Espacio Callejón”, y que actualmente se encuentra cumpliendo treinta años de existencia.

AGENDA TEATRAL / «LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN» (Espacio Timbre 4), por Maxi Curcio

En una familia de apellido Coleman, los roles que se ocupan tienden a causar un marcado desequilibrio. Dentro de los límites del hogar nada parece funcionar, careciente el núcleo de la posibilidad de brindarse mutuo cuidado y contención. Abundantes de egoísmo, inexactos en el ejercicio del poder. Puede que se trate de una familia normal, como cualquier otra, hecha de relaciones complejas con su propia historia y pasado.

Los vínculos son descriptos desde el patetismo: a un lado y otro, reina la incomunicación. La enajenación y la decadencia son tratadas como algo natural, y cuando el afecto brilla por su ausencia, el dinero pretende comprarlo. El sálvese quien pueda se entiende como primer mandamiento, porque la supervivencia propia es en detrimento del acto solidario. Una madre abrumada cree que la oportunidad de volver a maternar iguala a volver a hacer bien lo que ayer se hizo de modo deficiente. Lo dicho admite los golpes más bajos…

Claudio Tolcachir concibió una obra repleta de humor negro, abordando los extremos y profundidades de un clan al límite de la disolución. Concibiendo dicho registro con el fin de expandir los confines que la anticipada dureza indica, la distorsión evidente espeja miserias humanas en las que nos podemos reconocer. En esta propuesta absurda y tragicómica, cuando la casa ‘se ha vuelto loca’ un hospital reconstruye la cotidianeidad de vínculos neurotizados. El corrimiento hacia el delirio dibuja una perfecta dinámica del desbalance.

¿Cuál es la auténtica omisión a la que alude el título? No hay rastros por aquí de ley y autoridad paternal alguna; nadie parece estar dispuesto a dar el ejemplo ni hacerse cargo de las elecciones tomadas. Ni siquiera una abuela agonizante podrá aportar algo de templanza, cuyo declive físico indica que ciertas decisiones deben ser tomadas con urgencia. Estrenada en 2005, “La Omisión de la Familia Coleman” celebra su temporada número diecinueve en el valioso espacio teatral Timbre 4, con las actuaciones de Jorge Castaño, José Frezzini, Tamara Kiper, Inda Lavalle, Cristina Maresca, Miriam Odorico, Gonzalo Ruiz y Fernando Sala.

Nota de redacción: una versión estrenada en 2014 se encuentra disponible en la plataforma Teatrix.

AGENDA TEATRAL / «BAJO TERAPIA» (Teatro Buenos Aires), por MAXI CURCIO

Ganadora del Primer Premio CONTAR, “Bajo Terapia” es una obra que coloca en nuestras manos la misiva salvadora: una serie de indicaciones para intentar destrabar conflictos de pareja. Un mecanismo de lecturas en misteriosos sobres anuncia los temas a tratarse en tan vital sesión. Cada pareja ocupa el rol de analista, liberando la opinión solo cuando el problema se convierte en el diagnóstico sobre un otro.

Llevada recientemente al cine, por el español Gerardo Herrero, la obra data de 2015 y su autoría pertenece a Matías Del Federico. Bajo la dirección de Federico Jiménez, actualmente se encuentra en cartelera en el Teatro Buenos Aires. En clave de tragicomedia presta a exponer el patetismo humano, “Bajo Terapia” contrapone historias de amores y desencuentros, de celos y odios, de amores correspondidos y no. La conversación se pone picante, y con humor se nos presenta las miserias y particularidades de parejas muy diferentes entre sí. En tono vertiginoso, el registro hilarante prima a lo largo de una hora y media de duración.

El reflejo del problema descubre las propias falencias. ¿Es necesario hablar en estos términos?, se inquiere a los gritos. Lugares comunes de toda convivencia son exhibidos, como trapitos al sol; inclusive, traspasando todo límite ético. Humillarse y denigrarse frente a ojos de los demás es moneda corriente. La obra analiza perfiles sociales universales, a medida que ciertas actitudes se camuflan en lo correcto y lo convencional. A no escandalizarse, ocurre en las mejores familias.

Visibilizando silenciados abusos y dominancias patriarcales asumidas como algo ‘normalizado’, la obra adquiere un impensado matiz. El nudo central del argumento se develará sobre el desenlace; se trata de la bofetada que nos hace caer en la trampa. El final persigue el golpe de efecto, desnudando la raíz del trauma.

Nota de redacción: una puesta de la presente obra, estrenada en el año 2015 y con dirección de Daniel Veronese, se encuentra disponible en la plataforma Teatrix.

Agenda Teatro / EL JUEGO DE LA SILLA (Teatro El Tinglado) – Por MAXI CURCIO

Exhibido con gran éxito, a lo largo de cinco temporadas en el bello espacio El Tinglado, retorna a cartelera un clásico del teatro independiente contemporáneo, bajo la dirección de Mauro Pérez. El mentado ‘juego de la silla’ descarta a quienes se quedarán afuera, y puede que no haya suficientes para tanta gente. El guiño nostálgico nos lleva hacia nuestra infancia, aunque, en realidad, la frase se encuentra utilizada como metáfora para designar una serie de roles intercambiables, en donde el factor de pertenencia será puesto en duda.

La obra reproduce sobre el escenario un micro universo significativo, a través de dinámicas familiares, y múltiples relecturas pueden tejerse a partir de este texto, basado en el guion cinematográfico de un film de culto para la cinefilia argentina de principios de los 2000. Tras ocho años viviendo en el extranjero, el primogénito de la familia retorna a casa para convivir fugazmente con sus padres. Al mismo techo de su niñez y adolescencia. En las antípodas de la idealización del vínculo, lo patético aflora de inmediato en la superficie. Haciendo del humor su aliado, la destacada directora y actriz, responsable de films como “Los Marziano” y “La Novia Errante”, describe un regreso al nido bajo tintes costumbrista. La rutina arrasa en vértigo permanente y sin pausas, porque es hora de celebrar y exteriorizar. El afecto materno se muestra exacerbado, manipulador, absorbente. Sin embargo, por algún motivo, el muchacho se muestra reticente a la apertura.

Una serie de conceptos incuestionables atraviesan la pieza, de principio a fin: el tiempo no vuelve, aunque nos resistamos a su paso, y el lazo de sangre, a veces, puede volverse algo complejo de discernir. El amor crece deforme, tal vez porque lo no dicho acaba atragantando. La manifestación verbal en un medioambiente viciado denota el comportamiento enfermizo, porque el síntoma es funcional: no se dicen todas las verdades. Los años de ausencia dieron paso a la omisión…tanto como el silencio que se produce después de la risa, a lo largo de tramos en donde la obra recurre a lo excesivo e hilarante para agradar.

“El Juego de la Silla” recurre a pequeñas sutilezas a nivel lenguaje para demostrarnos la esencia de un grupo portador de virtudes y defectos que podrían resultarnos de lo más afines. Cuando la delgada línea se desdibuja, la locura desbordante sobre el escenario reconoce en espejo la normalidad propia.

Agenda Teatro / EL LOCO Y LA CAMISA (Teatro Picadero) – Por MAXI CURCIO

A simple vista, “El Loco y la Camisa” expone la cotidianeidad de una familia compuesta por madre, padre, hijo e hija. Llevarán a cabo una cena en donde, por primera vez, asistirá un visitante inesperado: el novio de ella. Aunque, detrás de la premisa, hay mucho más. El hijo del matrimonio es un muchacho especial, diferente, que coloca en apuros a su dislocado grupo familiar. Las fricciones, pretensiones y problemáticas van surgiendo sin tregua. La doble fachada asoma…porque la insatisfacción genera hastío y rechazo. En el living familiar, la violencia se ha instalado, con literalidad y sin filtro.

Lo realista entrelaza ejes arquetípicos. Hilarante y exagerada, aunque no por ello exenta de realismo, la obra revela a la verdad. Como espectador, uno puede rápidamente identificar a la locura, aunque no se dilucide su procedencia; aquella condición que siempre solemos señalar con el dedo. Tal vez, la pregunta correcta quizás sea: ¿quién está cuerdo aquí? ¿por qué se convierte aquel que no goza de salud mental en el responsable de decir lo que no se deba? ¿es la misión del incomprendido desenmascarar las internas familiares? Las acciones determinan matices dramáticos y cómicos; el humor se convierte en un elemento clave de reflexión en instancias donde la pieza agrega condimentos sociales, emplazándose en el conurbano bonaerense y abrevando en prejuicios respecto a las diferencias de clase.

Singular resulta detallar, que “El Loco y la Camisa” comenzó como un número de café concert en el Teatro Ensamble, para, improvisación mediante, expandirse hacia límites impensados. Se llevó a cabo en un departamento real, y, luego, fue creciendo hasta llegar a El Camarín de las Musas. Uno de los éxitos más resonantes del teatro off, atraviesa hoy su novena temporada a sala llena. Los fenómenos teatrales con gran permanencia a veces no suelen ser sencillos de explicar: nadie puede negar su calidad y vigencia de culto. Exhibida actualmente en el Teatro Picadero, es autoría de Nelson Valente, director también de la premiadísima “Laponia”, y uno de los dramaturgos con mayor talento del medio local.

Nota de redacción: Una versión estrenada en 2015 puede disfrutarse también a través de la plataforma Teatrix.

AGENDA CULTURAL: Se suspende el estreno del musical «ROMPAN TODO».

Por Maxi Curcio

La lamentable situación económica que vive nuestro país afectó los planes de Billy Bond en querer montar un espectáculo de carácter inmersivo, con seis escenarios diferentes, pantallas LED, orquesta sinfónica, dos bandas tocando en simultáneo, holografías, efectos especiales en 4D, escenografías movibles y hasta un helicóptero. La ilusión, con desmesura, cobraba dimensión cinematográfica. ¡Si hasta quería hacer nevar en el Luna Park! …Porque su intención no era realizar un recital como cualquier otro; la apuesta era más ambiciosa. Artistas de la talla de León Gieco y Richard Coleman habían dicho presente, pero no pudo ser. La intención radicaba en homenajear a más de sesenta músicos claves para comprender nuestro rock nacional, entre quienes se cuentan a Charly García, Andrés Calamaro, Los Gatos, Sumo, Virus, Pappo, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Los Abuelos de la Nada y Sandro.

Intentemos trazar una semblanza de una figura seminal de nuestro rock. Autor de aquella intempestiva orden de ‘rompan todo’ en el mismo recinto que hoy lo vería retornar, y resignificara el signo cultural y social de un tiempo. El acto salvaje fue la característica identitaria perfecta, necesitábamos un grito de libertad y un adalid que nos guíe. Cuando el rock tomaba noción de su potencia como instrumento para vehiculizar un mensaje social, excediendo las fronteras del género, se convirtió en el boom masivo que todos conocimos. Porque Bond sintetizó el espíritu de una época, y allí nacía el mito de La Pesada, un fenómeno irrepetible y de carácter de culto. Había sido fundada por el productor Jorge Álvarez (del sello Mandioca), en 1970. Pasó de ser banda abierta a banda estable, y por sus filas alternaron músicos del calibre de Claudio Gabis (actualmente de gira en suelo argentino), Luis Alberto Spinetta y David Lebón.

Bond, cantante, productor y director musical, radicado hace cuatro décadas en Brasil, en donde desempeña con éxito su labor a nivel internacional, pretendía recrear una puesta teatral sumamente ambiciosa. El tributo largamente proyectado (y pospuesto en anteriores ocasiones) se proponía honrar la singular mística que lo precede. Cincuenta años después del estallido, la frágil realidad de nuestro país nos quita otro sueño, devolviéndonos al amargo reverso del otro extremo, siempre más nefasto. Ahora, la frase que se eterniza es: ‘paren todo’. Sumidos en una era en donde asistir a un concierto sigue constituyendo ese ritual tribal sagrado, aunque las modas imperantes hayan modificado su esencia, hubiera resultado un hecho de interés atestiguar a las generaciones más jóvenes conectarse con esa energía, auge y apetito del rock de antaño.

El gestor de canciones como “Loco, ¿no te sobra una Moneda?” continúa siendo atractivo y una marca cultural notable, habiendo inspirado al exitoso documental de Netflix estrenado en 2022, y recientemente publicado el libro de memorias “Rompan Todo” (Ed. Planeta). Había trabajado por última vez en Buenos Aires en 2019, cuando adaptó el clásico “El Mago de Oz”, con la colaboración musical de Fito Páez y arreglos de Daniel Vila. Su enésimo regreso no pudo concretarse. Temeroso de perder fortunas, el fundador del supergrupo pionero en Latinoamérica, en declaración a la Revista Rolling Stone, cita la otra cara de la moneda y recuerda el caso de Palito Ortega con Frank Sinatra (su millonaria visita a Argentina se produjo en 1981). El viaje en gran escala hacia el epicentro de nuestro rock naufragó del modo más penoso, sin llegar a contribuir a su profusa historia con un capítulo a la altura de su estirpe.

Agenda de Cine / ESTRENO EN SALAS / «Reina Animal»

Por Maxi Curcio

Moroco Colman es un cineasta que nunca busca será ser complaciente y elegirá correr riesgos artísticos. Luego del suceso obtenido con un sólido film de denuncia como “La Noche Más Larga”, regresa a la gran pantalla en compañía de Sofia Castells, productora socia y guionista, pieza clave de un proyecto que busca pronunciarse acerca del maltrato animal. El experimentado realizador utiliza el instrumento audiovisual y potencia al lenguaje como herramienta para abrir un debate al que nos invita a participar, de forma indirecta y en absoluto panfletaria. Con inteligencia, Colman sabe cómo abordar a su audiencia sin predisponer su mensaje ninguna clase de maniqueísmo. Genéricamente, el film protagonizado por Sofía Gala Castiglione se en enmarca en el canon de un thriller nocturno, optando por una narrativa que encuentra en el instinto de supervivencia y en lo marginal de la condición de sus personajes una potencia plástica suficiente. Filmado en Córdoba, durante los últimos tramos de la pandemia, “Reina Animal” fue rodada con protocolo de sustentabilidad, hecho inédito en Argentina y aspecto a destacar, con el fin de concientizar respecto a la creciente contaminación ambiental. Sus locaciones poseen la impronta urbanística particular que brinda la zona del Mercado Norte y su decena de manzanas en derredor. A los fines ficcionales, el barrio se convierte en un submundo solitario, desolado y violento, aislado de toda geografía circundante. Presentada en la última edición de BAFICI y luego estrenada en el cine Lorca, en los espacios Gaumont y en Multiplex, el largometraje se encuentra pronto a comenzar su tránsito en recorrido de festivales internacionales.

ESTRENO EN CINE AR PLAY / «Cuentos de la Tierra»

Por Maxi Curcio

Llega a las plataformas de streaming una singular película de ficción, en una clase de abordaje que escasea en nuestro medio. En “Cuentos de la Tierra”, la fuerza de la cultura de los pueblos originarios cobra vida cinematográfica a través de cinco historias que se van amalgamando, con sensible trazo poético, para conformar un relato orgánico en consonancia con el concepto ancestral mapuche.

Luego de profusa investigación a lo largo de dos años recorriendo territorios autóctonos, el trabajo de investigación implementado por el realizador Pablo Nisenson y la guionista Vivi Suárez traza puntos en común con una ficción que pretende dar voz a un pueblo semi olvidado. Ocho mil años de preexistencia coloca en perspectiva la importancia y permanencia mapuche. En búsqueda de nuevos paradigmas posibles de interpretar la esencia de la comunidad, Pablo Nisenson transita sentires y tamiza su mirada autoral por fuera del esquema antropocentrista que rige la vida. La raigambre que consolida e identifica el territorio sobre el cual se erige. Armonizan los elementos de la Tierra…

Filmada en locaciones como Río Negro, el rodaje sortea dificultades. De modo fortuito, cierta magia parece estar del lado del equipo creativo. “Cuentos de la Tierra”, bellamente fotografiado en blanco y negro, entrega postales de auténtico retrato pictórico. Además, valoriza ciertos detalles técnicos: a los efectos de recrear símiles condiciones, construye canoas que se asemejan a las utilizadas por los pueblos originarios; entre texturas sonoras, una voz a capella e instrumentos ancestrales suplantan a la música incidental de película.

La temática ambiental no escapa a los intereses de un realizador que se ha involucrado en elogiosos proyectos de la talla de “La Mirada del Colibrí”. Protagonizada por Juan Palomino y por la artista mapuche Luisa Calcumil, “Cuentos de la Tierra” porta consigo un noble mensaje. Con guion de Vivi Suárez, cada segmento particular traduce, en tono de fábula, un valor específico de conciencia acerca de la preservación de las especies versus la salvaje destrucción de la naturaleza.

AGENDA DE STREAMING: McCartney 3, 2, 1 (Miniserie de TV)

Dirección: Zachary Heinzerling

Miniserie de TV (2021). 6 episodios. El productor Rick Rubin entrevista a Paul McCartney sobre su trabajo con The Beatles, Wings y como artista en solitario, incluyendo historias sobre las relaciones personales que inspiraron sus canciones.

Por Maxi Curcio

La siguiente es una anécdota entre miles que conforman la leyenda.

Un muchacho se ilusiona con componer canciones. Tiene el mundo por delante, pero en sus narices choca la taciturna cotidianeidad de una urbe metropolitana en donde mandan los pubs y el balompié. El segundo de tres hermanos cultiva su incipiente gusto musical en las disquerías de la época. En reuniones familiares, se rodea de instrumentos y recita poesía. Las hormonas bullen a los 18 y quiere llamar la atención de las chicas, entonces se viste con look francés, porque admira a los artistas galos de aquel entonces. Hay algo sofisticado y distinguido en ese look preferentemente oscuro. En las fiestas, elige, estratégicamente, el rincón más desapercibido. Toma su guitarra y hace lo que naturalmente le salía. Lo que vino a hacer a este mundo. Pero canta en francés. Y las chicas, si, iban a él.

Faltaban años para la fiebre y ni sonaba con una ínfima parte de lo que el destino le depararía, a él y a sus amigos con quienes se juntaba a zapar. Solo era un juego, y el anhelo de llegar. Pero con los pies en la tierra. Sabía que el sueño podía terminar pronto, porque ese tipo de grupos no estaban destinados a durar mucho tiempo. Si la cosa no funcionaba habría que volver a la fábrica. Para casi todos era así. No había demasiada sorpresa en ello. Pero la inspiración, la búsqueda inagotable y el deseo de trascender suelen traer buenos resultados. Todo empezó probando ideas con los pliegues de una melodía. Son las posibilidades que ofrece una canción. Buceando bajo la superficie se extrae la belleza. Es el noble espíritu de crear.

A fines de 1963, ya habían pasado varios hits y algunos discos inolvidables, pero el joven siempre se caracterizó por dotar a sus etapas creativas de desafíos superadores. Y, como siempre fue un juego, volvió al comienzo y a la humorada de cantar en francés. ¿Qué frase queda mejor? Pensó, con picardía, recordando un viejo amor. Y así fue como su guitarra vistió de sutileza la composición de «Michelle». Ma Belle. Trés Bien, las musas estaban de su lado. En la yema de sus dedos solo savoir faire y buena cultura francesa nutriendo los locos años ‘60. Pasarían dos años más. El guiño fue perfecto, sentando las bases de un clásico inoxidable, séptimo y último track de la cara A de «Rubber Soul», sexto disco de The Beatles.

La anécdota cobra sentido un día como hoy. En Walton, Liverpool, nació Paul McCartney, hace 81 años. Icono musical, mito viviente y emblema indiscutible del siglo XX.

AGENDA CULTURAL – RICHARD COLEMAN EN «JUEVES VIVOS» (TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA)

Por Maxi Curcio

Richard Coleman se presentó en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Argentino de La Plata, en el marco de los encuentros musicales semanales denominados “Jueves Vivos” que organiza el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires

Pasadas las 20:45 hs, Richard Coleman se para frente a la platea junto a su inseparable guitarra. A sus pies, una pedalera será su aliada durante la noche. Buceando entre capas y texturas, ante nuestros ojos echa mano a su inspiración un auténtico arquitecto de paisajes sonoros. El que acompaña al cantante es el setup perfecto para un grupo de canciones pensadas para un formato intimista. No es de extrañar, Richard prolijamente elige sus instrumentos y prepara esta clase de presentaciones como alternativa a la arrolladora propuesta que lleva adelante con el Trans-Siberian Express. En la otoñal noche platense, es hora de dotar a bellas canciones de una renovada coloración. Allí está el artista, impecablemente ataviado y sacando a relucir su faceta experimentadora, conjugando la alquimia.

El repertorio abre con la sensible “Hamacándote”. El viaje nos lleva allá lejos, a la época de Fricción: suenan “Lluvia Negra” y “Enjaulados”. Uno de los compositores y una de las voces más destacadas de nuestro rock dejó su sello maestro en Soda Stereo y Los 7 Delfines; prueba de ello nos deleitamos con “Estoy Azulado” y “Travesía”. La velada deja tiempo para que Coleman repase hitos de su carrera solista: es el turno de “Días Futuros” (editado en 2017, cuyo videoclip fue filmado en La Plata y dirigido por Manuel Muschong) y la infaltable “Incandescente”. Dotados de extensos pasajes instrumentales, los temas adquieren nueva identidad sin perder su esencia. Acercándonos al final, “Héroes” es una especie de talismán. Falta el golpe y va directo al corazón: “Lago en el Cielo”, de Gustavo Cerati, coronada con un extenso y brillante solo.

A lo largo de una hora y cuarto de recorrido nos llenamos de música, porque la suya hace al mundo un lugar más agradable. Culmina otro show entre tantos en donde Richard, uno entre mil, nos regaló melodías inolvidables y colocó en nuestros labios esas letras que no dejamos de cantar. Guitarra al hombro saluda el gran anfitrión, bordeando lo mágico de la canción.

AGENDA MUSICAL / Andrés Calamaro presenta el CD en vivo RAZZMATAZZ

Por Maxi Curcio

Publicado a través del sello Warner Musc, únicamente en edición digital y disponible de forma gratuita en plataformas, el CD en vivo “Razzmatazz” (2023) rescata una valiosa grabación directa desde los archivos personales del siempre inagotable Andrés Calamaro. La primera en su condición en casi una década, después del díptico conformado por “Jamón del Medio” y “Pura Sangre” (2014) -sin contar su colaboración con Enrique Bunbury para “Hijos del Pueblo, 2015-.

La sala Razzmatazz, fundada en el año 2000, uno de los referentes de la cultura hispana por excelencia y sinónimo del paisaje industrial de la ciudad de Barcelona, ha recibido a lo largo de los años a grandes figuras internacionales del rock y el pop. Artistas de la talla de Morrissey, David Byrne, Coldplay, Kanye West, Massive Attack, The Strokes o Blur. A quienes se suma un pletórico Calamaro, como perfecto anfitrión jugando en casa propia. Porque su idioma es pueblo y uno solo no alcanza, como aclara a la afición catalana, entre canción y canción. Curiosamente, el disco es dado a conocer en medio de la gira que tiene a Calamaro presentándose en diversas ciudades españolas durante el corriente mes.

Probando que un CD en vivo puede captar a la perfección la esencia y grandilocuencia de una trayectoria (o más concretamente una etapa) musical, el flamante “Razzmatazz” desnuda la impronta de un Calamaro en la cúspide. El concierto se celebró en el marco de la presentación del exitoso y ecléctico “On The Rock” (2010), duodécimo disco de estudio solista para Andrelo, y, a lo largo de una hora de intenso recorrido, el tracklist cuenta con un total de veintitrés canciones, entre clásicos (“Por Mirarte”, “Mil Horas”, “El Salmón”), estrenos (“Me Envenenaste”, “El Perro”, “Los Divinos”), reversiones y pasajes instrumentales (“Madame Razzmatazz”, “MVP Blues”). El Torero sale al ruedo y está dispuesto a realizar una faena formidable.

Durante la gira 2009-2010, el compositor se presentó junto a su banda estable conformada por Candy Caramelo (bajo), Julián Kanevsky (guitarra), Diego García (guitarra), Geny Avello (guitarra), Tito Dávila (teclado) y «El Niño» Bruno (batería). Incluyendo logradísimas versiones de gemas Rodríguez (“Palabras Más, Palabras Menos”, “Mi Enfermedad”, “Salud, Dinero y Amor”), así como un envalentonado cover de The Rolling Stones («Jumping Jack Flash»), el álbum posee suficiente contundencia como para convertirse en una de las más singulares novedades de la temporada actual y en uno de los directos más destacados en la prolífica discografía de AC.

El disco, producido por sus habituales colaboradores Guido Nisenson y Candy Caramelo, atraviesa pasajes deliciosos. El guiño spinetteano en “Para Seguir” (‘justo cuando pensaba en vos caí muerto’); la picardía improvisación en “Socio de la Soledad” (‘a tu cara se le nota que curtiste, a tus ojos se les nota que has fumado’); y una búsqueda constante en la inclusión de mash-ups, con “Stairway to Heaven” (Led Zeppelin) en “El Día de la Mujer Mundial”, luego con “Get Up, Stand Up” (Bob Marley) con “Nunca es Igual”, “Walk on the Wild Side” (Lou Reed) en “Carnaval de Brasil” y “Pica Mi Caballo” (Miguel Abuelo) en “Cada una de tus Cosas”.

Incontrastable, el presente material ofrece una potente, incendiaria y electrizante performance, con una troupe de músicos perfectamente equilibrados, sonando a altos decibelios. Al comando de la nave, el cantante se muestra incontinente y enchufadísimo, dispuesto a soltar sus bienvenidas exabruptos y diabluras vocales. En tal sentido, la edición en vivo cumple con el cometido de transmitir la instantánea energía de una gloriosa cuadrilla de rock dispuesta a dejar el cuerpo y el alma en la carretera y los escenarios.

Aspecto no menor a considerar en el apartado estético, la portada reproduce una figura de ‘kintsugi’ (tazones de carpintería de oro japoneses del siglo XV), es autoría del destacado diseñador argentino Ale Ros, un habitual colaborador de varios artistas de nuestro rock nacional durante las últimas décadas.

AGENDA MUSICAL / Masters of Rock (Abril 2023)

Por Maxi Curcio

En el Parque de la Ciudad, ubicado en Av. Gral. Francisco Fernández de la Cruz al 4000, durante el pasado viernes 28 de abril, se llecó a cabo el encuentro que congregó a tres de las bandas de rock más legendarias de todos los tiempos. Los míticos Deep Purple, Kiss y Scorpions, se dieron cita en el festival convocó a más de treinta cinco mil personas en el corazón de Villa Soldati, ahora convertido en catedral rockera.

Cabe aclarar que “Masters of Rock” es una variación nominal del histórico “Monsters of Rock”, festival que se realizó en Inglaterra entre los años 1980 y 1996, celebrándose una vez al año en el autódromo Donington Park, al noroeste de Leicestershire. Nacida a partir de un concierto al aire libre de la banda Rainbow, los promotores Paul Loasby y Maurice Jones impulsaron, de allí en adelante, la ilustre identidad de una ceremonia rockera que tuvo su primera edición en tierras latinas (para Argentina, Brasil y Chile) en 1994.

A las dieciséis horas, la apertura del festival organizado por DF ENTERTAINMENT acompañó la presentación de Horcas, seguido por un interesante ejercicio de power metal sinfónico con Avantasia, para luego coronar el primer segmento con el duro rock practicado por Helloween.

La pionera banda británica de hard rock y heavy metal, comandada por Ian Gillan, despliega sobre el escenario solidez y energía. Formada en 1968, en Hertfordshire, han atravesado un sinfín de cambios en su formación, sin perder un ápice de furia: la ruidosa intención sigue intacta. Como carta de presentación en el festival, sorprendieron al público porteño con una versión de “Uncommon Man” (tema dedicado a su tecladista John Lord, fallecido en 2012). Entre los clásicos luego abordados, no faltaron “Highway Star”, “Smoke on the Water”, “Hush” y “Black Night”.

Los alemanes “Scorpions” rebosan de actitud, comenzando el repertorio con “Gas in the Tank”, flamante single (de “Rock Believer”, editado en 2022 y decimonovena placa editada en su carrera). De allí también suena el homónimo que da título a la misma y “Pacemaker”. La veteranía que otorga más de cuatro décadas de trayectoria les permite subir los decibelios de la noche, hit a hit: “Coast to Coast”, “The Zoo”, “Blackout”, “Big City Nights” y la infaltable power ballad “Wind of Change” se conforman en la columna vertebral de un show contundente.

La agrupación oriunda de Detroit fue un elemento clave del line-up, regresando a nuestro suelo en el marco de “End of the Road World Tour” (que los trajera al Hipódromo de Palermo en abril de 2022, anticipando su retiro de los escenarios). Haciendo gala, como es costumbre, de una impecable puesta escénica y atronadora pirotecnica, el poder del rock se hizo presente sobre el escenario con “Detroit Rock City”, “Shout it Loud” y “Deuce”. La vigencia del carismático y arrollador tándem conformado por Paul Stanley y Gene Simmons se convirtió en uno de los puntos más altos de la velada.

ESTRENO EN PLATAFORMAS «The Most Assasinated Woman in the World» (2019, Netflix)

Por Maxi Curcio.

Acerca de MAXA, The Maddest Woman in the World

«Dime, ¿qué piensas hacer con tu única, salvaje y preciosa vida?», Mary Oliver.

Entre cintas mudas y funciones en escena, fue 30 000 veces asesinada y/o ultrajada en más de 60 maneras diferentes. Entre ellas:

Estrangulada
Decapitada
Envenenada
Crucificada
Apuñalada
Desmembrada
Quemada
Destripada
Canibalizada

Paula Maxa (dic. de 1898) inscribió su nombre de leyenda en trágicos ribetes para la historia del cine y el teatro de terror más remotos. En el Grand Guignol de París, hacia los años ’30, se ponía en marcha noche a noche la macabra maquinaria de torturas. La muerte se olía tras la caída del telón, la sangre se impregnaba en los asientos, de los ojos de la protagonista brotaba pánico, de su grito simulado una mueca de placer y el ofrecido era un espectáculo que causaba orgiástico trance a los sentidos para todos los asistentes. Allí estaba Paula, actriz y vedette gala, superviviente de su propio trauma, víctima del singular éxito gestado como objeto de un maltrato tan monstruoso y vil como necesario fuera tan crudo y provocador acto de exposición para aquellos años.

Imagínense si sería posible hoy, en tiempos donde repensamos ciertas prácticas, roles y modelos. Encasillada, la memoria colectiva la olvidó casi por completo. Desacreditada por su propia familia, fue enterrada en una fosa común, a su muerte, en 1970.

Una interesante reinterpretación de su historia puede verse en “La mujer más asesinada del mundo”, una desapercibida película dirigida por Franck Ribière y disponible en Netlix.

Estreno en streaming (FLOW) / «LA FARSA» (2023, Nicolas Bedos)

Por Maxi Curcio

Sin pasar por los cines (porque eran otros tiempos en donde estas joyas del cine europeo llegaban a nuestras salas), podemos disfrutar a través de la plataforma Flow de “La Farsa” (“Mascarade” es su título original). Esta furibunda crítica social es autoría de Nicholas Bedos, uno de los cineastas más interesantes del panorama mundial actual. El francés Bedos, responsable de films como “La Belle Epoque” regresa a un hábitat que conoce a la perfección: las clases aristócratas y el mundo de la actuación; y lo hace para diseccionarlos con quirúrgico trazo. Porque, a no confundirse, esta película te va a mostrar lo que no ves en el cine, lo que al amor no define.

“La Farsa” tiene algo de Almodóvar, otro poco de Allen y tanto de Bergman. Pero no es deudor de ninguno de ellos…con absoluta personalidad, lleva a cabo una fenomenal puesta en escena en la Riviera Francesa, aquella que fascinara y hospedara a Somerset Maugham, en busca de describir una serie de manipuladores personajes capaces de exponer al sol su costado más sombrío. De oro reluce ese collar de perlas. Todo es falso, todo es hipocresía. El amor es plástico y de mentira. Nadie siente nada, lo que pesa es el bolsillo…sobre el reverso de la posesión, los celos hacen su parte, devorando…El engaño es suntuosa fantasía: la pareja de aburridos y parasitarios amantes nada en las superficies de lo banal. Todo es por interés y pérfida ambición. Los cuerpos son intercambiables sobre las sábanas; ya ni el polvo que se echan mirándose a los ojos es cierto. Peor aún, ni lo que se engendra y se lleva en el vientre.

Si lo pensamos, puede que lo único auténtico aquí sea el acto masturbatorio que la joven calienta braguetas realiza, hasta acabar, sobre el envalentonado chico con aspiraciones a escritor, pero devenido en rico gigoló. Aunque ni siquiera, porque el impulso sexual no está movido por el genuino deseo, sino por la perversión de hacerlo dentro del auto de su avejentada pareja de turno. En el fondo, son dos lamentables narcisistas de la impostación, hospedando el síndrome de Peter Pan, viviendo a la velocidad de la vida moderna y gastando a cuenta de una chequera que no les pertenece. Y quien deba pagar la cuenta, probablemente, sea la crepuscular estrella de cine que muere de hambre de gloria del siglo pasado a su menguante estatus y cuyo ego, como diría Fito Páez, está inyectado de pura histeria y corticoides. “La Farsa” descuelga de la pared aquel retrato de lo aparente para convertirse en un grandilocuente ensayo sobre la locura.

El elenco es una delicia. Marine Vacht (descubierta por F. Ozon) nació para seducir, Pierre Niney (Ives Saint Laurent) es uno de los jóvenes actores galos con mayor proyección y la imperial Isabel Adjani parece haber logrado detener el tiempo. Como si fuera poco, contar con secundarios de lujo como Emanuelle Devos y Francois Cluzet, hace que el banquete sea completo. Y Bedos, con total dominio sobre su arte, abre líneas narrativas paralelas, imbrica tramas y temporalidades, hace de mentira verdades y convierte a un drama erótico en un intrigante policial.

Recomendación Musical

Por Maxi Curcio

Durante una cálida noche de sábado de marzo, el gran compositor uruguayo Diego Presa se presentó, junto a la actriz y cantante Julieta Díaz, en el ciclo Musical del Teatro Picadero, en formato acústico y como antesala a la publicación del nuevo disco de estudio del proyecto.

En el clima íntimo de un formato acústico, pude encontrarme con parte de la vasta obra musical de este gran poeta y compositor. Uno redescubre ciertas gemas, canciones dotadas de nuevas coloraciones. La de Diego, nacido en 1975, es una trayectoria prolífica y la curiosidad me ha llevado en estas horas a repasar íntegra su discografía. Sin descanso, a través de las últimas décadas, ha editado cuantiosos discos y todos ellos excelentes, tanto como solista y como formando parte de bandas, destacando “Buceo Invisible», un colectivo artístico capaz de reflejar sublime belleza.

Nativo de una tierra que nos ha regalado grandes músicos, como Rubén Rada, los hermanos Fatorusso, Jorge Drexler, Jaime Ross, Alfredo Zitarrosa y Eduardo Mateo, entre tantos otros, es justo colocar a Presa a la altura de ellos. Entre varias cualidades que podrían representarlo, este montevideano que nos alegra seguido con sus visitas, es un exponente de lo que damos en llamar la canción de autor en nuestro idioma. Haciendo honor a sus raíces, influencias y apetencias, la mirada personal sobre el universo que lo rodea se ajusta a una sutil e inspirada poesía, y, en el aspecto melódico observamos una elaboración y riqueza notable. Presa, dueño de un gran registro vocal, es un artesano de canciones, dueñas de un concepto y de una estética plasmados desde el momento en que tomamos contacto con el arte de tapa.

Abro la playlist de este espacio que compartiré con ustedes, para invitarlos a un viaje sonoro que les aseguro disfrutarán.

Escuchen a Diego Presa en:

Efemérides / Música

Por Maxi Curcio

El 18 de junio de 2013, se publica “El Sacrificio”, decimoctavo disco de estudio de Fito Páez. En aquellos días, pude hacerme con una copia de esa extraña y misteriosa gema, distribuida de modo gratuito a la entrada de los conciertos en el Luna Park, donde Fito celebraba los veinte años de “El Amor Después del Amor”. Toda una novedad. ¿Un nuevo disco de Fito? Semanas más tarde, el formato físico arribaría a las disquerías.

“El Sacrificio” fue uno de tres discos que el rosarino editó en aquel prolífico 2013. Tiempos de componer, grabar y publicar. De inmediato vinieron “Dreaming Rosario” (en solidaridad a la víctimas de la explosión de Salta al 2100) y el testimonial “Yo Te Amo”. La especificidad de “El Sacrificio”, producido por un gran baluarte creativo como Diego Olivero, radica en reunir un grupo de canciones malditas, que por diversos motivos habían quedado relegadas, guardadas en archivos, cajones, textos perdidos. Fito concibe su propio álbum negro, a través de una decena de canciones compuestas entre 1989 y 2013.

La sordidez podría llegar a ser una característica en común a lo largo de este relato inédito. El cantante corre riesgos estéticos, atreviéndose a explorar el costado más dantesco, doloroso, violento, desquiciado y profano de su arte de hacer canciones, en las antípodas del boom comercial que lo tenía, por entonces, festejando su disco más vendido. Una variada búsqueda de estilos confluye en ritmos de rock, jazz, rap y música de raigambre latina. Inspiradísimo, Páez nos lega composiciones inspiradas como “Guerra de Luz”, “Inglaterra”, “El Mal Vino y la Luz”, “Esto Podría Haber Sido una Canción” y “La Puta Diabla” (homónimo a la novela que publicaría al año siguiente, en el que representó su debut literario).

Efemérides / Música

Por Maxi Curcio

«Naturaleza Sangre» surge de las mismas entrañas. Su canción homónima es un cross a la mandíbula enérgico y directo. Himno intacto veinte años después, es preciso volver a empezar. Podríamos mencionar a «El Amor Después del Amor» o a «Rock and Roll Revolution»; sí, los quiebres o episodios amorosos fundamentales en la vida de Fito traen consigo grandes discos. «Naturaleza Sangre» no es la excepción…la crisis personal del artista luego de la separación de su compañera Cecilia Roth da como resultado inspirado la necesaria catarsis del trance doloroso. Es hora de volver en sí.

Fito llevó su piano a cuestas a una casita en la playa uruguaya y así grabó el 14° álbum solista de su trayectoria, editado un 16 de mayo. Fito acababa de cumplir 40 años, y se posicionaba como un artista cabal y referente de la segunda generación de nuestro rock. Auténtico y renovador, surfeando la cresta de la ola, sin embargo su mundo personal se hacía añicos. Allí estaba su lírica exudando osadía y urgencia a través de catorce nuevas canciones que vibran en un mundo sonoro ecléctico, con una fuerte impronta rockera.

El disco que fue dedicado al poeta Juan Germán y tuvo como ilustres invitados a Luis Alberto Spinetta, Charly García y la recientemente fallecida Rita Lee. Publicado por Sony Music, dentro de su tracklist sobresalen algunas preciosas gemas como «Bello Abril», dedicado a Dolores Fonzi, «Los Restos de Nuestro Amor», inspirado en la inminente ruptura, el delicioso funk «Insoportable», una pintura del éxodo post crisis económica de 2001 llamada «Ojos Rojos» y el permanente diálogo literario con «Música para Camaleones» evidente guiño a Truman Capote. Aunque, probablemente, la mejor canción sea la que no fue: «Beauty», una balada que se desangra de amor y la joya más grande que Fito nunca haya grabado, porque el mundo se dió así.

AGENDA CULTURAL / «MACHADA, UNA OBRA COMBINADA» (Dr. Andrea Martínez), en Teatro Boedo XXI

«No hay tiempo, ya no. Yo he visto con mis propios ojos que ésto no puede ser. A fuerza de caer la lluvia sobre las piedras éstas se ablandan y crecen sobre ellas jaramagos que la gente piensa que no sirven para nada»

Presa de una época y de un discurso, Machada es una neo-mujer escrita desde su tragedia personal. Porque ‘La Mujer’ es un invento social que invita a hacer nuevas preguntas en lugar de formular verdades absolutas. Lorquita, su autor, reelabora aquello que parece ser inminente: su posterior fusilamiento e ineludiblemente, el final de su definitivo personaje. Se encuentra ambientada en la conservadora y desangrada España de 1930. Durante el mes de mayo podrán disfrutar de esta obra todos los viernes a las 21 hs., en el espacio teatral Teatro Boedo XXI.

Las siguientes son palabras de la actriz Mariángeles Bonello, con motivo del estreno de la obra: “En el año 2017 arrancábamos con Machada. En el medio se fue transformando, pasando por museos, bibliotecas, espacios no convencionales y formatos audiovisuales. Las experiencias profundas de la vida generan formas de ser y estar, de entender el mundo diferente. Machada es así. Tiene vida propia. Hoy estamos felices de anunciar que vuelve a las pistas escénicas sin perder la búsqueda de ruptura e intervención”

Lee la crítica acá: https://revistasieteartes.com/2023/05/15/en-escena-resena-de-la-obra-machada-teatro-xxi-boedo/

AGENDA CULTURAL / «VOTEMOS» (Daniel Barone/Preludio Producciones), en Teatro Metropolitan

Por Maxi Curcio

Esta obra se encuentra inspirada en el exitoso cortometraje del español Santiago Requejo, titulado “Votamos”, nominado a los Premios Goya, ganador del cortometraje en la competencia BAFICI 2022 e incluida en las ‘shorts lists’ de las candidatas a los Premios Oscar. Llevada a los escenarios de Calle Corrientes con absoluto éxito, nos hace partícipes del intercambio sostenido por un conjunto de propietarios durante una reunión de consorcio. El motivo de la acalorada discusión es uno bien llamativo: una persona bajo tratamiento psiquiátrico podría convertirse en un nuevo inquilino del edificio. ¿Lo aceptarán o no? ¿Bajo qué condicionamientos?

Nota completa en: https://revistasieteartes.com/category/en-escena/

AGENDA CULTURAL / “Otelo”, de Nicolás Prado / Teatro La Comedia (Sala Armando Discépolo – La Plata)

Por Maxi Curcio

“Otelo”, una de las más trascendentales obras de William Shakespeare, renueva su inclaudicable interés inaugurando la temporada 2023 del Teatro La Comedia, en la ciudad de La Plata. Escrita en 1603, representada por primera vez -según se estima- en Londres, hacia 1604, y publicada en 1622, enfrenta a sus personajes protagonistas en existencial pugna con sus respectivos destinos. Adaptada y reversionada por Nicolás Prado, e interpretada por un gran elenco liderado por el fenomenal Juan Palomino, las coordenadas históricas que la escenifican prolongan un mal atávico: el ser humano atraviesa tiempos desgraciadamente violentos. El aristocrático moro que da título a la pieza es el eje moral de una historia en donde prima la urticante venganza, el ciego resentimiento y los desenfrenados celos, basándose el dramaturgo inglés en “La Historia Original del Moro de Venecia”, escrita por Gianbattista Giraldi Cinthio (1565).

Nota completa en: https://revistasieteartes.com/category/en-escena/

AGENDA CULTURAL / Conferencia Internacional de Noam Chomsky

La Secretaría de Relaciones Institucionales de la Universidad Nacional de La Plata invita a la Conferencia Internacional de Noam Chomsky “Sistemas Económicos y Derechos Humanos: límites y desafíos en nuestro tiempo”, organizada por la Cátedra UNESCO “Sistemas Económicos y DDHH” (UNLP), que se realizará el lunes 1 de mayo a las 17 hs. (Arg), en modalidad online, con traducción simultánea en español e italiano.

Noam Chomsky es lingüista, filósofo y politólogo estadounidense. Es profesor emérito de Lingüística en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) y uno de los pensadores contemporáneos más prestigiosos. Aparte de su actividad en el terreno lingüístico, ha intervenido a menudo en el político, provocando frecuentes polémicas con sus denuncias del imperialismo estadounidense desde el comienzo de la guerra de Vietnam y sus reiteradas críticas al sistema político y económico de Estados Unidos.

Programa

17 hs. Apertura – Martín López Armengol, presidente de la Universidad Nacional de La Plata.

Introducción – Francesco Vigliarolo, director de la Cátedra UNESCO “Sistemas Económicos y DDHH” de la UNLP.

17:15 hs. Noam Chomsky – “Sistemas Económicos y Derechos Humanos: límites y desafíos en nuestro tiempo”.

18 a 18:15 hs. Sesión de preguntas con la red y los participantes.

19 hs. Cierre de la conferencia.

Datos de acceso a la plataforma Zoom

ID: 916 9336 4021

Código de acceso: 010955

Esperamos que puedan participar y compartir la invitación.

AGENDA CULTURAL / Recomendación de libros: THE BRITISH INVASION Y LA MÚSICA BEAT EN LOS AÑOS ’60 EN USA (Nebbia/Gobello)

Por Maxi Curcio

Litto Nebbia es un incansable coleccionista y lector de libros, capaz también de escribir un puñado de imprescindibles para la biblioteca de cualquier melómano. Luego de “Una Mirada” y “Mi Banda Sonora”, llega el turno de “The British Invasion y la música beat de los años 60 en USA”. Porque su arte y necesidad de comunicarlo es alimento espiritual; el gran pionero de nuestro rock siempre está dispuesto a emprender una nueva aventura. Así es como se unió a Marcelo Gobello, director del Teatro Municipal Colón, ganador de dos Martín Fierro y escritor de más de treinta libros, para dar forma al fenomenal trabajo de investigación, editado por el sello independiente Octubre, en el año 2021

Nota completa en: https://revistasieteartes.com/category/la-biblioteca-de-babel/

Benito Cerati brilló en el Teatro Margarita Xirgu de CABA

Cobertura para Revista Cultural Siete Artes, por Jimena Coltrinari

En la noche otoñal del sábado 15 de abril, pasadas las 21:30 hs., el brillante Benito Cerati presentó su precioso disco Shasei (2022) en el emblemático Teatro Margarita Xirgu del mítico barrio porteño de San Telmo, ante un público totalmente a sus pies, que celebró con efusividad cada una de sus intervenciones.

Tras sus exitosos shows en Santa Fe, Córdoba, Mar del Plata y Mendoza (anteriormente, en festivales de Chile y de Paraguay), y una serie de presentaciones en programas de radio, el exquisito cantautor, guitarrista y tecladista, con una increíble puesta en escena, un fino vestuario acorde con la estética del último trabajo y acompañado por una excelentísima banda, hizo una contundente demostración de su arte.

Tocaron, en un máximo nivel y sin pausas, Shasei completo, su álbum debut solista, compuesto por 10 magistrales piezas; las bellas «Cerca» y «Santa Fe» de Zero Kill (su banda anterior); tres covers, seleccionados conforme a la música que influenció a nuestro anfitrión, destacándose una lograda versión de «Tomorrow Never Knows» (The Beatles); y, como sorpresa especial de la noche, estrenaron la potente y conmovedora «Mil Maneras».

La velada contó con las participaciones de Lichi y de Palu Sirven, quienes interpretaron, a dúo con Beni, «Futuro Incógnito» (Shasei) y «Buenos Días, Amor» (Shasei). Además, actuaron las artistas Gaba, en la previa, y Lupe, en el after.

La gira de presentación de Shasei continuará en España (Barcelona y Madrid).

El talento de Beni es enorme, realmente no tiene techo. Hipnotiza con sus gestos, movimientos y miradas cómplices. Sabe muy bien qué y cómo hacer para cautivar y dejarte atrapado en su red. Su universo musical es tan diverso como exclusivo y fascinante. El sello Benito se va consolidando. Se hace sentir. Maravillarse con su mundo es un privilegio; no nos arrepentimos de nada si fue con Él.

BENITO CERATI SE PRESENTÓ EN EL CLUB TRI (MAR DEL PLATA)

Por Jimena Coltrinari & Maximiliano Curcio

Luego de una serie de shows en Asunción, en Santa Fe y en Córdoba, el Shasei Tour de Benito Cerati llegó a Mar del Plata. La cita fue en el Espacio Cultural Club Tri. En la noche del sábado 8 de abril, el ciclo abre con la DJ Romina Lee, para luego continuar con Alto Camet y Ringo Galperin.

Próximo a presentarse en el Espacio Xirgú de CABA y en Mendoza, Benito llega a La Feliz con motivo del estreno en vivo de un disco que explora diversas texturas y estilos sonoros. ‘Shasei’, su debut solista (podés leer la critica acá: https://revistasieteartes.com/2022/11/18/novedades-discograficas-shasei-2022-benito-cerati-por-maximiliano-curcio) representa un vital peldaño en la evolución de un músico en amplio dominio de sus facultades y dispuesto a seguir rebasando fronteras, merced a su enorme talento y potencial. ¡Se hace sentir! Evidente es el carisma y magnetismo en escena de un Benito que crece ante nuestros ojos como grandísimo artista. Te miramos desde acá, cuando pasada la medianoche, el set abrió con la preciosa ‘El Atardecer’.

El repertorio se despliega a medida que el cuarteto sobre el escenario (a Benito lo acompañan tres excelentes músicos en teclados, violín y batería) repasa de principio a fin las canciones que componen el último disco de estudio del ex líder de Zero Kill. Es así como suenan ‘Tu Espada en Mí’ (con el destacado aporte vocal de Santi Borda), ‘Buenos Días Amor’, ‘Shasei’, ‘Cemento’, ‘Futuro Incógnito’, ‘Agujero Negro’ y ‘Virus’, con un conmovedor Beni sentado sobre la tarima del escenario. También hay tiempo para que el cantante nos maraville con ‘Cerca’ (editado en el disco ‘Lapsus’), exquisito tema de su anterior proyecto musical y con ‘Mil Maneras’, un sorprendente inédito que promete salir pronto y cuyo estreno en vivo culmina con un exultante Beni saltando y bailando junto al público. Que nadie se siente, esto recién estaba tomando temperatura.

El concierto, a lo largo de una hora y media de duración, es un auténtico carrusel de emociones, y el compositor, ultra conectado con su gente, conduce la velada como un gran frontman sabe hacer. Guitarra sobre el pecho o manos al teclado, Beni tiene todo bajo control y deja afluir sus múltiples influencias musicales. Vos sabés que lo que yo digo es cierto, ¿no? Incesante se mueve y contagia, alcanza registros altísimos y nos hipnotiza. ¿Lo están pasando bien?, pregunta, pícaro. Inmejorable, la noche avanza. Abundan aplausos y tras la ovación queda tiempo para un bis a toda marcha. La pegadiza ‘La Luz Mala’ y la majestuosa ‘La Tercera es la Vencida’ resultan un broche de oro.

Benito brilla con luz propia y lo tiene absolutamente todo: autenticidad, sensibilidad, calidez, desparpajo, entrega e inteligencia. La lista de virtudes es interminable. Seguro de sus atributos tan distintivos, apostó fuerte por el Rock N’ Roll y ganó. También se nutrió de un amplio abanico de géneros y ritmos, que denotan la riqueza de influencias que predominan en sus composiciones. Así, amalgama un estilo único con una estética exquisita, que lo diferencian y lo elevan.

Para las generaciones que crecimos escuchando a músicos brillantes que marcaron hitos en los años ’80 y ’90, tanto a nivel nacional como internacional, entre ellos, el gran Gustavo Cerati, padre de Beni, es altamente gratificante y emotivo estar en presencia de un ser tan maravilloso y especial, que nos hace seguir creyendo que los valores instaurados permanecerán y, a la vez, se oxigenarán con conceptos innovadores. Con él, desde dónde lo miremos, el futuro no es incógnito, por el contrario, es inmensamente prometedor. Seguirlo en su camino será fascinante. En el marco del Shasei Tour, Benito continuará girando, junto a una banda impecable, en distintos lugares del país y del exterior, para dar a conocer su flamante lanzamiento, compuesto por las diez piezas magistrales que la noche marplatense disfrutó. Resulta imposible no quedar encantados con su voz, su poesía y su música. Para el pleno éxtasis de su público, Benito lo da todo, arriba y abajo del escenario. Lo agradecemos tanto y nos quedamos con ganas de más. Levantemos bien alto las manos por este hermoso ser que, con tan solo 29 años, está aportando su arte para embellecer la música y hacernos vivir intensas emociones. Para él, las gracias siempre son totales

A través de la plataforma Cont.ar, Aonek Films y Canal Encuentro presentan el documental EL FARMER

Estrenado en 2016, nos muestra los pasos de Rodrigo de la Serna y Pompeyo Audivert durante el proceso de investigación, creación, adaptación y ensayos del texto emblemático de Andrés Rivera, “El Farmer”. Un registro de las discusiones, diferencias, descubrimientos y reescrituras de la novela, hasta su estreno en el teatro San Martín en Buenos Aires. La obra retrata el último día de Juan Manuel de Rosas en Inglaterra.

Por MAXI CURCIO

Exhibida por primera vez en el Complejo Teatral San Martín, durante 2015, para luego prolongar su éxito durante varias temporadas y sucesivas giras, recordamos a “El Farmer” como una maravillosa adaptación dirigida en tripartito por Pompeyo Audivert, Rodrigo de la Serna y Andrés Mangone. Esta distinguida prosa, transformada en monólogo de teatro con exquisita musicalidad, se dispone a ser recitada por dos de los intérpretes más preponderantes de nuestra escena. Tamaño desafío resulta otorgar vida teatral al vasto monumento literario autoría de Andrés Rivera. A partir de una idea concebida por Audivert, el texto muta hasta llegar a las tablas, porque no alcanza un solo cuerpo: hay que escindir el organismo. Allí está la figura de Juan Manuel de Rosas (1793-1877), confrontados su físico decadente y su entidad espiritual mitológica. En su crepúsculo, al estanciero y militar los fantasmas lo visitan mientras recapitula su vida, habitando una granja en la lejana Southampton. ¿Cuánto pesan veinticinco años de destierro? En pleno siglo XXI, Rosas continúa siendo un prócer que sigue rondando zonas que atañen a la relevancia de nuestra historia. Uno de los fundadores de la historia política argentina desnuda el sentido de lo nacional desde la clandestinidad y la polémica.

El fallecido escritor y periodista, nacido en 1928, en Buenos Aires, indaga en una personalidad en extremo polémica. Audivert, emblema de nuestro teatro y dueño de un agudísimo intelecto, adapta la pieza en la efectiva intención de provocar un contrapunto entre el Rosas joven, autoritario y pujante, con el Rosas anciano y atormentado. El autor ejerce la propia voz, y en primera persona surge el grito ‘viva el maldito Rosas’. El piedrazo en el espejo tan mentado surte efecto; la escena no debe reflejar complacientemente a la realidad. Abordando el problema filosófico del doble, la muerte, el destierro y los misterios de la naturaleza humana, “El Farmer”; bajo la preciosa pluma de Rivera codificada por la dramaturgia de Audivert, acomete una pormenorizada reflexión acerca del poder y sus desafíos. Múltiples niveles filosóficos trazan líneas imaginarias sobre las tablas; los cuerpos atañen diversas convergencias posibles. En sendos actores se hace carne en la raigambre shakesperiana. ¿En qué plano se fija la realidad? Asedian ciertas connotaciones fuera de alcance. Cotejamos la reputación de un personaje malversado y ocultado. Precisa puesta en escena, iluminación y vestuarios son elementos que indagan simbólicamente en la identidad individual y colectiva. ¿Pervive Rosas en el dictamen de los manuales escolares como un tirano sanguinario que exacerba la violencia como herramienta política? Innegable resulta la preminencia de un caudillo gigantesco, cuya difamada leyenda continúa desatando contradicciones y generando dicotomías en la sociedad.

RICHARD COLEMAN Y EL TRANS-SIBERIAN EXPRESS, en Bar Lucille (Palermo / C.A.B.A.)

Por MAXI CURCIO

En largas noches como estas, en Lucille Bar, legítimo reducto en Buenos Aires y uno de los pocos estandartes que aún quedan en pie a la hora de ofrecer buen rock and roll, Richard Coleman se presentó junto a El Trans-Siberian Express. La cita renovó el mágico ritual sazonado por risas y lágrimas, pasión y entrega; hace doce años que la maquinaria continúa engranando a alta velocidad. Pasadas las 21:30 hs., las luces se apagaron y dio comienzo el show. La naturaleza salvaje de aquello que llamamos rock se balancea sobre los contornos del humor y el mal humor, porque de eso también se trata. La energía en el público contagia, porque, como dice el cantante, la pandemia nos volvió más genuinos. El sudor de los cuerpos apretados no engaña…pero quita el hambre, acota un siempre ocurrente anfitrión, impecablemente lookeado y azulado.

El majestuoso Coleman deja cuerpo y alma sobre el escenario, legándonos incendiarios solos de guitarra, auténtica impronta rockera y el caudal intacto de su prodigiosa voz. Lo acompaña una impecable formación, integrada por los músicos Daniel Castro en bajo, Diego Cariola en batería, Gonzalo Córdoba en guitarra y Bodie en teclados. A lo largo de una hora y media, en una otoñal velada porteña, suenan temas como “F-Á-C-I-L”, “Incandescente” -canción que Coleman considera como la más lograda de su carrera-, “Días Futuros” -precedida de un mensaje optimista-, “Dios nos Libre” -escrita por Richard, para Gustavo Cerati, incluida en “Ahí Vamos”-, “Desechos Cósmicos”, «Perfecto Amor», «Fuego», “Humanidad”, “El Agua no se Puede Beber”, la inédita y rebautizada “Telarañas”, “Cuestión de Tiempo” y un apoteósico cierre con la coreada ““Hombre al Agua”, de Soda Stereo.

Tres meses después de su última presentación, en el mismo recinto durante el pasado diciembre, TSE se estrena regalándonos un potente setlist, como aperitivo de un 2023 que luce prometedor. Su frontman nos advierte que, si se pide bien, el bis o lo que sea, la música y las musas estarán dispuestas a cumplir nuestros deseos…en la oscuridad. ¡Ya no aguantamos las ganas de un nuevo disco!

AGENDA MUSICAL / Cobertura especial del Lollapalooza Argentina 2023

Por MAXI CURCIO

Fundado en Estados Unidos, en 1991, el Festival Lollapalooza ganó buena reputación como una plataforma internacional de primer nivel para bandas de rock alternativo, indie y punk rock. Creado por Perry Farrell -cantante y miembro fundador de la icónica agrupación californiana Jane’s Addiction-, Lollapalooza ha diversificado su ambiciosa propuesta genérica a lo largo de los años, en busca de conquistar una audiencia cada vez más amplia. Nuevas y viejas tribus se reúnen en el Hipódromo para celebrar la experiencia musical más trascendental de nuestro continente.

Luego de un lustro de silencio, la banda oriunda de Villa Luro retornó a los escenarios en la última edición del Quilmes Rock. El esperado regreso de Abril Sosa (batería) y la participación de Charles Noguera y Julián Gondels (en bajo y segunda batería, respectivamente), dieron forma al sentido homenaje a Gabriel Ruiz Díaz (fallecido en enero de 2021). La mística se reprodujo a la perfección, en atardecer de la primera jornada. A doce años de haber publicado su última placa de estudio (“El Mezcal y la Cobra”, 2011), Catupecu, exponente cabal entre las exiguas bandas de rock de estadio, continúa exhibiendo ante convocatorias multitudinarias la prevalencia de imperecederos clásicos. Con el intacto ímpetu de su frontman Fernando Ruiz Díaz y la participación especial de Ca7riel, la ultra potente y renovada formación se presentó haciendo gala de una concepción meramente arrolladora.

Set Catupecu Machu: Magia veneno / Y lo que quiero es que pises sin el suelo / Plan B: Anhelo de satisfacción (Massacre) /Perfectos cromosomas (más fragmento de “Mirame”) / En los sueños / Metrópolis nueva / A veces vuelvo / Eso vive (con Ca7riel) / Dale!

Con los años, el Lollapalooza, inauguralmente celebrado entre los meses de julio y agosto, en territorio norteamericano y canadiense, ha surcado inéditas fronteras -geográficas, sociales, idiomáticas- hasta convertirse en un estandarte de los festivales musicales más masivos de Latinoamérica, con sede en Argentina, Colombia y Chile. Celebrando la octava edición en nuestro suelo, y con asistencia perfecta con excepción del hiato obligatorio, producto de la pandemia durante los años 2020-2021, la convocante cita de marzo desembarcó en el tradicional Hipódromo de San Isidro, durante los días 17, 18 y 19 del corriente. Ilustres emblemas del rock de todos los tiempos han estelarizado cada edición, entre quienes se recuerda a Lenny Kravitz, Red Hot Chilli Peppers, Robert Plant, Jack White, Nine Inch Nails, Eminem, Arcade Fire y Metallica.

La presente significó la quinta visita de los australianos Tame Impala a Argentina. Luego de pisar nuestro suelo en 2012, 2013, 2014 y 2016, el grupo comandado por el talentoso multiinstrumentalista Kevin Parker (visiblemente afectado por una dolencia física producto de una reciente lesión) desplegó sobre el Escenario Samsung la marca estética y conceptual identitaria del estilizado rock indie, electrónico y psicodélico que los ha llevado a convertirse en un referente contemporáneo del género. Aroma Beatle, píldoras alucinógenas y abundantes sintetizadores se conforman como la fórmula infalible para la evolución compositiva de un quinteto que se desafía álbum a álbum, y se proyectó, en la cálida velada porteña, sobre gigantes, coloridas y parpadeantes pantallas.

Set Tame Impala: Neon Lights (Kraftwerk) / Iushium Intro / One More Year / Borderline / Nangs / Breathe Deeper / Posthumous Forgiveness / Elephant / Lost in Yesterday / Apocalypse Dreams / Mutant Gossip / Let It Happen / Feels Like We Only Go Backwards / Eventually / One More Hour / The Less I Know the Better / New Person, Same Old Mistakes

Disponible en simultáneo a través de la pantalla de Flow (Personal), en maratónicas tres jornadas, más de cien bandas provenientes de todo el mundo desplegaron sus respectivos shows en los cinco escenarios que se distribuyen sobre el inmenso espacio verde del recinto ubicado sobre la Avenida Bernabé Márquez. Parte de la cultura popular melómana, y luego del suceso de la fenomenal pasada edición, las expectativas se mantenían en alza entre los fans que conforman la mentada Generación Lollapalooza. El line-up había sido anunciado en el pasado mes de octubre, en simultáneo al lanzamiento a la venta de los primeros ‘early birds’. La grilla incluyó nombres de la talla de Blink 182, Tame Impala, Jane´s Addiction, Drake, Dante Spinetta, Catupecu Machu, Twenty One Pilots y Billie Ellish.

Influenciándose del post punk y encendiendo la noche glam californiana de los ’80, Jane’s Addiction supo cimentar su legado sabiendo convivir con el peligro de los excesos y la irrenunciable postura de ejercer la provocación de forma constante. Impactando en el movimiento grunge de la siguiente década, el grupo responsable del esencial disco “Ritual de lo Habitual” conformó auténticas perfomances teatrales sobre el escenario, incluyendo números eróticos que elevaban la temperatura en alto octanaje. El eléctrico salvajismo de Perry Farrell, el virtuosismo de Dave Navarro y el talento compositivo de Eric Avery conformaron las características singulares de un grupo que hizo de la naturaleza sexual y el sonido alternativo su carta de presentación. Por momentos inclasificable, J’s A se mostró renuente a enfrascarse en proyectos de estudio. De dilatada, aunque inconsistente trayectoria, su legado sorteó tempestades, a un paso de la tragedia. Cumpliendo a rajatabla con la mentada tríada de sexo, drogas y rock and roll, en máxima irrenunciable, desplegaron su mítica estirpe sobre el escenario. Luego de la cancelación en instantes previos a la pasada edición, regresaron como favoritos del público, pese a la anunciada ausencia -por motivos de salud- del carismático Navarro.

Set Jane’s Addiction: Stop! / Whores / Ain’t No Right / Had a Dad / Ted, Just Admit It… / Trip Away / Ocean Size (Dedicado a Taylor Hakwins) / Three Days / Mountain Song / Jane Says / Been Caught Stealing

PREMIOS PLATINO DEL CINE IBEROAMERICANO 2022 – Se conocieron tres nominaciones para la serie argentina «EL ENCARGADO«

Por MAXIMILIANO CURCIO

De la mano de la exitosa dupla creativa conformada por Gastón Duprat y Mariano Cohn, llegó a Star+, durante el pasado año, la producción “El Encargado”, serie de once capítulos, protagonizada por el excepcional Guillermo Francella, junto a un ilustre elenco cuyo reparto incluyó a Adriana Aizemberg, Darío Barassi, Gabriel Goity, Gastón Cocchiarale, Jorge D’Elía, Moro Anghileri, Martín Seefeld, Nicolás Vázquez, Mariano Argento, Manuel Vicente, Malena Sánchez y Luis Brandoni. Mérito a su calidad, se convirtió en flamante candidata a recibir el galardón a Mejor Miniserie Iberoamericana, Mejor Creador de Miniserie Iberoamericana y Mejor Interpretación Masculina en Miniserie, en el marco de la entrega anual que organiza la prestigiosa EGEDA.

Reseña completa en: https://wordpress.com/post/revistasieteartes.com/19730

AGENDA MUSICAL / Lanzamientos – Por Maxi Curcio

Ya está disponible el nuevo videoclip de «Invulnerables», primer adelanto del próximo disco de Enrique Bunbury

Dirigido a dúo por Jose Girl y Sergio Abuja y producido por “Heaven”, de Óscar Romagosa (ex-productor ejecutivo de la productora “CANADÁ”), nos convida un aperitivo del gran regreso de Enrique Bunbury a la industria discográfica.

En lo que representa su nueva etapa creativa post Los Santos Inocentes, al artista aragonés lo acompaña una formación de músicos que integra Adán Jodorowsky en el bajo (también oficiando como productor del disco), Raoul Chichin en la guitarra y Victor Mechanick en los teclados, y Guillo Morales Vitola, de la banda «Ästra», en la batería.

“Invulnerables” fue grabada en el estudio El Desierto (Mx), y el instantáneo de las imágenes captadas, con la banda tocando en directo, transmite auténtica energía y entusiasmo. Posibles sentidos se desprenden de una lírica que describe a una pareja viviendo al margen de las normas convencionales; un par de outsiders unidos por el arte y el amor. Seven y Sylvie, pareja en la vida real y, porqué no, émulos de los propios E.B. y Jose en su paraíso privado de Topanga, danzan al compás de la melodía. Una fortaleza en tándem inexpugnable refleja las intenciones estéticas y conceptuales de una canción que se ofrece como refugio en la tormenta.

En el videoclip, apreciamos un notable cambio de vestuario en Bunbury, quien abandona un look más formal en favorecimiento de uno más deportivo y casual. La renovación de imagen es total, luciendo el cantante igualmente rejuvenecido, entusiasta y vigoroso. Tan solo porque necesitábamos esta transfusión de sangre que quite el veneno, ¡qué grato es volver a verte, EB!

Créditos:

Directors: Jose Girl & Sergio Abuja
Produced by Heaven Inc & Push Stop
Executive producer: Óscar Romagosa
Producer: Cristóbal Solórzano
Director of photography: Edu Grau
First AC: Sergey Nikitenko
Second AC: Dimitrios Agnos
Steady cam: Stan Vaganov
Gaffer: Joey Simpson
Set designer: Evelyn Davis
Set PA: Damien Pettway
Color: Matt Turner
Make up: Evelyn Davis

El nuevo single «Invulnerables» de Enrique Bunbury aparece en las siguientes playlists en @spotify

Novedades Viernes MX

https://spoti.fi/2TQPnAp

Todo Indie

https://spoti.fi/3IxQlvX

Novedades Viernes España

https://spoti.fi/2rlEwBH

Rock total

https://spoti.fi/3Y46RJW

Más acerca del flamante lanzamiento:

El primer sencillo del álbum “Greta Garbo”, sucesor del EP “El Puerto” (2021) y que verá la luz el próximo mes de mayo, se nos presenta como un rock and roll de guitarras a todo ritmo, en donde el mítico frontman vuelve a maravillarnos con su talento. Registrado de manera analógica, en cinta y sin claqueta, las canciones que componen al incipiente trabajo fueron escritas durante los meses que abarcaron el dificultoso período en donde Bunbury debiera cancelar sus conciertos de gira conmemorando treinta cinco años de trayectoria por los motivos de salud de público conocimiento que lo aquejaran. De tal manera que debiera precipitar, de forma abrupta y dolorosa, un forzado retiro de los escenarios. Ante tan desalentador panorama, a ojos, oídos y corazones de entristecidos fans en todo el globo -porque el melómano eterno sabe de idolatrías infinitas-, paralelos se trazaron con la interrumpida trayectoria artística de la inolvidable actriz sueca, quien renunciara a la escena cinematográfica y a su vida pública, a la edad de treinta y seis años, en la cúspide de su éxito.

Un año después, el cantante reflexiona: la distancia con el público no fue deseada y hay males que son necesarios explicar. Comprender para aceptar, dominar y continuar. Lo hemos entendido todo sin que digas nada: la condición física de nuestro querido Bunbury nos preocupó a todos, y como en todo artista nato acontece, el golpe en contraataque resultó perfecto. Mecanismo de ignición para un proceso creativo a través del cual uno de los exponentes más preponderantes del rock mundial busca resurgir, cual Ave Fénix y en la cima de sus facultades artísticas, por enésima vez.

Agenda Cultural / Cobertura del COSQUÍN ROCK 2023

COBERTURA ESPECIAL – COSQUÍN ROCK 2023. Por MAXIMILIANO CURCIO

Durante los días 18 y 19 de febrero pasados y con producción del destacado José Palazzo, se llevó a cabo, en el Aeródromo de Santa María de Punilla, la 23ª edición de Cosquín Rock. Sendas jornadas de rock se extendieron hasta pasada la medianoche, cumpliendo con la promesa que una ilustre grilla prometía: hacer historia. Con entradas agotadas (entre cien mil tickets disponibles) dos semanas antes de su inicio, el nivel de producción presentado elevó el estándar de lo ofrecido a nivel nacional en multitudinarios festivales.

Setlist Las Pelotas:

Combate

¿Qué podés dar?

Ya no estás

Dando vueltas

Víctimas del cielo

El ñandú

Siempre estará

Personalmente

Saltando

Que estés sonriendo

Si supieras

Hasta el fondo del río

Será

Bombachitas rosas

La mirada del amo

Esperando el milagro

El día después

Movete (con Ismael Sokol)

Día feliz (con Ismael Sokol)

Capitán América

Promedia un caluroso febrero y los focos se posan sobre intérpretes y bandas que son sinónimo de la perdurabilidad del género autóctono más masivo y descollante. No obstante, la grilla también contó con participación internacional de variada procedencia: actuaron, entre otros, Lila Downs y LP. Para cobijar las almas de miles y miles de fans, allí está la impronta ricotera de Skay Beilinson junto a Los Fakires, la aplanadora incontrastable de Divididos, la energía contagiosa de Las Pelotas con imbatible récord de presencia consecutiva, un Fito Páez en estado de gracia celebrado treinta años después del amor, el desparpajo de Juanse & amigos (con invitados de lujo, como León Gieco o Celeste Carballo), la fórmula pop imperecedera de Babasónicos celebrando nuevo disco, las promesas de glorioso futuro que ya es presente de Conociendo Rusia, el virtuoso Lisandro Aristimuño invitándonos a flotar y el siempre sorprendente y colorido Emmanuel Horvilleur, entre otros artistas de primerísimo nivel, quienes convirtieron a sendos días en un rito atemporal que se renueva por arte de magia y fiebre melómana.

Setlist Fito Páez:

El amor después del amor

Dos días en la vida

11 y 6

Tráfico por Katmandú

Pétalo de sal

La rueda mágica

Tumbas de la gloria

Un vestido y un amor

Polaroid de locura ordinaria

Al lado del camino

Brillante sobre el mic

Circo Beat / Tercer mundo

Ciudad de pobres corazones

A rodar mi vida

Dar es dar

Mariposa Tecknicolor

Y dale alegría a mi corazón

Desde el anfiteatro de la Plaza Próspero Molina a la Comuna de San Roque. Desde la expansión a la consolidación, ampliando su territorio hasta la conquista del Aeródromo de Santa María de Punilla. Propiciando instantes inolvidables, como el encuentro sobre el escenario de Serúu Girán, en 2013, el Cosquín Rock es un emblema histórico de la música popular, ofreciendo en el presente un modernizado y variopinto menú que se extiende a través de seis escenarios principales. Durante el fin de semana de Carnavales, Córdoba se convirtió en el epicentro del rock nacional, recibiendo una afluencia turística sin precedentes.

Setlist Babasónicos:

Bye Bye

Los calientes

Putita

Ingrediente

Mimos son mimos

Paradoja

La lanza

La pregunta

Deléctrico

Pendejo

Irresponsables

Trinchera

Como eran las cosas

La izquierda de la noche

El colmo

Carismático

Yegua

El sol brilla en el Escenario Norte, cae la tarde y la luna se asoma sobre el premio colmado. La oferta gastronómica se ofrece en stands que rodean al enorme predio. El festival más federal del país bate récords desde hace dos décadas y poco más, con asistencia casi perfecta, únicamente interrumpida en 2021, por causas de emergencia sanitaria. Cabe mencionar que, por primera vez, el festival pudo disfrutarse a través de las pantallas de Flow Personal, plataforma que transmitió en vivo casi la totalidad de la programación.

Setlist Skay y los Fakires:

La luna en Fez

El pibe de los astilleros / Nuestro amo juega al esclavo

Aves migratorias

Aplausos en el cosmos

Tal vez mañana

Yo soy la máquina

Jijiji

Presagio

El Golem de Paternal

Oda a la sin nombre

Epílogo

Criminal Mambo

¡Corre, corre, corre!

Todo un palo

Lejos de casa

Desde 1998, El Cosquín Rock registró más de 1,8 millones de asistentes, fue el marco de más de 2.000 espectáculos y sumó más de 715 horas de festival. Una fortaleza musical indetenible. Estelarizan el poder del rock sobre el escenario los máximos referentes de nuestra escena, registrando una de las convocatorias más apabullantes de los últimos años. Vislumbramos cuerpos apilándose en el gigantesco campo; el contraste generacional es notable y se suda con placer. Celebramos haber derrotado al duro trance de la pandemia, haciendo posible aquello que hace dos años resultaba una quimera.

Setlist Divididos:

El 38

El ojo blindado

Haciendo cosas raras

Alma de budín

Casi estatua

Tengo

Sábado

Los sueños y las guerras / Gárgara larga

Azulejo / Qué tal / La rubia tarada

Spaghetti del rock

Par mil

Huelga de amores

Cabalgata deportiva

Cielito lindo

Sucio y desprolijo

Amapola del 66

Paisano de Hurlingham

Paraguay

Ala delta

Ante el imponente marco de las sierras cordobesas desplegaron su talento y supremacía una estirpe de nombres propios que son leyenda de nuestro rock. A través de dos maratónicas jornadas, la tradición de las estrellas de peso que la presente cita congregó monopolizó el interés de un festival que mantiene intacta su esencia e identidad. Consolidado y consagrado a la masividad adquirida con los años, el Cosquín Rock continúa siendo el punto cardinal de referencia para la exhibición de artistas de nuestro suelo, con proyección internacional. Inclusive, convirtiéndose en una franquicia que replica la propuesta fronteras afuera. En 2009, el productor, creador y organizador del evento, José Palazzo, junto con la colaboración del periodista Víctor Pintos, editaron un libro en donde se relata la historia, anécdotas y fotografías de las ediciones pasadas del Cosquín Rock. Una recomendación imprescindible para adentrase en el decano de los festivales de música en Argentina.

Setlist Juanse:

Rainbow

Una noche no hace mal

Isabel (con Alejandro Kurz)

Ya morí

Rock del pedazo

La nave (con Mateo Sujatovich)

Caballos de noche

Sucia estrella (con Celeste Carballo)

Ruta 66 (con Celeste Carballo)

El fantasma de Canterville (con León Gieco)

Pensar en nada (con León Gieco)

Rock del gato

Sólo le pido a Dios (con León Gieco)

Agenda Cultural / Recitales

Richard Coleman en Bebop Club, un clásico de febrero, por partida doble

Por Jimena Coltrinari

El jueves 23 de febrero, el maestro Richard Coleman brilló en Bebop Club, un elegante y cálido recinto del barrio porteño de Palermo, junto al talentoso Bodie Datino, quien lo acompañó en piano y guitarra. Bajo un formato único, que ya se convirtió en un clásico de cada febrero, brindaron dos shows, a las 20 y a las 22:45 hs., a sala llena.

Los asistentes, cómodamente ubicados en mesitas dispuestas delante de un pequeño escenario, del cual sobresalían guitarras y pedales, un precioso piano negro de cola y, en el fondo, un llamativo telón rojo, pudieron deleitarse con un setlist, especialmente armado para esa noche, de doble función, conformado por nuevas versiones y las canciones de siempre, las que todos los fans esperan escuchar. En tanto, al placer de apreciar excelente música en vivo, se le adicionó la degustación de platos elaborados y variados cócteles, para disfrutar en pareja, en familia y entre amigos. El plan perfecto para un jueves de verano a la noche.

En este fabuloso lugar, decorado con cientos de cuadros de músicos, y perfectamente ambientado, Richard presentó una propuesta electroacústica, completamente distinta a la ofrecida un mes atrás en La Tangente, que incluyó Placebo (Los 7 Delfines), Musgo y Oro (Los 7 Delfines), Prisión Emocional (Fricción), la preciosa Incandescente, Humanidad (inédita), Down By The River -de Neil Young, una versión acotada respecto a la de 22 minutos de Crosby, Stills, Nash and Young, interpretada en castellano-, A Song For You -de Leon Russell, antecedida por una anécdota acerca del carácter pionero de quien fuera ídolo de Elton John y en homenaje por partida doble: Richard escuchó la versión de The Carpenters a sus once años-, Perfect Day, de Lou Reed -antes de su interpretación, compartió la génesis del disco A Song is a Song, grabado en vivo allí, hace 10 años, con Bodie, a través de un repertorio de emblemáticos temas en inglés-, Caja de Fotos, Drive (de The Cars), Pink Moon (de Nick Drake), Meteoro (Los 7 Delfines), Perfecto Amor y, en el BIS, Cuestión de Tiempo, un cierre a toda celebración, en total comunión con su público.

Querido Richard, gracias inmensas por otra noche mágica. Quedamos a la espera del anuncio de tu próximo show, en Lucille, junto a El Trans-Siberian Express.

Agenda Cultural / Libros

Por Jimena Coltrinari

ALGUIEN COMO VOS, DE MAURICIO DAYUB

El extraordinario Mauricio Dayub, actor, productor y director, publicó su primer libro de cuentos titulado «Alguien como vos» (2022), de la mano de editorial Sudamericana.

El autor es creador de las magistrales obras de teatro «El Amateur» y «El Equilibrista», -ambas presentes actualmente en la cartelera porteña, con grandísimo éxito, la primera, en el Chacarerean Teatre y la segunda, en el teatro El Nacional-, protagonista, durante nueve años, de la emblemática comedia teatral «Toc Toc» e intérprete de memorables personajes en numerosas películas y series televisivas.

En «Alguien como vos», Dayub sacó a la luz imperdibles relatos que evocan conmovedoras historias de distintas etapas de su vida, con las que, instantáneamente, quienes tengan el placer de leerlas se sentirán identificados o, cuanto menos, interpelados. La Infancia, La Escuela, El Club, La Familia, La Juventud, La Vocación y La Gran Ciudad son los grandes ejes trazados para enmarcar sus narraciones.

Con notable sensibilidad y admirable sencillez, Dayub logra emocionar hasta las lágrimas y, también, hacer reír a carcajadas, al igual que mediante sus piezas teatrales, con cuentos que rescatan sus sueños, pasiones, luchas y aprendizajes, siempre acompañados de profundas reflexiones. Atravesar los distintos pasajes poniéndose en la piel y en los zapatos de Mauricio, es un ejercicio que se presenta como un desafío ineludible. Así, las emociones afloran por doquier. Porque estamos ante un encantador de almas, ante un hombre que nos convence que siempre hay que perseguir los sueños, con convicciones e insistencias, aunque el camino tenga innumerables obstáculos y contratiempos. Porque él soñó ser lo que hoy es. Y es feliz. Su amplia y sincera sonrisa, lo evidencia. Imposible no sentirse inspirados, se los aseguro.

Mauricio, sos pura magia. Gracias por las sonrisas y las lágrimas. Gracias por tantas enseñanzas. Me quedo para siempre con esas historias esenciales, tan singulares y colectivas a la vez, que compartiste con tanta generosidad, empatía y maestría, en «El Amateur», en «El Equilibrista» y en «Alguien como vos».

«TITANIC – 25° ANIVERSARIO» – Reestreno en salas /// Puntaje: 10

Por MAXIMILIANO CURCIO

A veinticinco años de su estreno, fue relanzada, a nivel mundial, una versión remasterizada en 3D a alta velocidad de cuadro de “Titanic” (1997), la épica película de James Cameron, que obtuviera la cifra récord de once Premios Oscar. Una historia convergente de encantamiento, tragedia, drama, acción y catástrofe que tuvo lugar en el denominado ‘inundible’, la embarcación más grande construida hasta el momento. Inspirándose en el best-seller autoría de Don Lynch y Ken Marschall, el director se adentró, con años de anticipación, en la artesanal reconstrucción del mítico barco que zarpara desde el puerto inglés de Southampton con destino a New York. El resultado depararía un clásico cinematográfico para los tiempos modernos. El compromiso del realizador por documentar lo acontecido lo llevó a enfrascarse en una profusa investigación: para su película, decidió integrar en el metraje imágenes de los restos reales, descubiertos en expediciones llevadas a cabo en 1995, cerca de la costa de Newfoundland, en su natal Canadá. Rodada en sets afincados en Baja California, el móvil fue recreado en una maqueta de casi doscientos cuarenta metros de largo; la producción pretendía ilustrar una grandilocuente y pormenorizada recreación de época del naufragio causante de muerte a aproximadamente mil quinientas personas, ocurrido en las heladas superficies del Atlántico Norte. Era la madrugada del 15 de abril de 1912.

Con motivo de su creciente interés para las nuevas generaciones, y en consonancia con el documental de NatGeo “Regreso al Titanic” (2020, Tom Stubberfield), registrando las primeras incursiones en captar los restos con alta tecnología, el galardonado film vuelve a exhibirse en salas de todo el mundo. Técnicamente incontrastable, este hito de fin de siglo hecho de imágenes en movimiento colocó en el foco de atención a dos estrellas emergentes como Leo DiCaprio y Kate Winslet, convertidas hoy en celebridades a nivel mundial. Dando vida a al trunco y desafortunado amorío, el acto de sacrificio por parte de uno para dar salvataje a su amada convirtió al opus de Cameron en uno de los grandes relatos románticos de la historia del séptimo arte. El cual fuera inmortalizado en el icónico retrato que Jack hace de Rose, durante la travesía. ¿Adivinan a quien pertenece el trazo de aquella obra de arte? Al mismísimo Cameron. Alternando pasado y presente, “Titanic” nos lega una enésima curiosidad: el personaje de Rose en la ficción es interpretado por la actriz Gloria Stuart, inspirándose el autor en la figura de la artista, pintora y ceramista californiana Beatrice Wood. El ya fallecido James Horner compuso la mítica banda sonora del film, incluyendo el single éxito de ventas “My Heart Will Go On”, de Celine Dion, y legándonos la antológica escena con Leo abrazando a Kate, en la proa del barco.

VEINTE POEMAS DE AMOR Y UNA CANCIÓN DESESPERADA DE PABLO NERUDA. Por Jimena Coltrinari

Con ILUSTRACIONES DE RAÚL SOLDI

Este enero, tuve el enorme placer de revisitar el bellísimo libro Veinte Poemas de Amor y una Canción Desesperada, del poeta y político chileno Pablo Neruda, uno de los intelectuales más notables e influyentes de la literatura del siglo XX. Esta obra, publicada en 1924, lanzó a la fama a su autor, con tan solo 19 años.

Este libro, dotado de una composición lírica sublime, está compuesto por 20 poemas, numerados del 1 al 20, sumado a un poema final denominado «La Canción Desesperada», atravesados por metáforas y símiles. El amor romántico, con registros de erotismo, expresado a mujeres, recreadas en armónica interrelación con representaciones simbólicas de la naturaleza, es el tema principal del poemario.

Un ejemplar editado por Losada -histórica editorial argentina, fundada en 1938 por el español Gonzalo José Bernardo Juan Losada Benítez- , en octubre de 1992, con preciosas ilustraciones del gran creador argentino Raúl Soldi (1905-1994, artista plástico y escenógrafo, experto en paisajes, retratos y naturalezas muertas, de reconocida trayectoria internacional), realizadas para celebrar el millón de ejemplares vendidos en 1960, despertó en mí el deseo de redescubrir las composiciones que, varios años atrás, me extrapolaron a vibrantes territorios subjetivos que amé transitar. Claramente, renovar el pacto de lectura con esta obra, me abrió un abanico multicolor de vastas impresiones y apreciaciones, confiriéndome momentos de plena emoción que quedarán como registros vivos de este viaje.

A continuación, comparto el poema 3 Ah Vastedad de Pinos:

AH VASTEDAD de pinos, rumor de olas quebrándose,
lento juego de luces, campana solitaria,
crepúsculo cayendo en tus ojos, muñeca,
caracola terrestre, en ti la tierra canta!
En ti los ríos cantan y mi alma en ellos huye
como tú lo desees y hacia donde tú quieras.
Márcame mi camino en tu arco de esperanza
y soltaré en delirio mi bandada de flechas.
En torno a mí estoy viendo tu cintura de niebla
y tu silencio acosa mis horas perseguidas,
y eres tú con tus brazos de piedra transparente
donde mis besos anclan y mi húmeda ansia anida.
Ah tu voz misteriosa que el amor tiñe y dobla
en el atardecer resonante y muriendo!
Así en horas profundas sobre los campos he visto
doblarse las espigas en la boca del viento.

🎶 Por JIMENA COLTRINARI🎵📀 PEDRO AZNAR PRESENTÓ EL MUNDO NO SE HIZO EN DOS DÍAS 🌎

En diciembre pasado, el maestro @aznar_pedro le puso un broche de oro al 2022 con el lanzamiento de El Mundo No Se Hizo En Dos Días, una preciosa obra de arte que sólo puede apreciarse con el corazón, y en total inmersión y abstracción. Así, abre infinitas posibilidades para explorar el lado luminoso y el lado oscuro del ser humano, la implicación con la naturaleza, lo esencial de la vida, la relevancia de SER. Sus marcos conceptuales, simbolismos y sentidos generan impresiones y reflexiones que transportan a otras dimensiones.

Las sublimes composiciones que vertebran este discazo, claramente, tienen el sello distintivo del gran Pedro Aznar. «Rojo de frambuesas en un beso vegetal / risa que se eleva en el perfume del pinar» (Mientras); «Cúbreme del sol / que se lleva mis recuerdos / Soy, bajo el sol, una brizna más» (Canción de Otoño); «Vos traías penas escondidas / lágrimas ardidas de tanto esperar» ( En Espejo); «Tu corazón es una tierra de trincheras / donde el dolor cavó las fosas sin hablar» (Tu Corazón); «Aire del mar que has visto naufragios / deja a mi amor navegar» (En el Aire del Mar); «Viniste en sueños a buscarme / pero yo ya no estaba ahí / Si mi fantasma va a esperarte que se aleje de mí» (Duermevela), son algunos de los pasajes que pueden rescatarse para reflejar la belleza superlativa presente en todo el álbum. 🤍✨️

Asimismo, con un fuerte compromiso por el respeto y cuidado de nuestro planeta y de las especies que lo habitan, evidenciando la urgencia de detener la maquinaria de destrucción orquestada por siniestras corporaciones que dominan nuestro mundo, el brillante cantante, compositor y multiinstrumentista pronuncia mensajes directos, precisos y necesarios, promoviendo la «revolución del pensamiento». A modo de ejemplo: «Nuestra mejor herramienta, como siempre, es la conciencia» (Corpoland); «Salve, cielo / salve, día / la gloria del sol / Salve el agua / salve, brisa / esparciendo amor» (Salve); «Aceite del atraso / contrato de miseria / Seguro de fracaso / motivo de la guerra» (Aceitosaurio). En este punto, cabe destacar que Aznar, desde hace mucho tiempo, eleva su voz para alertar sobre los nefastos entramados de poder que nos llevarán a la extinción (si no actuamos a tiempo). 🌎🙏

📀 El Mundo No Se Hizo en Dos Días está disponible en plataformas digitales, y también se puede adquirir en formato físico.

📀 Por JIMENA COLTRINARI 🎶🎵 ¡20 POSTULADO A LOS PREMIOS GARDEL 2023! 🌟

El bellísimo disco 20, interpretado por @rajastani, mezclado y producido por @ricky_leguizamon y masterizado por Facundo Rodríguez, fue postulado a los Premios Gardel 2023 @premiosgardel, en las categorías Mejor Álbum Artista De Rock, Mejor Diseño De Portada, Álbum Del Año, Mejor Nuevo Artista, Ingeniería De Grabación.

📀 20, compuesto por 16 preciosas canciones, se concibió durante la pandemia y vio la luz en septiembre de 2022, bajo el sello discográfico @acqua.rec

👉 Participaron los músicos David Lebón, Daniel Colombres, Javier Malosetti, Alambre González, Guillermo Arrom, Bruss Bruguera, Leandro Bulacio, Nico Btesh, Tito Losavio, Nicolás Pauls, Adriana Rivas Torres, Matías Camisani, Gabriel Rodríguez Flores, Gabriel Améndola, Pablo Robotti, Liliana Lagardé, Daniel Rawsi, Julián Amos Gancberg y Tommy Brugués.

▶️ El maravilloso 20 se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. 📲🎶🎵

Por Jimena Coltrinari PEDRO AZNAR BRINDÓ SU PRIMER CONCIERTO DEL AÑO EN EL PARADOR KONEX

Cobertura para Revista Cultural Siete Artes

El sábado 21 de enero, el maestro Pedro Aznar y su fabulosa banda brindaron el primer concierto del año en CIUDAD CULTURAL KONEX del mítico barrio del Abasto de la ciudad de Buenos Aires, con una hermosa propuesta que albergó distintos géneros. En la previa, una persistente lluvia puso en duda la realización del evento pero, por suerte y para la alegría de los músicos, organizadores y fans, la amenaza meteorológica cesó justo a tiempo.

Tras el último recital en el teatro Gran Rex, el 26 de noviembre de 2022, y unos días de merecidísimo descanso, el eximio cantante, compositor y multiinstrumentista brilló, como siempre, con una voz que cada día enamora más y un admirable dominio de variados instrumentos de cuerdas y del teclado, ante un público que lo ovacionó y celebró sus impresionantes solos de bajo y magistrales registros vocales. Sin lugar a dudas, la perfección existe.

El repertorio de la noche, que tuvo una duración de casi dos horas, incluyó gemas de sus discos Quebrado (2008), Ahora (2012), Contraluz (2016), Flor y Raíz (2021) y de su más reciente obra maestra El Mundo No Se Hizo en Dos Días (2022). También, como es habitual, presentó temas del disco Tango 4 (1991), de Aznar, a dúo con Charly García, y de Serú Girán (1978-1982 / 1992-1993), la súper banda de Rock Argentino, de la que Pedro formó parte junto a los legendarios Charly García, David Lebón y Oscar Moro. Cabe destacar que, como en todos los conciertos, en una gran pantalla, ubicada en el fondo del escenario, se proyectaron videos e imágenes en sintonía con las canciones interpretadas.

Pedro, Julián Semprini (batería), Alejandro Oliva (percusión), Matías Martínez (teclado) y Sebastián Henríquez (guitarra), una vez más, lucieron magníficos, dejando todo en el escenario. Para aplaudir de pie hasta el próximo encuentro. Olé, Olé, Olé, Olé.

Querido Pedro, gracias inmensas por otra gran noche con la mejor música y poesía. ¡Muy feliz y agradecida de haber sido parte!

#PedroAznar #ParadorKonex #CCKonex #Música #Recitales #BuenosAires #Argentina

Por Jimena Coltrinari CIEN / RELATOS BREVÍSIMOS – PEQUEÑOS ENSAYOS DE CARLOS AVALLE

Cuando en noviembre de 2022 llegó a mis manos, a través de Maxi Curcio (su prologuista), Cien / Relatos Brevísimos – Pequeños Ensayos (Octubre, 2022), de Carlos Avalle, me propuse leerlo en enero de 2023, durante mis vacaciones de verano. Y así lo hice. En unos pocos días, en horas de la tarde, con entusiasmo y emoción, me sumergí en sus páginas. Realmente, me atrapó de principio a fin, tanto como Taxi (2013) -primer libro editado por el prodigioso escritor y artista plástico-, el cual tuve el placer de disfrutarlo en mi amada ciudad de Mar del Plata.

Con profunda sensibilidad y elocuencia, Avalle configuró 100 relatos y ensayos en torno a sus memorias, vivencias, percepciones y concepciones, reflejando su mundo interior, sus vínculos, interacciones con el entorno, intereses, perspectivas. Y ahí están, presentados en un precioso libro de papel editado por Dinastía, a la espera de lectores audaces que decidan ir más allá del acto de leer y tomen la iniciativa, no solo de elaborar sus propias interpretaciones, sino también de descubrir huellas y reminiscencias de sus historias y experiencias. Siempre es un desafío hacer resonancia y completar una obra con nuevos matices y aportes.

En lo personal, Cien me prodigó emotivos viajes a mi infancia, colmándome de alegría y nostalgia. Asimismo, me sentí fuertemente identificada con la evidente fascinación que siente el autor por las aves, maravillosos seres que adoro desde pequeña. Y, como gran melómana, me cautivaron sus relatos dedicados a la música.

Querido Carlos, felicitaciones por esta bellísima obra. Gracias inmensas por reactivar en mí tantas remembranzas que quedarán, con renovadas impresiones y significaciones, alojadas en mi corazón y, por supuesto, por propiciar enriquecedoras reflexiones mediante los distintos pasajes. No dejo de imaginar cuántas travesías serán posibles gracias a Cien.

Si todavía no tienen su Cien, pueden adquirirlo en:

Librería Literario LG (Bonpland 1653, Palermo)

Librería Macondo (Baigorria 3699, Villa del Parque)

Comprando este libro, se colabora con un escritor independiente, quien, como muchos otros, hace un esfuerzo enorme para materializar y visibilizar sus obras en tiempos y escenarios sumamente adversos para la cultura alternativa y autogestionada.

#Cien #CarlosAvalle #Libros #Literatura #Ensayos #Relatos #EscritoresArgentinos

AGENDA 2022

Baltasar Comotto cerró el año a puro Rock en Palermo

Por Jimena A. Coltrinari

En la noche del jueves 22 de diciembre, el eximio cantante, compositor y guitarrista Baltasar Comotto, luego de la apertura de Pato Lange, culminó la gira de presentación de su reciente álbum “Empezó la Cacería” (2022), el cuarto de su carrera. La cita fue en Strummer, una auténtica rockería situada en el barrio de Palermo de la ciudad de Buenos Aires, a pocas cuadras de Niceto Club, el lugar en donde estrenara el nuevo material, en marzo pasado. En teclados y bajo, lo acompañó, como es habitual, Macabre, líder de Maleboux y ex Catupecu Machu.

El guitarrista de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la súper banda de Indio Solari, ex violero del inolvidable Luis Alberto Spinetta y de Andrés Calamaro, eligió un potente setlist para cerrar el año a puro Rock. El formidable dúo, con gran carisma y contundencia, a lo largo de una hora de duración, interpretó todos los temas del brillante “Empezó la Cacería”, una placa dueña de una solidez conceptual, poética y estética notables. Al repertorio se sumaron los eternos y celebrados clásicos nacionales “Cementerio Club” (Luis Alberto Spinetta), “Ropa Sucia” (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota) y “Mejor No Hablar de Ciertas Cosas” (Sumo).

¡Qué decir de Balta! …sin dudas, es uno de los guitarristas más grandes de Latinoamérica, en dominio de una ecléctica carrera solista que se compone de cuatro discos de estudio editados a la fecha: “Rojo” (2008), “Blindado” (2011, del cual en la velada sonaron “Hipnotic” y “A lo Mejor”) y “Élite” (2017). Sus eléctricas manos hacen magia en cada solo, cautivándonos con actitud, autenticidad y entrega. ¡Realmente la rompe!

Memorable noche para los que amamos la música. ¡Larga Vida al Rock N´Roll!

Podés leer la reseña de EMPEZÓ LA CACERÍA, por Maxi Curcio, en: https://revistasieteartes.com/2022/03/30/resena-de-discos-empezo-la-caceria-baltasar-comotto-2022-por-maximiliano-curcio/

Richard Coleman & El Trans-Siberian Express cerraron el año en Palermo. Por JIMENA A. COLTRINARI

Con localidades agotadas, luego de su reciente presentación en Quilmes, el sábado 3 de diciembre, el maestro Richard Coleman & El Trans-Siberian Express cerraron el 2022 con un show formidable en Lucille, un pub del barrio porteño de Palermo.

Pasadas las 21:30 hs., el virtuoso compositor, cantante y guitarrista junto a su magnífica banda, integrada por Daniel Castro en bajo, Diego Cariola en batería, Gonzalo Córdoba en guitarra y Bodie en teclados, desembarcaron en el escenario con una potente propuesta eléctrica que incluyó 19 temas de distintos álbumes de Fricción, de Los 7 Delfines y de la etapa solista de Coleman, para la absoluta celebración de los pasajeros a bordo de esta indiscutida máquina de Rock N’ Roll.

En esta noche auténticamente dark, nuestro anfitrión brilló, como siempre, con magistrales solos de guitarra, una voz que todo lo puede alcanzar, actitud y presencia escénica. La banda sonó increíble, todos los músicos estuvieron en un nivel supremo.

“Desechos Cósmicos” y “Lago En El Cielo” (Gustavo Cerati) fueron las canciones elegidas para cerrar el último concierto del año, a todas luces, en nuestro país. Un BIS de intensas emociones a flor de piel. ¡Gracias totales!

Corran la voz, el próximo 11 de diciembre, solo con su guitarra, en formato electroacústico, Coleman hará historia en Londres. Claro que sos Leyenda, querido Richard.

Luego, se tomará un descanso y regresará al ruedo en 2023 con un nuevo show acústico. La cita es el 21 de enero en La Tangente de Palermo. ¡No se lo pierdan!

Setlist

01. Computer World

02. Como La Música Lenta

03. Turbio Elixir

04. El Agua No Se Puede Beber

05. Casa de Papel

06. FÁCIL

07. Hamacándote

08. Corre La Voz

09. Normal

10. Humanidad

11. Incandescente

12. Cuestión de Tiempo

13. El Único Secreto (Nido de Arañas)

14. Fuego

15. Freak Freak

16. Dale Salida

17. Días Futuros

BIS. Desechos Cósmicos/Lago En El Cielo

NITO MESTRE FESTEJA LOS CINCUENTA AÑOS DE «VIDA» EN EL TEATRO ÓPERA

Por MAXI CURCIO

En medio del insurgente panorama de nuestro rock nacional a comienzos de los años ‘70, Sui Generis fusionó estilos escapando al encasillamiento y con el objetivo de diluir distancias genéricas, acercando las facetas de rock progresivo y blues a los aires más trovadores del folk rock. Inspiradas y luminosas letras hablaban acerca de cuestiones humanas que nos atraviesan a todos: el amor, la rebeldía ante el sistema, la frustración de los sueños, el escepticismo político y la esperanza de un mañana mejor. La sinceridad y la simpleza reflejada en los acordes de Sui Generis jamás fueron inocencia y pretensión, calando hondo en el corazón de una sociedad quebrada institucionalmente. Con melodías inolvidables, el dúo García-Mestre testimonió el curso de un país que atravesaba años inestables, siendo apoyado en sus comienzos por músicos de culto, como Billy Bond. El fundador de Billy Bond and the Jets oficiaría como productor artístico en su ópera prima: “Vida” (1971), éxito que lo posicionara en todas las radios del país. Cincuenta años después, Nito Mestre celebra el legado de uno de los discos fundamentales de la historia de nuestro rock, con un concierto llevado a cabo el sábado 19 de noviembre en el teatro porteño Ópera Orbis, en compañía de la Orquesta Sinfónica de Neuquén, liderada por Andrés Tolcachir y una de las formaciones artísticas más importante de la Patagonia. Mestre interpretó el disco en su totalidad, en el orden exacto en que cada canción fuera editada, regalándonos logradas reversiones de imborrables clásicos, tales como “Canción Para mi Muerte”, “Necesito”, “Natalio Ruiz”, “Estación”, “Quizás Porqué” y “Cuando Comenzamos a Nacer”. La ovación para ‘el otro quía’, García, no se hizo esperar. El repertorio también ofreció recordadas perlas de Los Desconocidos de Siempre y PorSuiGieco, así como también un infaltable de su último trabajo solista, “Trip de Agosto”. Junto a su banda habitual, entre quienes se cuentan los históricos Fernando Pugliese y Ernesto Salgueiro, el cantante ofreció bellas interpretaciones de “Tiempo Distinto”, “Hay Formas de Llegar”, “Fabricante de Mentiras”, “Fusia”, “Y las Aves Vuelan”, “Recordando lo que Tengo que Olvidar”, “Cuando Ya me Empiece a Quedar Solo”, “La Mamá de Jimmy”, “Afuera de la Ciudad”, “Tocando el Cielo”, “Hoy Tiré Viejas Hojas” y “El Fin del Mundo”. Un total de veintiocho canciones vertebraron la extensa velada. Nito, de inmejorable humor, acompañó la presentación de cada canción con anécdotas y recuerdos acerca de sus respectivas circunstancias compositivas. Acompañaron al anfitrión de la velada una lista de ilustres artistas invitados, amigos de toda una vida entregada al arte de hacer música, entre quienes se encontraron: Raúl Porchetto y León Gieco llenándonos de emoción, Daniel Raffo y su veta blusera; Juanse trayendo incendiario rock and roll al escenario y Silvina Garré regalándonos su excelsa voz. Quizás porqué estuvimos en presencia de una noche de leyenda, es que las sentidas palabras de Garré sintetizaron la magnitud de semejante encuentro: Nito, lo valioso de tu trayectoria se define por el talento, belleza y honestidad que nos has brindado. Solo podemos decirte gracias.

LITTO NEBBIA se presentó en «JUEVES VIVOS», en el Teatro Argentino de La Plata.

Por MAXI CURCIO

A las 20 hs., en la Plaza Seca del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino, el legendario Litto Nebbia engalanó el flamante ciclo titulado “Jueves Vivos” y auspiciado por el Instituto Cultural. Teloneado por el grupo local “Las Fulanas Trío”, el compositor rosarino llenó de gloria el escenario que alberga recitales, entre distintas disciplinas culturales, en la búsqueda de, no solo reconocer a artistas de gran trayectoria (en el mismo marco se presentaron, con anterioridad, referentes como Hilda Lizarazu o Emmanuel Horvilleur), sino también de promover a emergentes talentos bonaerenses, integrantes del Catálogo Provincia, una plataforma digital de difusión, formación y exhibición de noveles artistas aunados a través de convocatorias abiertas.

El prócer de nuestro rock, que viene de presentarse en el Café Berlín de Buenos Aires, homenajeando al primer disco de “Los Gatos” (a cincuenta y cinco años de su lanzamiento) arribó a la ciudad de las diagonales comandando a su habitual y talentoso quinteto, integrado por Ariel Minimal en guitarra, Leopoldo Deza en teclados y flauta y los hermanos Corley; Nica en guitarra y bajo, y Tomás en batería. Luego del trance pandémico que nos privara de disfrutar de su obra musical sobre los escenarios, allí está Litto, como él mismo dice, asomando de a poco la nariz. El extrañarse es mutuo. Durante los últimos meses, la formación viene de girar en el interior, ofreciendo shows en las provincias de Santiago del Estero, Córdoba y Tucumán, como parte de la postergada gira “Solo se Trata de Vivir – Cuarenta Años”.

En una templada noche de noviembre, a través de casi una hora de show, Litto repasó algunos de los clásicos inoxidables de su fértil cosecha musical, esos que fortalecen nuestro corazón: “Yo no Permito”, “Lo que Necesito es Armonía”, “2 de Agosto” (instrumental), “El Bohemio”, “Nueva Zamba Para mi Tierra”, “Madre, Escúchame”, “Memento Mori” (sobre una poesía de Mirtha Defilpo, incluida en el disco “Melopea”), “Viento, Dile a la Lluvia”, “El Rey Lloró”, “Ayer Nomás” (estas últimas tres en clave medley), “Solo se Trata de Vivir”, “Cadenas y Monedas”, “Canción Para los Inocentes” y “Quien Quiera Oír que Oiga”, cerrando la noche y convirtiéndose en el tema más coreado por el público. Por pautas del ciclo, el recorrido es breve, pero se nos ofrece contundente. La cuantiosa producción discográfica de Nebbia lo convierte en el músico más prolífico de nuestro país, autor de más de mil canciones y responsable de casi un centenar de discos propios. Por ello, sabemos que con él nunca habrá dos shows idénticos: siempre suele rescatar alguna joya olvidada o complacernos con aquellos infaltables que queremos volver a escuchar, una y otra vez. Inquieto como pocos, suele editar a razón de un material por año. Es así como nos sorprende y, entre tema y tema, anuncia el siguiente, pocas semanas después de que a nuestras manos acabe de llegar el recién concebido “La Suite Rosarina” (junto a su colega Adrián Abonizio).

Un inmejorable anfitrión pasa la mayor parte del set en su piano: inspirado y entusiasta, improvisa y nos deleita. La magia viaja de la yema de sus dedos hacia el centro de nuestra emoción. Su voz se mantiene intacta, mira de modo cómplice a sus músicos, juega de memoria. La banda suena afinadísima, como de costumbre. Alternando la guitarra eléctrica y la acústica, el legendario músico sabe convertirse en ese juglar que congrega cientos de almas alrededor del fuego. El acto de alquimia está en marcha y el concierto nos reúne renovando el ritual; el alimento es espiritual. Platenses, sepamos apreciar el valor fundacional de este puñado de melodías bellamente interpretadas, su esencia condensa la pasión inextinguible y en permanente expansión de un artista sinónimo de historia viva para el rock en nuestro idioma. Nebbia, encomiable gestor de Melopea, el sello independiente que en el día de ayer cumplió treinta y cuatro años de existencia, nos entrega en un manojo su canto. La suya es una canción que vuela en libertad. ¡Que nunca nos falte! Motivo de celebración.

COLDPLAY presenta «Music of the Spheres World Tour»

Por MAXI CURCIO

A comienzos de los 2000, Coldplay avanzó a paso firme para llenar el hueco generacional que dejaba un pronunciado período de transición en el vértice cronológico que unió dos siglos. Liderado por el carismático Chris Martin, la televisada boda de este con la diva Gwyneth Paltrow añadió encanto y sofisticado glam al grupo formado por cuatro estudiantes provenientes de la Universidad de Londres. Soportando la etiqueta que los menospreciaba en sus comienzos, tildándolos de ‘U2 de segunda mano’, supieron conjugar la fórmula perfecta de rock alternativo, britpop y pop rock con letras optimistas y esperanzadoras. El ADN sonoro de Coldplay abreva en claros influentes como “R.E.M.”, “A-ha”, “Radiohead” y Jeff Buckley. Su lírica, inspirada en el cuidado del medioambiente y con un marcado compromiso social adquiere rápidamente dimensión mainstream: conquistan las radios, venden millones de discos y se entronan como la última gran banda de estadios.

Con más de dos décadas de trayectoria a sus espaldas, emprenden su nueva gira internacional, presentando “Music of the Spheres”. Para ello, el cuarteto trae consigo toda la parafernalia que convierte a sus presentaciones en auténtico festival para los sentidos. Furor absoluto causaron a su desembarco en Argentina para presentarse en el Estadio River Plate, batiendo el récord previamente establecido por Roger Waters (nueve shows, durante su visita en 2011). Con más de medio millón de entradas vendidas, los primeros recitales brindados en nuestro suelo contaron con un aditamento no menor: un inédito streaming a nivel mundial los llevó a ser proyectados en más de tres mil salas de setenta y cinco países alrededor del globo. Coldplay subvirtió nuevamente el canon: nos puso a cantar, saltar y bailar, no solo en el campo de juego, sino también de cara a la pantalla gigante y a oscuras. Sendas funciones cinematográficas, exitoso experimento que exprime al máximo un fenómeno popular que no tiene competencia en nuestro país, agotaron la capacidad de las salas con antelación en todo el territorio.

Como parte del mensaje concientizador que emprende la banda, Coldplay promueve la realización de conciertos mediante la energía autosustentable, válida iniciativa que instruye acerca del necesario cuidado del medio ambiente, resultando en un factor omnipresente a lo largo de toda la velada. No fue el único contenido aleccionador que acompañó la propuesta: el frontman también se pronunció acerca de la crisis económica mundial y la opresión sistemática llevada a cabo por regímenes totalitarios. Durante más de dos horas de show, Martin hizo gala de su genuina simpatía, sorprendiendo con un fluido español, al que coronó entonando una respetable versión del clásico stereo “De Música Ligera”. Promediando el final del setlist pautado para el día 28 de octubre, se agregó un condimento particular: subió a escena la tendencia mediática Jin, integrante de BTS, revolucionaria banda surcoreana referente del emergente K-pop.

De inmejorable humor, yendo de la guitarra al piano, portando colorido vestuario y moviéndose a sus anchas sobre el escenario, el siempre inquieto y extrovertido Martin no tardó en ganarse el aprecio de las varias generaciones reunidas en el Monumental de Nuñez. Un dron sobrevuela tribunas coloreadas, el fuego de artificio ilumina la noche. El concepto de show inmersivo, del cual la banda hace un as bajo la manga de sus presentaciones, no escatimó sorpresas: la pirotecnia tecnológica compuesta por pulseras fluorescentes, una banda soporte de muppets, rayos láser de largo alcance e inmensas pantallas de video saturadas de juego en realidad virtual, elevó a la enésima potencia la noción de lo ambicioso.

A continuación, detalles del repertorio para el concierto perteneciente al 28.10.22

Higher Power / Adventure of a Lifetime / Paradise / The Scientist

B-Stage: Viva la Vida / Hymn for the Weekend / Let Somebody Go (con H.E.R.)

A-Stage: De música ligera (de Soda Stereo) / Yellow / Human Heart / People of the Pride / Clocks / Infinity Sign

B-Stage: Something Just Like This (de The Chainsmokers) / Midnight

A-Stage: My Universe (Coldplay / cover de BTS) / A Sky Full of Stars

C-Stage: Don’t Panic / Baraye (de Shervin Hajipour / cover acústico) (con Golshifteh Farahni)

A-Stage: Humankind / Fix You / Biutyful / The Astronaut (cover de JIN, con JIN, debut mundial)

AÑOS DIFÍCILES / CELCIT (C.A.B.A /// Viernes 20 hs.)

En el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT) se estrenó durante el corriente mes la obra “Años Difíciles”, autoría de Roberto Cossa, creador de clásicos como “La Nona”, “Yepeto” o “Los Compadritos”, y exponente de la Generación del Nuevo Realismo. Uno de los dramaturgos más importantes de nuestro país enmarcó a la presente como un «grotesco moderno”. El director Eduardo Ruderman sitúa la pieza en una antigua casa, herencia familiar que constituye el techo bajo el cual aún se vive, frente a la estación de Colegiales. Tres jubilados caminan las veredas de un barrio que ya no es lo que era. La adolescencia queda lejana, perdiéndose en el tiempo entre recuerdos poco nítidos y un pasado, que, por negación, conveniencia o ignorancia, nos resistimos a enfrentar. Los hermanos sean unidos en la (¿tierna? ¿feroz? ¿leal?) competencia. La pelota va y viene, endilgándose los hermanos, uno a otro, un trofeo que no dignificará a su poseedor. Es una cuestión moral… o de principios, sean unidos en ley primera. Despreciables ideales enmascarados en juego en donde la flor de la juventud parece tolerar la cosificación más aberrante. Protagonizada por los excelentes Osvaldo Bermúdez, Cecilia Labourt, Antonio Regueiro y Néstor Villa, la pieza recurre al absurdo y al humor como registros elegidos para describir situaciones cotidianas, en donde reinan los prejuicios, la intolerancia y la discriminación. Carencias que no envejecen, los convivientes están fagocitando su pasado y dilapidando su presente. Subimos el volumen de la radio, las noticias llegan más rápido y claro. La crítica hacia los medios de comunicación es contundente. Las metáforas persiguen un marcado enfoque mordaz, sarcástico. ¿Sabemos escuchar en verdad? La precisa descripción de la clase media trabajadora y su idiosincrasia, por parte de Cossa, hace hincapié en los sueños rotos que la inevitable finitud humana no podrá resarcir. Las cuatro paredes de la casa aíslan todo estímulo exterior. La TV se convierte en el hilo de conexión imprescindible ¿Buscamos ejemplos de prosperidad y buenos valores? Todo está al alcance del control remoto. Píldoras para adormecernos, el sentido común se mide en puntos de rating, pero la materia pensante anestesiada manda. El encierro place a la conciencia, hasta que suena el timbre y un vecino del barrio de Caballito trae consigo algo más que malas noticias. Las auténticas intenciones se develarán al desenlace. Este es el implacable retrato de una familia disfuncional. No se puede cambiar la sangre, brindemos a su salud que la venganza será terrible. La vida cobra forma de fatalidad y la burla es en la propia cara. Por MAXI CURCIO

MATATE QUE VIENE GENTE / ABASTO SOCIAL CLUB

El episodio real nos traslada a comienzos de los años ’90, en Estados Unidos; Aileen Wuornos fue condenada por haber asesinado a siete hombres. La industria acostumbra a fabricar cruentos relatos criminales en serie: tristemente célebre, su historia fue llevada a la gran pantalla hace casi dos décadas. Intuimos la visión y condena que un sistema legal patriarcal colocó sobre ella. El sueño de la razón produce monstruos, a veces está bien asustar un poco. Las sociedades se hacen eco de fenómenos sociales para luego encasillar. Intentamos concebir la psicología de esta mujer y lo que cada acto proyecta, los años de postergación que su rabia expulsan; acaso aquello que cada muerte provocada dice de las propias oportunidades perdidas, de sus carencias e imposibilidad de amar. Toda tragedia trae consigo la poética de lo inconcebible. Hay algo aún más oscuro que la propia admisión de un acto aberrante. ¿Sería posible comprender su mundo, empatizar con una lógica que no forma parte de nuestra naturaleza? Durante el período pandémico, el dramaturgo Marcelo Pérez llevó la pieza “La Ex Color Rosa” al formato streaming. Aquí, dobla la apuesta acerca de aquella mirada sobre el amor ejerciendo un disparo certero a la angustia existencial. En la presente temporada, su ambiciosa puesta concibe “Matate Que Viene Gente”, retomando la historia de Ailyn. Con notable acierto y loables recursos, la obra antes conocida crece y nos envuelve en su desencantada atmósfera. Una invitación a pensar que siembra preguntas reproducidas en el cuerpo de sus tres intérpretes: Soledad Leone, Micaela Minervino y Carolina Vojvoditch. Sin rodeos y sin temer incomodar. El poder de identificación nos convencerá de que estamos mucho más cerca de lo que intuimos: todas las mujeres pueden ser ella, resistencia sin juzgar. Lo más violento no es el grito producido, sino su causa marginal. No es deseo de morir, la vida es aquello que se escapa por los bordes del camino que elegimos transitar. ¿Retrato de víctima o victimaria? Por MAXI CURCIO

Benito Cerati celebró los 30 años de «Colores Santos» y «Dynamo»

El domingo 23 de octubre, en una noche de «Primavera 0», el talentosísimo Benito Cerati presentó el show «Viajando en la Luz» en el CCK de la ciudad de Buenos Aires, con motivo de celebrar el 30° aniversario de los emblemáticos discos Colores Santos (Gustavo Cerati y Daniel Melero) y Dynamo (Soda Stereo).

La emotiva velada, con el gran Gustavo siempre presente en los corazones de todos, contó con músicos invitados de lujo: Richard Coleman, Anita Álvarez de Toledo, Andrea Álvarez, Lisandro Aristimuño, Emmanuel Horvilleur, Gillespi, Charly Alberti, Fernando Nalé, Simón Bosio (hijo de Zeta), Lucy Patané, Brenda Martin y Leandro Fresco, entre otros, quienes se alternaron para acompañar al magnético anfitrión en el repaso de distintas gemas de los álbumes mencionados.

Una mención especial merecen los enormes dotes artísticos de Benito: excelente voz, carisma y energía arrolladora, que lo hacen brillar con luz propia. Tiene una gran carrera por delante. Seguramente, su papá estará muy orgulloso de su «vuelta por el universo».

¡Gracias totales, Benito!

El concierto se transmitió en vivo a través de radio Sonido Cultura y por las redes sociales del Centro Cultural Kirchner.

Lista de temas:

01 – Vuelta Por El Universo

02 – Marea De Venus

03 – La Cuerda Planetaria

04 – Camaleón

05 – Luna Roja -dedicada a Flavio Etcheto y a Martín Carrizo. Benjamín, hijo del baterista, participó de la versión-

06 – Cozumel

07 – Sweet Sahumerio / Hoy Ya No Soy Yo

08 – Pudo Ser

09 – Tu Medicina

10 – En Remolinos / Fantasma -se utilizaron registros grabados de la voz de Gustavo-

11 – Ameba / Quatro

12 – Nuestra Fe / Claroscuro / Madre Tierra

13 – Colores Santos

14 – Toma La Ruta / Secuencia Inicial

15 – Zona De Promesas

16 – Fue

17 – Primavera 0

18 – Juegos De Seducción

19 – En Camino / No Necesito Verte (Para Saberlo)

UNA OBRA REDONDA (Espacio XIRGU UNTREF) – Por Maxi Curcio

Treinta artistas en escena recrean una historia escrita con tinta dorada. Con guión del monologuista Fernando Casas y dirección de Verónica Fucci, “Una Obra Redonda” integra números coreográficos y una banda tocando en vivo para agasajar la gloriosa historia del legendario grupo surgido en la ciudad de La Plata. El periplo abarca desde fines de los ’70 al 2001, cuando la formación comandada por Indio y Skay deja de funcionar como tal, y en ese cuarto de siglo de vida, podemos ver transformar su arte a escala planetaria: desde lo performático del under urbano a los grandes estadios de fútbol que coronaron sus multitudinarias presentaciones. Pensemos en Patricio Rey como un proyecto artístico que consigue la masividad a pesar de nunca quererla. Con un plus: todo legado resguarda un misterio y el grupo protegió celosamente el espacio gestado para construirse desde el interrogante; son sensaciones que no se cuentan al pie de la letra. Al comenzar la función, encendemos velas a Luzbelito, nos vestimos con el escapulario de Momo, rockeamos fuerte en el puticlub, ensayamos sobre una pared un dibujo de Rocambole. Ahora sí, a poguear!

No es casualidad que la convocatoria sea en el Teatro Margarita Xirgú, allí donde la formación se presentó en los años 1979 y 1982. Un túnel en el tiempo, aquí todo es estimulación sensorial y la pieza representada recurre, tanto a la música como a la interacción interpretativa para dar vida a este colectivo artístico salvaje que cumpliera a rajatablas su mandamiento: libertad sin bordes, porque Patricio Rey trazó a su camino una identidad de independencia irrenunciable que se remonta a los inicios de la última dictadura militar argentina. Ellos lo vieron todo. No se pretende desterrar ciertos mitos aquí, tampoco reavivar la polémica sobre hechos que no poseen total claridad, se sabe que el fan redondo es lo suficientemente curioso como para intentar levantar esos velos. Un viaje iniciático de excursión a Salta echa la máquina a rodar. Pronto, Patricio Rey se adueña de la ciudad de Buenos Aires: desde Cemento al Stud Free Pub. De la Esquina del Sol a Obras. Del show fallido en el Astros al mítico en el Palíndromo. El despliegue, la destreza y el carisma de los eximios bailarines en escena es notable, mientras que la entrega de Fernando, micrófono en mano y oficiando de narrador, es histriónica, contagiosa y conmovedora. Momentos teatrales, visuales o narrativos se reparten el devenir de la decena de discos que conforman el itinerario musical redondo. Cerramos los ojos y nos parece estar escuchando al mismísimo Solari. El diálogo con el público participante es indispensable, existen tramos de nuestra historia como nación que aún nos enfurecen. La represión policial y la persecución política también hacen a estas páginas escritas con compromiso, pasión y rock and roll. Argentina sortea cataclismos sociales políticos y económicos, Los Redondos afrentan tempestades. La resistencia es virtud en una banda orgullosa de ser diferente, moviéndose desde los márgenes de la industria, jamás cediendo un milímetro de sus principios conceptuales.

Un mega espectáculo supera las dos horas de duración, sentimos el salvaje desenfreno y el alboroto en los cuerpos que gobernaba aquellas noches. La historia se transforma ante nuestros ojos: del cassette al CD, de los demos piratas a los temas inéditos; de allí al estampado de una bandera. Entre los años ’80 y ’90, había nacido una religión paralela en nuestro país. Parte de la mística reside en la liturgia que despierta alrededor una visión artística que entregó su lírica a interpretaciones múltiples. La iconografía redonda, el hermetismo con la prensa, las reuniones clandestinas itinerantes y el peso específico de un discurso cultural politizado por las coordenadas históricas que atraviesan al mito, son elementos que agregan la sustancia atractiva a una obra integral que nos lleva a sentirnos dentro de una época turbulenta. La palabra tributo no alcanza a describir la magnificencia de la puesta en escena. Éxtasis. Bailemos otra noche más, el infierno está encantador. !Fuego, Fuego!

LA MEDICINA – TOMO III (Teatro Calibán – C.A.B.A.) /// Una vez más, diría el maestro Norman Briski, el teatro ensaya la vida. Como acostumbra, él decide ir por los bordes. Con autoridad, firma lo que dice, y emprende una crítica feroz -otra más- sobre las sociedades modernas y el sistema que, de modo implacable, explota y somete. Afirma Briski que <<el sistema de salud alimenta la necesidad de vivir en el capitalismo>>. Aquí, en “La Medicina -Tomo III-“, se lleva a cabo un minucioso análisis sobre un aparato que opera alrededor de mezquinos intereses. Nadie se salva, la competencia le gana a las buenas intenciones…naturaleza humana. Se multiplica el dinero en los bolsillos de los habituales poderosos de turnos, mientras el ingreso de muchos otros no brinda subsistencia. ¿Un buen arancel nos convertirá en fervientes creyentes? Podríamos pensar si la enfermedad es una estrategia para aquellos en cuyas manos reside nuestra esperanza de curarnos. Maneras anómalas y disfuncionales de relacionarse, la condición al desnudo: todo se trata de dominar. Bailamos entre espectros cada vez más semejantes a nosotros, la ciencia aplica al pie de la letra su manual de perversiones. Ni los perros vendrán a lamer nuestras heridas. Después seremos, sencillamente, el oscuro rostro de la nada más absoluta y nuestros órganos un elemento de intercambio. El mercado de ventas se instala en tu propia casa. Incómodas verdades de escuchar nos anuncian que, los diagnósticos, en realidad, están hechos para perdurar; la medicina es un invento y el amor otra monstruosidad similar. Un incansable hacedor, propulsor del teatro independiente y mentor de actores -desde su encomiable refugio cultural llamado Teatro Calibán- nos ha sembrado un enorme dilema. El mundo está tan viciado que ya no encontramos fuerzas para levantarnos de nuestra propia cama. Pronto, seremos cuerpos inertes durmiendo el sueño que nunca termina. El cuerpo es una maquinaria falible, pero los opiáceos pueden contribuir a alimentar, tenuemente, la ilusión. Las luces se apagan, entre acto y acto, suena una inquietante música, compuesta por Fito Páez. ¿Cuál es el sentido de esta vida hecha de verdades licuadas? Conocemos la labor del enfermero y camillero que tomará un rol preponderante (el inmenso, descomunal, Sergio Barattucci); él posee en sus manos la nada sencilla tarea de otorgar a aquellos que cuida un final digno. Sin embargo, puede ser tanto salvador como verdugo, adueñándose del padecimiento físico que sufren aquellos que están a su cuidado. No callará ni medirá sus actos, para eso cobra doble sueldo. Dudamos seriamente de su cordura y de la de cada individuo que lo rodea. Por interés bailan todos menos el muerto, hagamos memoria, ejemplos nos rodean a granel. No exenta de humor, una herramienta indispensable para el dramaturgo y director, la obra lleva a cabo un implacable examen, la miseria nos alcanza a todos por igual, Absurda y cruel es la vida, no existe resquicio de piedad. Cada quien muestra su verdadera piel, sus intereses y depravaciones. En la presente pieza estrenada en el corriente mes, una originalísima puesta en diversos niveles y once grandes intérpretes otorgándoles vida, se conjugan ochenta minutos de duración, de forma lo suficientemente contundente como para plantearnos un paradigma brutal: puede que aquella habitación de hospital sea la última morada. Un santo profano brinda a nuestra suerte y salud. Por MAXI CURCIO

«LEBÓN CUMPLE», celebra los 70 años del querido músico en el CCK – Por MAXI CURCIO /// En la ciudad de Buenos Aires, en la noche del 6 de octubre, pudimos disfrutar de un homenaje a la altura de lo merecido. Estrenando sus joviales 70 años de edad estaba David Lebón, subiéndose al escenario del Centro Cultural Kirchner para dar comienzo al espectáculo denominado “Lebón Cumple”. La cita comenzó puntual, a las 20 hs., y la noche prometía instantes de suma emoción… nuestro rock nunca defrauda. El anfitrión no estaba solo, lo acompañaba su enorme banda. Dhani Ferrón -columna vertebral de la formación- en guitarra y voces; también haciendo las veces de maestro de ceremonia con total desenvoltura. El histórico e incomparable Daniel Colombres en batería. Y tres pilares extremadamente sólidos: Leandro Bulacio (teclados), Roby Seitz (bajo) y Tavo Lozano (guitarra y teclados). Talento a granel.

Sentado en primera fila, el dueño de la velada escuchó atentamente a su banda (acompañada de la orquesta del CCK) tocar dos hermosas versiones de “Laura Va” (Almendra) y “Mendigo en el Andén” (Serú). David no iba a permanecer mucho más tiempo quieto en su butaca: “Frecuencia Modulada” (Serú) y “Bonzo” aumentaron los decibeles. Llegó el turno de la siempre conmovedora “Esperando Nacer” (Serú) y luego el primer invitado de una extensa lista: Emmanuel Horvilleur entregó una sentida versión de “Hola, Dulce Viento” (Pescado Rabioso). Luego fue el turno de “Parado en el Medio la Vida”, como prólogo a “El Tiempo es Veloz”, en donde Hilda Lizarazu demostró porqué es una de las más dotadas y carismáticas voces femeninas que existen en nuestra música. “Tiempo sin Sueños” (incluida en el CD estreno) contó con la participación de Juanchi Baleirón, en tanto que “Suéltate Rock and Roll” (Polifemo) nos regaló de un fenomenal duelo de guitarras entre David y el descollante Palmo Addario. “Noche de Perros” (Serú) constituyó uno de los puntos más altos del encuentro, gracias a la performance brindada por Javier Malosetti (bajo) y Leo Sujatovich (teclado), mientras la reunión de David con el querido grupo Eruca Sativa congenió una incendiaria interpretación de “Despiértate Nena” (Pescado Rabioso). Acto seguido, las dos ovaciones más acaloradas de la noche: Ricardo Mollo regó de virtuosismo el escenario en “Mundo Agradable” (Serú) y Pedro Aznar nos ofreció su excelsa voz en “Nos Veremos Otra Vez” (Serú). Rumbo a su recta final, el festejo de cumpleaños todavía develaba nuevos regalos a punto de llegar: siempre corearemos la sentimental “Seminare” (Serú) y de igual manera nos pondrá a bailar “Copado por el Diablo” (Serú).

A David podemos observarlo como quien observa a una figura poliédrica. Es el superhéroe que atravesó tormentas; el compositor responsable de himnos inoxidables y solos exquisitos; el guitar hero que se formara en Estados Unidos, amalgamando sus raíces bluseras e influenciado por los grandes del rock en inglés; el del distintivo sello vocal que es tan inimitable como marca registrada; el que bucea en las texturas de una canción para encontrar, del modo posible que sea y siempre así lo será, una radiante luz de esperanza; el de la productividad prolífica y también el de las pausas entre disco y disco; el músico más querido por sus colegas; el dueño de los corazones de cada una de esas almas alentándolo, a lo largo de una vida -aunque parezcan muchas más- sobre los escenarios. Toda adjetivación no alcanza, aunque, quizás, sea mucho más simple: llamémosle ‘El Ruso’; hoy está celebrando número redondo y es la historia viva de nuestro rock.

DAVID LEBÓN presenta LEBÓN & CO. 2 – Por MAXI CURCIO /// A David Lebón siempre se lo ve en buena compañía, y así continúa celebrando, a lo largo de los últimos años, la permanencia de un legado que lo posiciona como figura clave de la historia de nuestro rock; los frutos cosechados por uno de los más grandes guitarristas que ha dado este suelo se miden en el cariño incondicional del público. Emblemático socio musical de Luis Alberto Spinetta, Billy Bond o Pappo, y formando parte de bandas como Pescado Rabioso, Serú Girán o Polifemo, su calidad y trascendencia lo ha convertido en un artista insoslayable a la hora de considerar eso que llamamos clásico. En la vereda del sol, todos tocan su canción…hay un solitario transmitiendo mensajes. Llega claro el sonido que siempre nos va a mover.

El mapa musical de David se diversifica a lo largo de cinco décadas haciendo lo que ama hacer, y sus melodías siguen siendo inspiración para las generaciones que vendrán. Acaba de estrenar el flamante “Lebon & Co. 2”, sucesor del volumen de reversiones sobre su repertorio cuidadosamente seleccionado, que se alzara en 2020 con el Premio Gardel de Oro. Merecido honor para una figura imprescindible del fértil laboratorio musical argentino. Eslabón insoslayable de la primera generación, que ha sabido mantenerse vigente y fiel a unos principios éticos y musicales que delinean una obra colosal. David, ese que sorteó tragedias personales adquiriendo sabiduría y templanza; lo dijo Luis, un guerrero jamás detiene su marcha. David, aquel que cuando la cosa se puso fea, supo bucear profundo en su mente y corazón, hallando allí dos faros de enorme fortaleza.

El nuevo disco, publicado por Sony Music, y que también es producido por Gaby Pedernera, cuenta con la participación de ilustres invitados como Fabiana Cantilo, Vicentico, Diego Torres, Skay Beilinson, Charly García, Mateo Sujatovich, Sandra Mihanovich, Abel Pintos, Hugo Fattoruso, Kevin Johansen, Rosario Ortega y Soledad, y ya se encuentra disponible tanto en tiendas digitales como en formato físico. Solo ‘El Rey’ puede concatenar un dream-team semejante; parte de la leyenda encargada de derribar otro mito: segundas partes sí pueden ser buenas. ¿Qué tal afirmar el siguiente? No hay dos sin tres. “Mi Despedida”, “Tema de Nayla”, “Creo que me Suelto”, «San Francisco y el Lobo», «Tiempos de Sueños», «Nos Veremos Otra Vez», «Cuánto Más Llevará» y “El Tigre y el Dragón” son algunos de los puntos más altos de un álbum para guardar entre los más preciados. Calentando motores, su banda viene presentando este nuevo puñado de inmortales canciones en una gira por el interior que culminará con la gran presentación del próximo 27 de noviembre en el Estadio Luna Park. Allí estaremos… ¿cuántos momentos más en esta vida nos pueden provocar igual emoción como las canciones de David?

Richard Coleman & El Trans-Siberian Express en La Trastienda de CABA

Cobertura para Revista Siete Artes, por Jimena A. Coltrinari

En la noche del sábado 24 de septiembre, el maestro Richard Coleman & El Trans-Siberian Express hicieron temblar los cimientos de La Trastienda, el reconocido café-concert del barrio porteño San Telmo, con una potente y formidable performance eléctrica. Para el deleite de una audiencia, en gran parte, conformada por mayores de treinta años, tocaron temas de Fricción, de Los 7 Delfines y de la discografía solista de Coleman. “Hamacándote”, “Días futuros”, “Incandescente”, “Corre la voz”, “Cuestión de tiempo”, “F-Á-C-I-L”, “El agua no se puede beber”, “Desechos cósmicos”, “Como la música lenta”, “Humanidad” (single surgido en la pandemia), fueron algunas de las gemas elegidas. La sorpresa del show pasó por el estreno de «El único secreto», una pieza exquisita con destino de hit.

La velada tuvo una invitada especial: la talentosa multiinstrumentista y productora artística Lucy Patané, quien participó en «Dale salida» y en «Héroes», versión en español del clásico compuesto por el eterno David Bowie. Este set cautivó a los presentes con soberbios duelos de guitarras, sonrisas y miradas interconectadas.

El cierre, con «Lago en el Cielo», fue conmovedor. A pedido de Richard, la gente se levantó y cantó junto a la banda para celebrar un encuentro del músico con Benito Cerati, días previos al show, y homenajear, como siempre, al gran Gustavo. Un momento inolvidable para atesorar en nuestros corazones.

Con su carisma, calidez y sentido del humor característicos, sumado a su energía arrolladora y entrega total, Coleman demostró, una vez más, su faceta de frontman increíble, dotado de un foco de luz incandescente que hace brillar todo a su alrededor. Y si hablamos de Rock, este gran cantante, compositor y eximio guitarrista es uno de los referentes indiscutidos de la escena nacional. Los que amamos este género podemos quedarnos tranquilos, con él, el Rock sigue vivo.

La compañía de Richard es tan fantástica que ya estamos esperando la próxima cita.

NO TE VAYAS CON AMOR O SIN ÉL (Paseo La Plaza, C.A.B.A.)

Juegos de sumisión y pugnas por el mando cobran vida en este deslumbrante texto de Norman Briski, con dirección de Romina Richi. “No te vayas con amor o sin él” fue una obra presentada, anteriormente en 2011, en el mítico Teatro Calibán, regresando a la cartelera porteña en la bella Sala Cortázar del Paseo La Plaza, para la presente temporada. Interpretada por las brillantes Leonora Balcarce y Lucila Mangone, reúne la pieza a tres amigas en la vida real para un abordaje que nos habla acerca minorías, estigmas y discapacidades. A lo largo de sus cincuenta minutos de duración, se hace un profundo análisis del condicionamiento, bajo la habitual sensibilidad social existente en la dramaturgia de Briski. Una mujer en relación de dependencia, imposibilitada de valerse por sus propios medios y con miedo a quedarse sola. ¿Qué mundo le espera afuera?, ¿qué la retiene dentro de los límites de su habitación? Vive en su propia piel el drama de estar al servicio de una empleada (quien aclara que el bien prestado no es a la persona, sino funcional a la condición que esta sufre, léase un bien a la humanidad). Antes de que el té ordenado a gritos se enfríe, mejor brindamos con agua celebrando motivos: un viaje inesperado surge imprevisto, un amor por interés atiende el llamado y las mujeres comparten deseos frustrados de maternidad, entre remembranzas de alocadas -casi lisérgicas- aventuras sexuales. La obra plantea la mentada disyuntiva de amo versus esclavo, bajo connotaciones de clase que no nos dejarán indiferentes. El guiño idiomático hace su parte, sumando capas de agudeza. ¿Son, acaso, una y otra, la misma cara de una misma moneda? Dualidad y complicidad inesperada, e intoxicada también, cuando una ejerce su influencia sobre su prójimo. Miserias de la condición humana que miden la propina en el peso de una mota de polvo depositada sobre el espejo. ¿Cuánto estamos dispuestos a dar a cambio? La cadena necesita dos eslabones (tres o cuatro, en realidad, el público confirmará) para funcionar y con un aditamento no menor: la subordinación económica. La autoridad circula, el afecto no se compra. Bajo una nueva perspectiva, como espectadores de este absurdo acabaremos compadeciéndonos de quien ocupe la silla, sea de ruedas o de acusado. La condena es, en realidad, volverse objeto de posesión: si antes eras mía, ahora es mío todo lo que alcanza la vista dentro de estas cuatro paredes ¿Dónde quedó la compasión? “No te vayas con amor o sin él” plantea un tema complejo, tan primitivo y cotidiano, en donde capital y trabajo, vinculados según la óptica del maestro Norman, indaga en la dialéctica de clases, sin la más mínima solemnidad. La minusvalía se relaciona directamente con la opresión del sistema y, allí, dos palabras interactúan como indudables ejes; carencias y sometimiento, espejados. Leonora y Lucila brillan, mientras un profundo examen de conciencia (la voz en off de Norman podría ser ‘esa voz’) nos conduce, indefectiblemente, a encontrar más falencias propias que las que, a priori, reconoce un ‘normal’ evaluándose bajo cierta vara poco fiable. El significado no es solo una cuestión de semántica y la palabra aborto otorga peso actual al debate. La puesta escénica diseñada por la talentosa Richi se vale de un humor y una mirada amorosa que recurre al absurdo para instalarnos la duda primaria: ¿un individuo emancipado implicará la automática derrota de un semejante? Puede que la sartén -o en su falta, el plumero- por el mango constituyan sinónimo de poder, fortalecimiento y determinación. Por MAXI CURCIO

MÚSICA PARA VOLAR PRESENTA «UN VIAJE POR LA OBRA DE GUSTAVO CERATI – SINFÓNICO A LA CARTA»

En el Teatro METRO La Plata

Integrado por artistas de Capitán Bermúdez y Rosario, Provincia de Santa Fe, nace, en octubre de 2012, un proyecto musical que cobró impensada dimensión. Arquitectos de un trayecto inimaginable, el grupo de músicos que conforman “Música Para Volar” se dispone a homenajear a uno de los pilares de nuestro rock nacional. Exactamente una década atrás, la banda surgió con el objetivo de versionar el (engañoso) unplugged de Soda Stereo para MTV titulado “Comfort y Música para Volar” (1995), un álbum de características sonoras muy especiales que otorgara a clásicos de Soda Stereo una nueva -y definitiva- dimensión. Luego de presentarse en diversos lugares de Argentina y el resto de Latinoamérica, a lo largo de los últimos años, y llegando a tocar en paradigmas de la escena musical vernácula, como el Teatro Coliseo de Buenos Aires, arriban a la ciudad de La Plata, recurriendo al formato sinfónico para abordar el denominado ‘menú a la carta’, en donde, antes de cada show, la audiencia puede seleccionar el repertorio que es de preferencia escuchar, a través de la página oficial de la banda: www.mpvolar.com.ar. En cada presentación, “Música Para Volar” cuenta con alrededor de cincuenta músicos en escena, orquesta y coro polifónico (en esta ocasión fueron la Orquesta Platense y el coro del Instituto Cultural Argentino-Británico quienes acompañaron la velada), realizando un repaso generoso por canciones que condensan, desde el fenómeno Soda hasta la fructífera etapa solista de Gustavo Cerati. Canciones que siguen latiendo. Los hits infaltables, y también las joyas ocultas; masividad y experimentación son dos términos que el homenajeado supo congeniar sabiamente a lo largo de su obra. Dividido en segmentos que recrean diferentes estilos, etapas y géneros, el show se apoya en una variada instrumentación que trae al presente canciones como lugares queridos y conocidos, conservando espacio para la sorpresa y el mash-up, aunque la canción más votada sea una incombustible gema Soda, en clave de balada con el sello Melero. ¿Adivinaron? Un gran despliegue técnico acompaña cada tramo, posibilitando una búsqueda audiovisual en proyecciones en pantalla, como propuesta estética. Las músicas nos conectan, y las reversiones nos ayudan a descubrir la esencia bajo nuevas texturas. Ahora bien, ¿por qué es Gustavo el compositor elegido? Sin dudas, esta leyenda de nuestro rock nacional y emblema de la segunda generación surgida en los años ’80 posee una obra que cala honda en varias generaciones a las que ha atravesado, incluso, por su carácter vanguardista y visionario. Desde fieles ‘soderos’ a jóvenes que no vivieron la época en la cual semejante riqueza compositiva asomaba en el mundo. Esta fenomenal nave espacial, llamada “Música Para Volar” y también autores del espectáculo “Canciones de Charly García”, está integrado por los excelentes José Matteucci en batería y voz; Alexis Thompson en guitarra; Julieta Sciasci en bajo y voz y Bruno Moreno en piano. En la noche platense, todo salió como lo planeamos: volamos al espacio exterior. Por Maxi Curcio

MUESTRAS FOTOGRÁFICAS //// La fotógrafa murciana Cristina Navarro rinde homenaje a Calabardina a través de su fotografía más intimista. Sencillamente Calabardina es el nuevo proyecto de fotografía de Cristina Navarro que nos acerca a la vida y costumbres de un pequeño pueblo de la costa murciana.

Cristina Navarro, fotógrafa profesional afincada en Murcia, realiza un homenaje a Calabardina a través de una serie de fotografías que retrata las costumbres y forma de vivir de esta pedanía de Águilas. Se trata de un proyecto artístico que ensalza el valor de la vida sencilla y de las pequeñas cosas.

Para realizar esta obra, Cristina Navarro ha captado con su cámara algunos de los lugares más emblemáticos de Calabardina como el bar de Miguel, el embarcadero o la playa de la Cola, lugares que se han mantenido ajenos al paso del tiempo. Según comenta la fotógrafa murciana, Calabardina “es olor a hibisco y baladre, patios asalvajados de buganvillas y jazmines, es el sonido de las olas rompiendo en Cope y los gritos en el bar de Miguel. Churros por la mañana, duchas en la calle, cenas en los balcones y tranquilidad, mucha tranquilidad… Aquí nadie tiene prisa, todo va despacio, los días pasan iguales, tranquilos, sencillos, perfectos.”

Sencillamente Calabardina es una obra viva que se mantiene en constante evolución. “No se trata de un proyecto cerrado, es una obra que empieza este verano de 2022, pero seguirá creciendo con el paso del tiempo. Todavía tengo muchas situaciones y personas que retratar”, afirma la fotógrafa.

Esta no es la primera vez que la artista realiza un homenaje a Murcia. El amor a su tierra es un tema recurrente en su fotografía. Readymade en la Huerta y verduras como obras de arte son dos proyectos anteriores en los que Cristina demuestra su cariño y respeto por los productos de la huerta murciana.

Cristina Navarro nació en Lorca en 1983 y actualmente trabaja en su propio estudio de fotografía en la ciudad de Murcia. De niña pasó los veranos en la casa de sus abuelos que tenían en la calle Teresa Rabal, a pocos metros de la playa de Calabardina.

Hoy día, Cristina trabaja como fotógrafa publicitaria para diferentes marcas dentro y fuera de la Región de Murcia. Está especializada en la fotografía de producto y gastronómica, destacando por su estilo artístico y personal.

Más información de este proyecto en su web: Sencillamente Calabardina.

Otras obras: Readymade en la Huerta y Verduras como obras de arte.

CONOCIENDO RUSIA OBTIENE EL PREMIO A MEJOR ARTISTA DE ROCK POR «LA DIRECCIÓN» //// En la última ceremonia de los Premios Gardel, celebrados el pasado 23 de agosto en el Movistar Arena, Conociendo Rusia prevaleció por encima de directos competidores -e influyentes marcas de su identidad musical- como Andrés Calamaro (nominado por “Dios los Cría”) y Fito Páez (nominado por “Los Años Salvajes” y suerte de padrino artístico de la banda, con quienes grabara el videoclip de “Tu Encanto”). Ya no quedan sorpresas por descubrir: “Conociendo Rusia” no es el futuro; es el presente consagrado de nuestro rock. La raigambre del género nacional más popular cursa las venas de Mateo Sujatovich, un artista inquieto y permeable a la transformación de un estilo jamás en calma. Nacido para hacer rock, con solidez, espíritu renovador y al comando de una banda que comienza a adquirir altísimo vuelo sonoro y estético, Mateo se deja llevar por nuevas rimas. En la premiada placa, se aprecia un trabajo que derrocha encanto, talento y refrenda los laureles cosechados luego de brindar cuatro exitosos shows en el Teatro Gran Rex durante el pasado año. El tercer opus de Conociendo Rusia contó con arreglos de Leo Sujatovich, reconocido pianista, tecladista, compositor y padre del cantante, de cuya trayectoria recordamos su colaboración junto a Luis Alberto Spinetta en “Spinetta Jade”, allá por los años ‘80. La presentación del nuevo material, sucesor del brillante “Cabildo y Juramento” (2019), los llevó a recorrer México, Uruguay y Chile durante los primeros tramos de la gira, anunciando dos shows en el Movistar Arena (en noviembre y diciembre del corriente) como cierre de un año inolvidable. En «La Dirección», el desamor puede ser el impulso creativo de unas líricas que salvaguardan la fina herencia de nuestro rock nacional, sin dejar regirse por los cánones industriales del momento. Con Mateo y compañía, el timón está en buenas manos, siguiendo el ejemplo inspirador y la huella luminosa de referentes como Charly García y Gustavo Cerati. Nuestra casa es su casa, los amigos se entienden con la sola mirada. Estábamos perdidos, pero suena esa melodía y volvemos a encontrarnos. Hay sabiduría, honestidad, calidez y transparencia en cada verso: la flor se planta y solo así la veremos nacer, como directa referencia a “Quedándote o Yéndote”. Los guiños se acumulan cayendo desde un noveno piso («No Aguanto Más»). No importa, ya aprendimos a volar. Y seguimos buscando la salida, curando el dolor. Más estrofas se acumulan, en exquisito fraseo. Con producción de Nico Cotton, arreglos de Javier Malosetti y la maravillosa participación del cantautor español Leiva (en la fotográfica “Mundo de Cristal”), la placa mixtura sonidos de rock, indie, pop y alternativo, también aires de rumba que portan el inconfundible ADN estilístico de Los Rodríguez. “La Dirección” a lo largo de un total de nueve nuevas canciones ultra pegadizas, exhibe la cohesión, el buen gusto y la sensibilidad de una formación en permanente expansión masiva. Indetenibles, en menos de un lustro, “Conociendo Rusia” avanza a paso firme rumbo a próximos hitos musicales. Lo hicieron de nuevo. Por MAXIMILIANO CURCIO

EL CUARTO DE VERÓNICA – Teatro Coliseo Podestá, Agosto 2022 /// Hay habitaciones en donde se duerme con la luz encendida, allí el pasado parece congelado. Una de ellas nos sirve de escenario en “El Cuarto de Verónica”, obra perturbadora en donde la realidad y la imaginación se confunden desafiando nuestra capacidad de discernimiento. Podría entenderse el relato, que ante nuestra atenta mirada se desarrolla, como una metáfora sobre la maldad humana, desafiando las estructuras de nuestra lógica. ¿De quién es realmente ese retrato que guardamos en un cajón? La acción transcurre en Boston, hacia comienzos de la década del ‘70 donde una encantadora pareja de ancianos encuentra en una muchacha, ocasional comensal de un restaurant, un impresionante parecido con Verónica, hija de ambos y fallecida en 1935. Esta pieza de terror y suspenso es autoría de Ira Levin, fino dramaturgo y novelista neoyorkino, responsable de otra gema del género como “El Bebé de Rosemary”, llevada a la pantalla grande en 1968, por Roman Polanski. La pluma de Levin nos revela una trama con múltiples capas, acaso un retorcido juego de cajas chinas al que intentamos darle sentido. Plagada de violencia psicológica y emocional, identidades encubiertas saldrán a la luz para sorprendernos del modo más perverso: las pieles mutan, el cambio de vestuario recrea la imperecedera magia teatral y nada es como inicialmente pensábamos. La farsa está en marcha y el misterioso cuarto parece habitar otra dimensión espacio-temporal. Dirigida por Virginia Magnano, resulta sumamente provechoso a nuestro interés la sutileza con la que se trabaja el punto de vista alucinado del relato para hacernos empatizar con cada uno de los personajes. ¿Quién es quién, realmente? ¿Qué los motiva? La intrigante pesadilla cobra forma siguiendo las pistas del macabro plan: el rompecabezas volará por los aires camino a un desenlace inesperado. La muerte desfila implacable, la música sabe cómo inquietarnos y el morbo humano parece no conocer de límites. “El Cuarto de Verónica”, en cartel hace varias temporadas, está interpretado por actores de primera línea: Silvia Kutika, Fabio Aste, Antonia Bengoechea y Adrián Lázare son brillantes engranajes para una pieza que invita a contener la respiración. Solo queda un grito ahogado tras la puerta; culpables de crimen y consumado el castigo, la fisura es irreparable. Después, aplaudimos de pie. Por MAXIMILIANO CURCIO

EL REPROCHE – TEATRO METRO, LA PLATA (Agosto de 2022) /// Autor de las obras literarias «Mentime que me Gusta», «Audiencia con el Diablo», «Barrilete Cósmico» y «Papel Prensa, el Grupo de Tareas», Víctor Hugo Morales se estrena en el campo de la dramaturgia con “El Reproche”. Un fervoroso espectador de teatro, acostumbrado a calzarse las ropas de periodista y escritor, ha decidido ocupar un desafiante rol. Su auspicioso debut en las tablas cuenta con la producción general de la actriz Marina Glezer y con la dirección de Julieta Otero. Exhibida con suceso en el Teatro Picadero (CABA), desde abril del corriente, “El Reproche” posee un interesante recorrido antes de llegar al público presencial. Nace como un radioteatro en plena pandemia, con Cecilia Roth, Divina Gloria y Marcelo Subiotto interpretando los roles protagónicos. Y, desde allí, cobra forma en las manos y en la inteligencia de Víctor Hugo, por primera vez abocado a la tarea de escritura de un argumento teatral. El relato nos hace partícipes de la aparente armonía de una pareja de mediana edad. Sin embargo, a partir de un ¿oportuno? regalo que despierta suspicacias, comienzan a visibilizarse cuestiones de la propia naturaleza del vínculo, aspectos solapados y antiguas disputas que saldrán a la luz. La normalidad ha sido alterada de modo irremediable. “El Reproche” es un estudio sobre las relaciones personales, desde una historia de amor que ve sus roles cuestionados y sus códigos tergiversados, guiños idiomáticos aparte basta leer los labios para descubrir una mentira. Diálogos filosos se pronuncian acerca de celos e infidelidades, un viaje al Viejo Contiene siembra sospechas múltiples de cuatro. La simple risa inicial se transforma, prontamente, en otra sensación mucho más compleja e incómoda, porque observamos a dos víctimas estereotipadas de una cultura: la autenticidad no porta máscaras, pero pide piedad en nombre de la libertad, sagrado vocablo. Mandatos son mandatos, y la realidad puede adquirir tantas formas como miradas posibles existen. No existe una única verdad y puede que tanto hombre como mujer tengan razón en sus respectivas posturas. Quizás sea este el acierto más meritorio de la pieza; sendos puntos de vista de sus protagonistas no se excluyen ni eliminan el uno al otro. Depende el prisma con el que se mire. A través de sus sesenta minutos de duración, reflexionamos acerca del modelo de género como constructor de formas, convenciones y valores sociales. Poder, deber y querer son puestos bajo la lupa. Y probablemente sean, tal vez, las perspectivas discutibles las que nos sinceran, en tiempos de un profundo cambio de paradigma, rumbo a una sociedad que deja de estar regulada por el patriarcado, aspecto al que la obra se preocupa en abordar con sutileza. Los extraordinarios intérpretes Malena Figó, Claudio Da Passano y Mayra Homar, protagonizan una comedia dramática en donde la palabra escrita borra con el codo aquello que ayer creíamos era la felicidad. Al fin y al cabo, hubiera sido más obvio morir de amor que escapar al dilema bailando una dulce melodía de jazz. Ahora sí, tenemos que hablar. Por MAXIMILIANO CURCIO

NOVEDADES EN LA CARTELERA TEATRAL: Yo me tengo que bañar y a nadie le importa

Estreno Domingo 21 de agosto 20hs

Función de prensa Lunes 15 de agosto 12hs

Dramaturgia y dirección: Juan Washington Felice Astorga

Teatro Código Montesco: Gorriti 3956 – CABA

Funciones domingos 20hs

Entradas: $1400 general y $700 a estudiantes y Jubilados – Alternativa Teatral

Actúan: Nahir De Ciancio, Daniela Colucci, Patricio Franchi, Marcelo Pañale, Sergio Villarruel, Guillermo Bechthold, Leonardo Cook, Franco Mastropietro, Gastón Quiroga, Florencia Collaud, Marisa Picollo, Malena De Arregui, Carolina Faraci, Marisa Alfonso.

IG @yometengo

FB /yo-me-tengo-..

Rocío es una joven escritora que harta de intentar encontrar una motivación para llevar adelante su causa artística, opta por buscar alternativas para ganarle la pelea a su angustia existencial. ¿Quién soy? ¿Qué será de mí? En el medio de estos cuestionamientos entra en el “fetiche” de querer lastimarse sin poder conseguir fenecer.

Su mundo: una travesti que convive con el reloj que establece su esperanza de vida, una enfermera que sin ser madre es más madre que nadie, una prostituta que no deja de pensar en cómo salir de la dependencia, un hermano futbolista, un músico enamorado, una madre que no puede renunciar a su cuerpo ético, un padre laburante y orgulloso, y muchos eslabones más que no juzgan, buscan entender aquello que parte misteriosamente de la pasión.

¿Podrá Rocío alguna vez inventarle un sentido a la vida?

Dramaturgia y Dirección: Juan Washington Felice Astorga

Actúan: Gastón Quiroga – Dr. Godinez, Nahir De Ciancio – Rocío, Daniela Colucci – Enfermera, Sergio Villarruel – Ariel, Patricio Franchi – Micaela, Marcelo Pañale – Novio, Florencia Collaud – Mujer, Marisa Picollo – Mujer II, Guillermo Bechthold – Padre, Carolina Faraci – Madre, Malena De Arregui – Bandoneonista, Marisa Alfonso – Psicóloga, Franco Mastropietro – Camillero

Asistente de Dirección: Franco Mastropietro

Diseño de Escenografía: Francisco de Borja Caballero y Molina, Guillermo Bechthold, Juan Washington Felice Astorga

Realización de Escenografía: Guillermo Jorge Bechthold

Diseño Vestuario: Emme Vazquez

Vestuario: Francina Lamelza, Alicia Rozental

Música original: Marcelo Pañale, Jimena Slame, Malena De Arregui

Operación de Sonido: Melina Luna, Luigi Longone

Bandoneón: Malena De Arregui

Coreografía: Agustina Pelaez

Efectos especiales y maquillaje: Federico Soares

Fotografía: Alejandro Aratta

Gráfica: Juan Pablo Davin

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Esta obra cuenta con el apoyo del INT y PROTEATRO.

SOBRE EL AUTOR

Juan Washington Felice Astorga / Es dramaturgo, actor, director, Comunicador Audiovisual (Facultad de Bellas Artes -UNLP-). Se formó con maestros tales como: Norman Briski, Ricardo Monti, Ricardo Bartís, Mauricio Kartún, Rubén Szuchmacher y Hans Garrino. Como director, puso en escena diversas piezas de autores tales como: Norman Briski, Samuel Beckett, Tato Pavlovsky y Shelagh Delaney, entre otros y de su propia autoría se destacan: “Ocho cuarenta” (El Piccolino, Año 2011); “Una noche larga”, (La Mueca, Año 2013) y “Otro Plato de Fideos” (El Piccolino, Año 2015 y El Ópalo, Año 2016), “No me vuelvas a hablar de amor”, (El ópalo, Año 2017, La tertulia, Año 2018, reestrenará en 2022), “Yo me tengo que bañar y a nadie le importa”, espectáculo seleccionado por el Ministerio de Cultura / Programa Cultura en Casa (Border Año 2019, vía streaming Años 2020, 2021 y reestrenará en 2022 en Código Montesco). Como actor, participó en “Verte llorar” (Año 2010); “Partido en dos” (Año 2010); “Ocho cuarenta” (Año 2011); “La Empanada Verde” (Año 2014), “Otro Plato de Fideos” (Año 2015). Este año, además de estrenar “Yo me tengo que bañar y nadie le importa” (en su doble rol de autor y director), participa como actor en “La conducta de los pájaros”, espectáculo que va por su cuarta temporada consecutiva (con impecables críticas por parte de la prensa especializada), además en 2022 ha participado del cortometraje “María” de Gabriel De Ciancio, y se encuentra en pleno proceso creativo de su primer cortometraje, protagonizado por Marina Glezer y Marcelo Melingo. En el área docente, trabaja desde hace más de una década, junto al maestro Norman Briski, en el Teatro Calibán.

Respecto de su trayectoria como autor y director, la prensa dijo:

“Las recurrencias en las piezas de un trabajador incansable como Juan Washington Felice Astorga habilitan a considerarlo uno de los verdaderos autores que tiene el teatro independiente. Sus obras suelen comenzar con escenas subidas de tono que no omiten lo escatológico, el grito, un exceso que pone un límite al verosímil tolerable por el espectador. Sin embargo, con el correr de las escenas, todo eso se invierte y el conjunto se transforma en algo íntimo y conmovedor.” (Gabriel Isod – Diario La Nación 2018)

«El director Juan Washington Felice Astorga lleva adelante una potente y arrasadora puesta con toda la fuerza que caracteriza las obras de Pavlovsky, y una modernidad y precisión estética muy particular.» (Ana Vivas – Espectáculos de Acá)

«La dirección de Juan Washington Felice Astorga, es realmente destacable ya que logra una pieza intensa, comprometida, que conjuga dos actores de excelencia con una puesta realmente de calidad.» (Marcos Koremblit – Crítica Virtual-Entretelones)

“El teatro de Astorga tiene riesgo, profundidad, artesanía y un contacto íntimo con el espectador. Básicamente, casi todo lo que uno busca en el teatro” (Gabriel Isod – Diario La Nación 2018)

NAHIR DE CIANCIO es actriz egresada del Instituto Municipal de Teatro de Avellaneda (IMTA). Se ha formado como Actriz con maestros tales como Norman Briski, Nestor Romero y Emiliano Romero, Eduardo Gilio. Como actriz, en teatro protagonizó “Antígona en el tiempo”, “Súbitamente el último verano”, dirección Horacio Medrano y “Contaselo a Wilson” dirección Cecilia Cambiaso. También formó parte de las obras de Teatro: “La oreja de la calle”, dirección Francisco Campana; “Familia S.A” dirección Marcelo Perez y “De Mil Amores” de y dirigida por Cecilia Cambiaso. Se desempeñó como Asistente de dirección en la obra de teatro “La Empanada Verde” de Norman Briski, además de haber trabajado junto a él en el área docente. En Cine ha participado del Cortometraje “Ojos Abiertos” dirigido por Emiliano Vega en 2007, Presentado en Festival “Arte Audiovisual de Buenos Aires”; “Hermanas” dirigido por Gabriel De Ciancio en 2013, presentación “Festival de cine social” en Concordia – Entre Ríos; “Celos” en la Escuela Taller Imagen de Cine y TV, año 2017. En Televisión ha participado como Cronista de “Viajes y paseos” en 2013 y 2014, por América Sport y Turismo Visión Argentina. Realizó la conducción del programa “Historias de mi tierra” de 2010 a 2012, por la Señal Argentinísima Satelital; Como Actriz y Asistente de dirección participó de la Serie “Popovich” a emitirse por el canal UNTREF; Serie “Plenilunio” emitida por UNTREF y YouTube, en 2019 y 2020; Además fue Asistente de producción para Spot Producciones en 2013 y 2014; Realizó campañas publicitarias para la revista Viva de Diario Clarín en 2013, y ESPN “El básquet y vos” en 2017.

MARISA PICOLLO es Actriz, Cantante, Medica egresada de la Universidad Nacional de La Plata – UNLP – Especialista en Obstetricia, Clínica Médica y en Enfermedades Infecciosas, y Docente universitaria de la UBA. Se ha formado como Actriz con maestros tales como Norman Briski, Eugenia Levin y Mariana Briski. En Canto con Adrian Cobas, Hernan Carrié y Verónica Pabón (Escuela de Sebastian Mellino). Como Actriz en teatro ha participado como Protagonista de la obra REBATIBLES de Norman Briski dirigida por Raúl Jiménez, en Teatro Caliban en 2011 y 2012; FRENO DE MANO de Víctor Winer y dirigido por Fabian Calixto en el año 2017 y ES LO QUE ES de y dirigida por Juan Washington Felice Astorga en el año 2021 en NoAvestruz. También participó de la obra LA MEDICINA TOMO I de Norman Briski en el año 2019 en Teatro Caliban. En Cine ha participado del Cortometraje EL OTRO de y dirigido por Javier Chaffitelli en el año 2009, y fue protagonista del Cortometraje EL PISCINA de y dirigido por Alejandro Balmaceda en el año 2013.

DANIELA COLUCCI es Actriz. Se formó con maestros tales como: Norman Briski, Lito Cruz, Dora Baret, Mosquito Sancineto, Mario Moscoso y Christian Quiroga. Como actriz, participó en las obras de Teatro: »Clandestino Maracaná» de Marcelo Pérez (Teatro El Tinglado, Año 2021 y 2022); “Yo me tengo que bañar y a nadie le importa” de Juan Washignton Felice Astorga, espectáculo seleccionado por el Ministerio de Cultura / Programa Cultura en Casa (Border, Año 2019 y vía Streaming, Años 2020, 2021 y 2022); »Tribeca» de Norman Briski (CIDAC Barracas, Año 2018); Este año, además de estrenar «La Medicina Tomo II y III» de Norman Briski, participa de la obra de teatro «9.81» de la misma autoría y dirección, de la cual formó parte como actriz en la Película estrenada en el 2021 en la DAC. Además, formo parte de los siguientes espectáculos: “No me vuelvas a hablar de amor”, como asistente de dirección (El ópalo, Año 2017 y La tertulia, Año 2018); “Es lo que es” (NoAvestruz, Año 2021), »La Ex/color Rosa» (Streaming, Año 2020 y 2021) y «CERCA: Melodía inconclusa de una pareja» (NoAvestruz, Año 2019) como encargada de la prensa y producción.

«LAS MANOS SUCIAS» – Complejo Teatral de Buenos Aires /// Jean Paul Sartre, publica “Las Manos Sucias”, dividido en siete actos, en 1948, y lo exhibe en el Théâtre Antoine de Paris. Política y literatura confluyen en un líder de opinión, tras cuya figura se puede trazar el marco político del siglo XX. Acaso uno de los últimos intelectuales universales, Sartre lo vio todo: desde la Segunda Guerra Mundial a la Guerra de Argelia. Desde el Mayo del ’68 a su resistencia al fascismo. Eva Halac, autora de “J. Timerman” (2018), “Café Irlandés” (2014) y “El Deforme” (1997), convierte en pertinente a un texto que posee la vigencia de los clásicos: Sartre se cuestiona hasta donde la ideología puede ceder sin dejar de ser fiel a los propios principios. No solo las manos se manchan y se llenan de sangre, también la conciencia. El deber y el ser, en postura metafísica, ejemplifican la mirada del mundo de un pensador para quien el compromiso político fue menester. Un posicionamiento es toma de poder que siempre generará reacciones, afines o contrapuestas. Causas y consecuencias omnipresentes a lo largo de las dos horas de extensa duración de la pieza. Gracias a una magnífica puesta, que nos va trasladando en tiempo y espacio. A veces, gira sobre su eje, aprovechando cada rincón del escenario de la Sala Casacubeta. Las discusiones dialécticas adquieren profundidad, los interrogantes sugeridos abren nuevos sentidos y el espectador se involucra: ¿es la libertad una mera ilusión? Una realidad fraccionada, ambigua y convulsa atañe a un país imaginario que otorga lugar a la acción, espejo de las grietas políticas que trazan un mapa insoslayable sobre el tránsito de una época inestable. La existencia precede a la esencia como máxima del filósofo y referente intelectual: nuestra condición, identidad y manera de entendernos es lo que hacemos y cómo n<os comportamos, cada uno de los personajes aquí involucrados esconde sus intereses. El fin justifica los medios, diría Maquiavelo. Hay veces en que medidas extremas son necesarias. Planes y estrategias, granada o revólver en mano, ¿qué era la lealtad? Es hora de matar a lo que se ha querido ser. Culpables de traición, crimen y castigo, la carga que conlleva la memoria puede que no deje vivir, y a viva voz se gritará: ‘no recuperable’. Previamente representada por Alfredo Alcón y Narciso Ibáñez Mente en la década del ‘70, “Las Manos Sucias” se encuentra protagonizada por un elenco de altísimo nivel y en perfecto engranaje: Daniel Hendler, Florencia Torrente, Guido Botto Fiora, María Zubiri, Ariel Pérez de María, Guillermo Aragonés, Nelson Rueda, Juan Pablo Galimberti y Ramiro Delgado. Recomendadísima opción teatral. Por MAXIMILIANO CURCIO

EL CAZADOR Y EL BUEN NAZI (Teatro El Tinglado – CABA) / Por Maximiliano Curcio

Dramaturgo, ensayista y hombre de medios, Mario Diament, es autor de “Tierra del Fuego” y “Un Informe Sobre la Banalidad del Amor”. Aquí, recurre, nuevamente, a una historia basada en hechos reales. Su fina pluma intenta reconstruir una inesperada reunión que ocurrió en 1975: Simon Wiesenthal, famoso cazador de nazis, se encuentra con Albert Speer, arquitecto y jefe de armamento de Adolf Hitler. Habiendo negado conocimiento alguno acerca de la llamada ‘solución final’, Speer fue condenado por el Tribunal de Nuremberg a veinte años de prisión por colaborar en crímenes de lesa humanidad. Luego de ser liberado, publica el libro “Dentro del Tercer Reich”, adquiriendo impensada celebridad. El éxito literario tampoco era ajeno a Wiesenthal, activista y facilitador del procesamiento de criminales de guerra, gracias a “Los Asesinos Entre Nosotros” y “Justicia, No Venganza”. Alejado del concepto del revanchismo, el drama que en carne propia sufriera en los campos de concentración lo impulsó a dedicar su vida en perseguir y encarcelar a fugitivos de la calaña de Adolf Eichmann. Aquí cotejamos el encuentro de dos personajes por completo antagónicos, víctima y victimario confrontados. A priori, sería más sencillo estimar a esta clase de conversación como improbable. ¿Qué los motiva a mantener tan urgente intercambio? ¿Cómo defienden sus respectivas posturas ante lo ocurrido en el Holocausto? ¿Es posible reflexionar sin enjuiciar al semejante? En la obra se dramatiza dicha reunión mediante profusa documentación, bajo la impecable dirección de Daniel Marcove. Lo político y lo social se conjugan con la motivación de indagar en un pasado que coloca en perspectiva responsabilidades y complicidades en torno a una maquinaria monstruosa; los recuerdos suelen ser selectivos si la conciencia busca aquietarse comprando la mentira que pretende impostarse. Encomiable labor representa para Jean-Pierre Noher colocarse bajo la piel de un ícono de la lucha judía: su padre escapó milagrosamente y sus abuelos fueron asesinados en un campo de concentración. Noher coloca sobre sus espaldas un enorme peso emocional, acompañando en escena al notable Ernesto Claudio, para conformar un dúo interpretativo magnífico. Es menester del acto artístico comprender la lógica interna de aquello inconcebible que los regímenes tiranos producen, así como también de la extraña necesidad de determinadas sociedades por fabricar excepciones a la hora de evaluar culpas propias. Expiación, reformación y reeducación de generaciones modeladas en base a propaganda de odio. Ya Thomas Mann reflexionaba, décadas atrás, acerca del concepto de stimmung, el espíritu de un tiempo y la encarnación del alma alemana. Materia de inagotable discusión. Memoria, verdad y justicia son valores que convierten a “El Cazador y el Buen Nazi” en una auténtica celebración teatral.

Concierto de Cumpleaños de Pedro Aznar en el Auditorio de Belgrano

Cobertura de Jimena A. Coltrinari

http://www.revistasieteartes.com

El sábado 23 de julio, el maestro Pedro Aznar celebró sus 63 años en el Auditorio de Belgrano, de la ciudad de Buenos Aires, con una propuesta que incluyó gemas de su magnífica y extensa discografía: “Fotos de Tokyo” (1986), “Tango 4” (con Charly García, 1991), “David y Goliath” (1995), “Cuerpo y Alma” (1998), “Caja de Música” (2000), “Parte de Volar” (2002), “Mudras: Canciones de a Dos” (2003), “Quebrado” (2008), “A Solas con el Mundo” (2010), “Ahora” (2012), “Puentes Amarillos: Aznar celebra la Música de Spinetta” (2012), “Mil Noches y un Instante” (2013), “Contraluz” (2016) y su más reciente trabajo “Flor y Raíz” (2021), dedicado al folclore latinoamericano.

El concierto, que dio comienzo a las 22 hs., ante un cálido público de fieles seguidores que cantaron, vibraron y expresaron su amor por el brillante cantautor y multiinstrumentista durante toda la velada, se dividió en dos bloques. En la primera parte, Aznar presentó un variado setlist conformado por “Tu Amor”, “Lina de Luto”, “Fotos de Tokyo”, “Los Chicos de la Calle”, “Rencor”, “Ya No Hay Forma de Pedir Perdón”, “A un Gato”, “Romance de la Luna Tucumana”, “Si Llega a Ser Tucumana”, “Perfume de Carnaval”, “Mientras”, “Corpoland”, “Dejando la Tormenta Atrás”, “Contraluz”, “A Primera Vista”, “Claroscuro”, “Quebrado”, “Mientes”, “Strawberry Fields Forever” y “Como la Abeja y la Araña”. Seguidamente, sorprendió con un segmento de Karaoke, donde la audiencia fue la protagonista en el armado del repertorio: con fervorosos gritos entremezclados, pidieron distintas canciones, entre las que el artista eligió: “Muñequitos de Papel”, donde se lució con el bajo y ¡un destornillador!, la majestuosa “Noche de Perros”, de Serú Giran, ejecutada con su Telecaster, y la conmovedora “Barro Tal Vez”, compuesta por el querido Luis Alberto Spinetta a sus catorce años.

El momento festivo del cierre, con “Tan Alta que Está la Luna”, merece un párrafo aparte. En auténtica y emotiva comunión entre Pedro y la gente, al compás de una cajita de cuero, se intercambiaron voces, coros, palmas y risas que condensaron instantes de felicidad para albergar en memorias colectivas. En cuerpo y alma, nuestro anfitrión reflejaba toda la luz de este mundo.

Resulta imposible no quedarse con ganas de más ante semejante obra. Siempre se anhela escuchar las canciones que nos cautivan y, en cada concierto, se renuevan las ilusiones.

Por localidades agotadas, el domingo 24, Aznar brindó un segundo concierto en el mismo escenario.

Gracias por tanto, querido Pedro Aznar. Tu arte es sublime, único. Tu vida es bella.

ROLL ROYS se presentó en el Bar Carnal (C.A.B.A.) /// En el centro neurálgico de la movida cultural de Niceto Vega, gastronomía y rock and roll confluyen en la noche de viernes, en el bar Carnal. Allí, sobre el escenario, pudimos disfrutar de la atractiva propuesta que nos ofrece el grupo denominado Roll Roys. La presentación es anunciada bajo una fórmula sencilla y contundente: covers de puro rock nacional, ejecutados por un cuarteto con peso específico propio, de prolífica trayectoria y discografía. La formación está integrada por Dhani Ferrón en voz y bajo (ex Spinetta Los Amigo, Jaguar, y actual miembro de la banda de David Lebón), Gabriel Améndola en voz y guitarra (compositor chaqueño, autor del disco “Ficus Fortaleza”), Matías Camisani en guitarra (ex Mamporro y 4to Espacio, junto a Ferrón) y Roy Quiroga en batería (histórico integrante original de Ratones Paranoicos). Un setlist de casi una hora y media de duración lleva a cabo un interesante recorrido a través de clásicos imperecederos de la primera generación. Siempre resulta un disfrute volver a escuchar a referentes pioneros como Manal (“Avenida Rivadavia”), Pappo (“El Viejo”) y Los Gatos (“Rock de la Mujer Perdida”). Roll Roys los versiona con profesionalismo, energía, carisma y potencia. Mención aparte, como columna vertebral del show, merecen las canciones de Luis Alberto Spinetta, de cuya obra se repasan diversas etapas: “Ana No Duerme” (Almendra), “Cementerio Club”, “Algo Flota en la Laguna” y “Como el Viento Voy a Ver” (Pescado Rabioso). Pocos artistas de nuestra escena musical saben homenajear el legado del Flaco con la calidad y el talento exhibido por Ferrón. El paladar melómano saborea la propuesta, entre largos solos de guitarra y batería que arrancan aplausos y pedidos de bises. Mientras, en la barra piden otro trago y el humo todo lo envuelve. Suena Ratones Paranoicos (“Rock del Gato”) y pone a todos a bailar. Oídos y corazones celebran la banda sonora de toda una vida. Roll Roys late en altos decibeles. Por Maximiliano Curcio

📚🌟Hombres, Mitos y Leyendas (2022) de Maximiliano Curcio. Por JIMENA COLTRINARI

✍🖤Con profundos sentimientos de amor y respeto, intentando aportar justos reconocimientos, @innermamba83 presenta Hombres, Mitos y Leyendas (2022), un conmovedor recorrido por historias de vida y legados de íconos afroamericanos del deporte que dejaron huellas imborrables, trascendiendo las fronteras de las propias disciplinas donde brillaron.

👉En esta obra, editada por @imprentaservicop, el autor indaga en la vida de estrellas y súperestrellas dotadas de inigualables destrezas, liderazgo, carisma y magia, que revolucionaron deportes como el baloncesto y el boxeo, convirtiéndose en auténticas e indiscutidas leyendas. 🏆🏅

🏀De su amado baloncesto, disciplina que lo maravilla desde su tierna infancia, rescata a figuras como Bill Russell, Wilt Chamberlain, Julius Erving, Michael Jordan, Shaquille O’Neal, Phil Jackson, Kevin Garnett, Kobe Bryant, LeBron James, entre otros.

🥊Del boxeo, deporte que descubrió de la mano de su querido abuelo materno Alberto, retoma combates históricos. Muhammad Ali, Mike Tyson, Joe Louis, Bernard Hopkins, Sugar Ray Leonard, entre otros, son algunos de los boxeadores abordados.

🙌🤩Este libro es un verdadero homenaje a muchos hombres que, a pesar de haber vivido en sociedades terriblemente injustas e intolerantes, supieron, con sus luchas incansables, consagrarse y ganarse un lugar como íconos de la cultura contemporánea.

📚👉Si querés adquirir un ejemplar, en formato físico y/o digital, u obtener más información, comunicate con@innermamba83 o con @imprentaservicop.

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🌟🌟🎬📚Maxi Curcio presenta Grandes Estrellas de Cine «Héroes y Villanos» y «Divas Fatales». Por JIMENA COLTRINARI

📖📖Dos obras, editadas por @vueltaacasa, que rescatan a destacadas figuras del universo cinematográfico, de todos los tiempos, quienes cautivaron a @innermamba83 y, seguramente, a muchos de los lectores que se sumerjan en sus páginas.

📚🎬🏖🌊Debo confesar que tuve el privilegio de leer de antemano el proyecto dual Grandes Estrellas de Cine «Héroes y Villanos» y «Divas Fatales», y acompañar a @innermamba83 en el arduo proceso de revisión. 🥰🥰

💟💟Como sabía que el autor había incluido a actores y actrices que, con sus personalidades e interpretaciones, han calado profundo en mi corazón: @anthonyhopkins, @nicolekidman, Richard Gere, @tomcruise, Ben Affleck, Brad Pitt, Diane Lane, Kate Winslet, entre otros, estaba ansiosa por encontrarme con las líneas dedicadas a ellos. Obviamente, era imposible que quedaran afuera estos impresionantes héroes/villanos y estas maravillosas divas. 🤩🤩

🌟🌟🎬📚Estas joyas de la literatura cinematográfica, imprescindibles para los amantes del séptimo arte, complementan perfectamente a «Antología Cinematográfica The End» (Curcio, 2019) y a «100 Directores de Cine» (Curcio, 2021), también editadas por @vueltaacasa, aportando información y perspectivas que las nutren. Como en un rompecabezas, las piezas se ensamblan plasmando un sentido integral y esclarecedor.

✴Si quieren conocer más sobre esta gran saga, pueden ingresar en 👇

https://www.maximilianocurcio.com/l/proximamente-saga-grandes-estrellas-de-cine/

DIEGO PRESA PRESENTA «VISITANTE» (2022, EP) / Casa Pulsar (La Plata, Julio 2022)

Diego Presa estuvo de regreso en Buenos Aires, presentando su nuevo EP, titulado “Visitante” (2022); y lo hizo por partida doble, en Casa Pulsar (La Plata, junto a la banda Los Trabajos Prácticos) y en Tai Teatro, Sala Lynch (en compañía de Juan Ravioli y Nahuel Roht). Poeta, músico y autor, nos convida de su más reciente trabajo en plan solista, un bello disco de cinco temas, grabado con la guitarra criolla de su abuelo, Enrique Presa, reconocido compositor de tangos y milongas. En sus letras, Diego porta los sueños de aquel joven que crece en las calles de Montevideo, influenciado por ritmos que acaban por identificarlo. Durante el show, Presa versiona a autores que admira, animándose nada menos que a un clásico de Lou Reed. El guiño melómano encarna la rebeldía del mito neoyorkino, deslizándose por la cuerda que sostiene su lado más salvaje. Luego, hace lo propio con Alfredo Zitarrosa, destacado cantautor uruguayo, emblema de la música popular rioplatense. Su potente poesía cobra vida en la yema de los dedos y en la voz de un músico que juega de local, la guitarra parece adquirir vida propia. En Casa Pulsar, entre canción y canción, nos confiesa los miedos de despertar de ese sueño y ser otro. El insomnio es salvación, también la canción, que sabe levantar vuelo, y la música, como la vida, se hace de ciclos, albergando una potente riqueza visual: la nube se convierte en barro que se hunde en lo profundo del río. Más melodías llegan por vía de tren hacia la estación central, Presa cita a compositores queridos e intenta conocer el significado de un título que nos trae reminiscencias de Simon & Garfunkel. Acaso si fuera posible descifrar sentidos. Presa brinda la entrega total; es un trovador que abre de par en par su alma, corazón y garganta, mientras el setlist elegido nos conduce por caminos en donde se revisitan canciones de su prolífica discografía, de más de dos décadas de trayectoria. De su nuevo trabajo, grabado en Buenos Aires, a fines de 2021 y en el estudio La Cocina de Beti, se escucharon las canciones “Melodía Simple” – cuya versión original contara con la participación especial del emblemático Kubero Díaz- y “Dafne”, en donde el cantante elucubrara un final alternativo para el conocido mito griego, afín a su curioso paladar intelectual, del que prefiere no alardear. En Casa Pulsar, un clima íntimo envolvía la noche invernal. Diego dejaba reposar su guitarra y nos quedábamos con ganas de escuchar “1996”, “El Vino” y “Visitante”, los restantes componentes de su estreno discográfico. Merecidos aplausos para un compositor sensible, sutil y sumamente versátil, también autor, junto a la actriz Julieta Díaz, del logradísimo y recomendable álbum “El Revés de la Sombra” (2021).

CONFERENCIA SOBRE LA LLUVIA – Teatro Mendoza – 2 de Julio /// En función especial, durante el pasado sábado 2 de julio, arribó a Mendoza la premiada obra “Conferencia sobre la Lluvia”, en donde Fabián Vena actúa y dirige una adaptación sobre el autor y periodista mexicano Juan Villoro, cuya profusa obra aborda el teatro, el ensayo y el cuento. Ganador del Premio ACE al mejor unipersonal, humor y referencias literarias se vertebran a lo largo de casi setenta minutos de duración de una pieza que deposita sobre nosotros, espectadores, tamaña pregunta: ¿quién piensa en los riesgos que toma un conferencista? El mundo de los libros comulga aquí de modo perfecto con el ámbito teatral. Tema de la noche: la lluvia, impostergable motivo inspirador. Una excelente excusa para mostrar a este personaje entrañable, generador de inmediata identificación con el público. Es el amor imperecedero por la poesía, que metaforiza la lluvia que cala hasta los huesos, como aquel enamoramiento que nos atraviesa cuerpo y alma. Un rayo misterioso. Sentires en un claro paralelismo, e historias de amor y desamores, vicios y virtudes porqué no, que las paredes de una biblioteca resguardan. Citas que arden a la luz de los textos, pestañas que se queman porque ofrendamos el placer de leer. Páginas que combustionan, miradas de lectores que se multiplican. En “Conferencia Sobre la Lluvia”, el movimiento de la mente exige que se suprima el del cuerpo. Un gesto pensante, casi sublime, se burla de la maestría escultural de Auguste Rodin. Es, también, un homenaje al lector, desde el incesante monólogo que imparte un bibliotecario, bajo la piel del inmenso Vena, en el más absoluto de los anonimatos. No conocemos su nombre, pero sabemos que es alguien que no necesitó marcar un volumen con su nombre y sucumbir a las reglas del mercado. Sus pensamientos divagan acerca del arte de leer. Atesoramos un libro como irreemplazable compañía; también como un estado emocional.

LAS IRRESPONSABLES (Teatro Astros – C.A.B.A.) /// Javier Daulte indaga, en la recientemente estrenada “Las Irresponsables”, acerca de las repercusiones y consecuencias que atraviesan a un vínculo hecho de complicidades y transgresiones, a lo largo de un fin de semana que modificará el curso de las vidas del trío protagonista. Una reunión de amigas coloca delante de nuestros ojos una palabra fundamental, que marcará el sino de la obra: sororidad. Visibilizamos el núcleo de una hermandad atravesada por miedos, culpas y deseos. Un hecho dramático resulta el disparador para comenzar a revisar ciertos estereotipos sociales, en necesidad de impulsar cierto cambio de perspectiva. La empatía con el espectador resulta clave para una obra en donde lo moral de los actos llega a límites insospechados. Los diálogos fluyen a toda velocidad, las situaciones se complejizan y los dobleces sobre los cuales se construye la realidad desnuda heridas del pasado. Bajo la dirección artística de Andrea Stivel, Daulte, destacado guionista, dramaturgo y director de teatro, reúne a un grupo de actrices de primer nivel, con quienes había colaborado previamente: Gloria Carrá (“¿Estás Ahí?”, “El Derecho de Amparo”, “4D Óptico”), Paola Krum (“Después de Casa de Muñecas”) y Julieta Diaz (“Secretos de Familia”). “Las Irresponsables” -exhibida anteriormente con gran éxito en Barcelona- respira aires de liberación y catarsis, mientras interludios musicales resultan funcionales a la elipsis temporal planteada. La quirúrgica mirada del autor sobre el mundo femenino hace foco en el impostergable inconformismo que derogará reglas domesticadas; se revisan y cuestionan las mismas, para luego derribarse, mitos y mandatos. Al frente de la obra encontramos a un auténtico torbellino en escena; Díaz, Krum y Carrá son puro magnetismo, aportando notable presencia y amplio rango dramático en la complementación de personalidades absolutamente opuestas; la unión siempre hace la fuerza. Las chicas miran directo hacia el abismo, semejante salto requiere fe ciega. Hay urgencia y vértigo en esos cuerpos, un deseo inmanente por dejar de hacer lo esperado. Naturaleza humana, a cada causa, su consecuencia. No es intención de “Las Irresponsables” recurrir a ninguna postura políticamente correcta y su desparpajo es encantador, la cruda verdad se muestra de modo desopilante, gracias al inmenso talento de sus actrices. El límite divisorio, a menudo difuso y difícil de discernir, entre el bien y el mal, entre lo socialmente aceptado o cuestionado, describe lo subjetivo de nuestros actos, desde el cristal según el cual se mire.

“Pintura – pintura” Argañarás * Dorigo * Frey
Curador: Roberto Echen
El CEC + inaugura una muestra en el Galpón 11 / Estévez Boero 980 a orillas del Río Paraná – Rosario
Miércoles 22 de Junio 19:00hs

El miércoles 22 de junio a las 19 hs, en el Galpón 11 (Estévez Boero 980) se inaugurará «Pintura pintura», una muestra que reúne obras de Jorgela Argañarás, Andrés Dorigo y Patricia Frey, con la curaduría de Roberto Echen (director artístico del macro).

«Pintura, Pintura» es una producción del programa CEC+ que busca salir con las muestras del Centro de Expresiones Contemporáneas, itinerar y llegar a distintos puntos de la ciudad. Es una acción que busca no sólo ampliar la visibilización de la producción de las y los artistas que exponen, sino también articular el arte con el contexto de cada institución.

El curador de esta exposición, Roberto Echen, afirma que “Pintura pintura podría ser una redundancia desafortunada, pero en verdad es algo que tienen en común quienes integran esta muestra, es el deseo de y el placer por pintar. Pintar para las y los artistas significa algo tan básico y elemental como poner pintura, sentir el olor al óleo, sentirle el olor a la trementina, mucho más que representar algo. Es el complejo gesto de poder disfrutar del propio acto de pintar. Sea lo que fuere que se representa en este acto: la anécdota, historia, tema, todo esto deviene secundario ante ese placer inconmensurable de poner pintura sobre una tela o sobre un soporte de papel. Se trata de ese disfrute, y experimentar esta muestra, recorrerla, es hacerse partícipe de ese disfrute”.

«Pintura pintura» podrá visitarse con entrada libre y gratuita, a partir 22 de junio, de jueves a domingos de 15 a 19 hs, hasta el sábado 9 de julio inclusive, en el Galpón 11 (Estévez Boero 980).

TERRENAL: PEQUEÑO MISTERIO ÁCRATA (Teatro Coliseo Podestá – Junio de 2022) /// El presente espectáculo fue declarado de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires por la Legislatura porteña. Autoría de un referente teatral como Mauricio Kartun, “Terrenal: Pequeño Misterio Ácrata” coloca sobre el escenario a tres excelentes intérpretes: Claudio Da Passano, Tony Lestingi y Claudio Martinez Bel. Nuestra imaginación deberá completar la idea esgrimida, un páramo, acaso un desierto existencial, reescribe el mito bíblico de Caín y Abel. La raíz beckettiana encuentra el matiz indicado para reflexionar acerca de aspectos fundacionales en las formas de vivir y relacionarse. Hay modos opuestos y no compatibles, jamás perimidos. ¿Males atávicos de nuestra condición? Nos asomamos al corazón de un conflicto humano; el sistema que acumula y protege, bajo implacables reglas, la propia construcción material. Las ciudades se erigen para defender lo que se posee. Mi propiedad, mi límite, tu condena. El capital que se defiende con la muerte del semejante, si hiciera falta. Un modelo que perdura hasta nuestros días, engendrado en un teatro de espíritu independiente que recrea una historia que se vuelve rito. Un ala amputada firma la eterna condena, la venganza divina se consuma frente a los ojos del espectador, las luces que nos iluminan pueden ser divinas. Nos cautiva la maravilla del trabajo actoral, un extremo desafío circense para la tríada de intérpretes dispuestos a entregarse a la transformación total. Un juego sin red. Fondo sin vacío, la morada común a la que nunca podrán volver simula un Edén partido al medio. Arte profundo en simulación de varieté; el ser se construye de a dos: sin chispa no hay bosque incendiado.. Por MAXIMILIANO CURCIO

HOMENAJE A RODOLFO GARCÍA (C.C.K.) /// Por MAXIMILIANO CURCIO – Un legado humano y musical que mantiene viva la memoria. En el marco celebratorio del querido e inolvidable Rodolfo García, a un año de su partida física, la banda Jaguar, compuesta por Dhani Ferrón, Lito Epumer y Julián Gancberg, se presentó en la noche del pasado 1 de junio en el Centro Cultural Kirchner. A lo largo de casi una hora y media de show, canciones pertenecientes al excelente disco “Detrás del Río” (publicado por El Club del Disco, en 2020) conformaron la columna vertebral de un repertorio que incluyó perlas del álbum “Los Amigo” (2015) y exquisitos clásicos autoría de Luis Alberto Spinetta (“Camafeo”, “Las Habladurías del Mundo”). Del evento tomaron parte cinco bateristas invitados para absoluto lujo (Sergio Verdinelli, Daniel Colombres, Javier Malosetti, Gustavo Spinetta y Andrea Álvarez), integrando el nutrido y talentoso elenco que desfiló por el escenario. Como prólogo a la velada, el siguiente texto reproduce el sentido homenaje realizado por el escritor y periodista Juan Carlos Diez:

Desde Almendra y Aquelarre hasta Jaguar, Rodolfo nos deslumbró con su calidad artística, a través de más de cincuenta años dedicados apasionadamente a la música. Dueño de un estilo tan personal como versátil, además de los grupos que integró, fue el invitado de músicos de folklore, fusión y música ciudadana, entre otros estilos. Su gran creatividad también la volcó a la gestión cultural. A él le debemos, entre tantos eventos que produjo, el Festival de jazz, el Festival de percusión, los conciertos en el Rosedal y las presentaciones de Luis Alberto Spinetta en el Teatro Colón. Así como escucharlo tocar era admirarlo, conocerlo era quererlo. Rodolfo era un alma noble y generosa, un luchador y una fuerza de la naturaleza que incitaba siempre a estar del lado luminoso de la vida. Para él la vida sin música era algo impensable. Que mejor, entonces, que celebrar con música la vida y la obra de Rodolfo García.

POTESTAD (Teatro Estudio – La Plata) /// Tamaño desafío el de Christian Forteza al adaptar una obra cabal de nuestro ámbito teatral. Tarea sumamente favorable y digna en su resultante, que respeta el espíritu de una pieza vigente, un clásico de los escenarios porteños. La magna figura de Eduardo Pavlosvky afronta suficientes comparaciones; escrita en 1987, “Potestad” cobra aún vigencia y nos recuerda la pertinencia de un texto adaptado por Roli Sienra, con dirección de Luis César D’Angiolillo, para la versión cinematográfica de 2002. Para Forteza, la obra de Pavlovsky no resulta ajena; habiendo previamente traspuesto “Rojos Globos Rojos” (2019), también con Jorge Lorenzo integrando el elenco protagónico. En la presente puesta del director prima la intención de transmitir el aspecto coloquial de un texto cuyas estructuras argumentales intercaladas prefieren el vuelo metafórico a la hora de prefigurar una sensible radiografía social y política de la Argentina convulsa de los años ‘70: presenciamos emociones a flor de piel, sorderas conyugales, quimeras de un tiempo pasado mejor y envidias de clase. Una simple postura corporal denota ideologías. Detrás de lo que se nos relata, priman ciertas formas que infligen una mirada corrosiva, burlona y satírica. Hay un caldo de cultivo haciendo ebullición en la superficie. La simpatía muta, prontamente, en dramatismo y hay palabras que poseen un peso específico propio. Situarnos en determinadas coordenadas históricas nos lleva hacia un tiempo tan oscuro como hipócrita de nuestra historia; en donde la represión, la tortura y la desaparición de personas se vivencian desde la óptica de un ser cuestionable que avala tales prácticas. La purga está en marcha y una indefensa niña se convertirá en trofeo de guerra, una entre miles. Incapaz resulta comprender las motivaciones de alguien que, en su tibieza, ha colaborado con las fuerzas oscuras del poder. Habrá vecinos que miren para el costado. Los dedos se apoyarán contra los labios con desesperación, en clara seña de silencio. En el vibrante cuerpo de Jorge Lorenzo fluyen rabias contenidas, vínculos desgastados, traumas no asimilados, epítetos segregacionistas y una intolerancia imposible de ocultar. Las emociones se atragantan y suenan las sirenas, cada año pesa su peso específico en el almanaque…ya nada es lo que era. El germen de la violencia crece mientras la dislexia temporal encuentra una impostergable excusa. De aquello pasado, mejor ni hablar. Existen patologías y miserias individuales que se vivencian en la intimidad. ¿Pueden los muertos escucharnos sin juzgar? ¿puede un niño desamparado convertirse en viva memoria? Callemos todo lo que podamos, maquillemos nuestras falencias con la sangre derramada ajena y prometamos que pronto, más pronto de lo pensado, todo aquello que nos brinda seguridad y confort -felizmente- retornará a la normalidad. Por MAXIMILIANO CURCIO

EL EQUILIBRISTA (Teatro Coliseo Podestá – La Plata) /// Mauricio Dayub, quien actualmente exhibe, en el Teatro El Nacional, la exitosa obra “Inmaduros”, protagoniza aquí este unipersonal dirigido por César Brie. Para Dayub, el presente representa un desafío actoral encomiable, un salto al vacío interpretativo que conecta con la esencia de su arte. Guionada por el propio intérprete, en compañía de Mariano Saba y Patricio Abadi, “El Equilibrista” ostenta un manejo de ritmos notable, mientras deposita sobre nosotros una pregunta cabal: ¿el mundo es de los que se animan a perder la armonía? Se nos presenta a un actor encarnando múltiples personajes; una figura poliédrica que llama poderosamente nuestra atención. La preponderancia del escenario, en tanto a la forma en la que potencia los espacios físicos a lo largo de los ochenta minutos que condensa la multipremiada obra, otorga un claro matiz de singularidad. Es por ello que, “El Equilibrista”, no descuida el simbolismo existente en el uso de luces y elementos portadores de memoria emotiva, aludiendo a verdades que no mostrará por completo; lo sugerido alimenta la ilusión, abrevando en la magia que porta la experiencia teatral. Un viaje fantástico e inigualable. De modo mimético, el signo de un tiempo es llevado a la propia vivencia del espectador, mientras el acto ficcionado intensifica la emoción y la empatía hacia el intérprete. Dayub es un factótum que trabaja con sus propios objetos y los transforma, acaso la maravilla de lo simple refleja la profundidad sin más postergación. La cara más natural y contradictoria acerca de aquella historia que llevamos dentro. Autodescubrimiento. ¿Qué somos, al fin?, un crisol y un mosaico de personalidades, atravesadas por marcas hundidas en lo profundo de la piel. Un misterio ancestral de conductas y vivencias no compartidas. Recuerdos y consejos de papá; kilómetros de lejana tierra cruzados por abuelo. Una fábula hereditaria que revive y recrea tradiciones de nuestras ascendencias inmigrantes. Sueños e ilusiones que comprendemos más tarde que pronto, trepados al meridiano de la vida…sabias enseñanzas. Allí está Dayub, ofreciendo contrapeso circense: entrega total en cuerpo y alma a un rol (o varios, en realidad) en extremo desafiantes; camaleónico, pintoresco y desopilante. Extraordinario. La puesta original, ofrecida por Brie, admite fórmulas de espectáculo que impliquen divertimento, siendo igual de efectiva en tal intención a la hora de reflexionar acerca de modas y referencias culturales hacia un mundo que luce arcaico ante nuestros ojos. El encanto de todo tiempo pasado en donde verse reflejado. Sin despojarse de matiz conmovedor alguno, “El Equilibrista” nos interpela y cautiva, encarnando belleza, sombro y sensibilidad en símiles proporciones. Dayub concibe el rol de su vida. Quizás, de mayores aprendamos a ser pequeños…Por MAXIMILIANO CURCIO

NOVEDADES TEATRALES EN CARTELERA:

– «Mandinga, el Diablo que vino de África».

Dramaturgia Diego Damián Martínez. Dirección Yamil Ostrovsky. Actuación Mauricio González.

Funciones: Sábados 21:30 hs Hasta Trilce (Maza 177)

Entradas http://www.alternativateatral.com

Matías es un afroargentino, víctima de racismo y de un amor que no pudo ser. Mandinga llega a él para sanar su presente

– «La Mudita» de y por Irina Alonso

Funciones: Domingos 16 hs, Celcit (Moreno 431)

Entradas: http://www.alternativateatral.com

Monólogo biodramatico basado en la historia real de la tía abuela de Irina: Inés Bianco, quien fue víctima de un hecho de violencia infligido por quien era su marido y cuya historia fue silenciada durante años.

Más información en: https://www.facebook.com/SieteArtesPrensa

BABASÓNICOS ESTRENA «TRINCHERA» /// A cinco años de haber editado su último disco de estudio, «Discutible» (2017), la trinchera pareciera ser el lugar perfecto para provocar. Babasónicos lo sabe a la perfección, banda vigente y seductora como pocas dentro de nuestro panorama vernáculo del rock. Epítome de la degeneración modélica, un edificio sónico monumental, quien ganó por derecho propio el elogio de ocupar un lugar preponderante en la escena musical porteña. Cautivando a las jóvenes generaciones del nuevo milenio y afín a festivales multitudinarios, como lo demuestra su exitosa presentación en la última edición del Festival Lollapalooza 2022. Sin jamás perder personalidad a la hora de refrendar sus principios musicales, y reposando en el fuerte arraigo contracultural que su identidad ha sabido conservar en concreto conceptual, Babasónicos continúa haciendo gala de su lírica explosiva, sabiendo de que ciertas verdades no son menos contundentes por ser susurradas. Gran parte de su éxito reside en un frontman carismático, lúcido compositor y vanguardista estético como Adrián Dárgelos. Su incomparable sello creativo se encuentra presente en el flamante opus, registrado en el propio estudio de la banda, durante 2021. La placa cuenta con un total de once canciones, entre las que destacan las sensuales texturas y ritmos electrónicos que configuran a «Mimos son Mimos», «Lujo», «Paradoja», «Madera Nórdica», «Vacío», «Anubi», «Bye, Bye» y “Capital Afectivo”. Fusionando influencias del rock alternativo, el rock experimental, el pop rock y el rock electrónico, “Trinchera” se vuelve pegadiza en cada escucha, mientras el arte de tapa a cargo de Alejandro Ros cautiva nuestro interés. Desde discos fundamentales como “Jessico” (2001) o “Infame” (2003) a un presente inspiradísimo, la formación procedente del denominado “Nuevo Rock Argentino” reinventa la fórmula imbatible, hecha de melodías contagiosas y letra sugerentes, derramada como rayos de sol sobre nuestra piel melómana. Por MAXIMILIANO CURCIO

«GRACIAS TOTALES» / Movistar Arena, Buenos Aires – Mayo de 2022

En 2004, Soda Stereo arrastraba siete años de silencio y su última edición discográfica había sido el DVD “El Último Concierto”, registrando los históricos recitales de River, en 1997, punto de inflexión a partir del cual los tres integrantes (Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti) proseguirían con su carrera solista. Tres años después y ya habiendo superado las fricciones internas de antaño, la formación se encontraba lista para repasar lo mejor de su trayectoria discográfica. Con motivo de conmemorar los diez años de aquel multitudinario adiós, volverían a reunirse en septiembre de 2007 en una gira titulada “Me Verás Volver”. Parecía ser que la banda nunca estaba lista para escribir su último capítulo. El silencio siempre era oportunamente interrumpido; recordemos la aventura que significó, durante 2017, “Séptimo Día”, junto a “Circu du Soleil”. Quince años después, Soda vuelve a homenajearse (¿y despedirse?) en Buenos Aires, en el marco de la gira “Gracias Totales”, proyectada para 2020 y postergada por la emergencia sanitaria. La reciente cita en el Movistar Arena se suma a las dos presentaciones realizadas en diciembre pasado, en el Campo Argentino de Polo. Una ocasión para festejar la permanencia de este cabal epicentro del rock en Sudamérica, capaz de renovar por completo al género vernáculo durante la década del ’80. Allí está insustituible la esencia de Soda, combinando la energía del rock puro, la efervescencia del new wave, con el encanto funk y ritmos más bailables. Un viaje hacia lo profundo de una concepción sonora en alta fidelidad está a punto de comenzar. El videoclip introductorio nos induce en una auténtica máquina del tiempo, solo resta aplicar zoom. Entre nostálgicos VHS nacía este trío estelar, insertos en una estructura clásica de pop, ofreciendo letras plagadas de espontaneidad y frescura. Así labraron su legado, meteóricamente disparados al ascenso en la escalera de la fama. La lista de canciones elegidas cobra forma de himno para cada fan. Las generaciones abrazan el paso del tiempo y acortan la brecha entre sí, solo para convencernos de que el furor por Soda sigue vivo dentro del propio universo musical gestado, merced a primeros éxitos como “Nada Personal” (1985) y “Signos” (1986). También, se hicieron presentes en el setlist canciones pertenecientes a los álbumes “Doble Vida” (1988) y “Canción Animal” (1990), cumbre de su masividad. La incesante evolución puede apreciarse gracias al psicodélico “Dynamo” (1992) y la búsqueda más experimental en el exquisito “Sueño Stereo” (1995). Una inmejorable puesta de escenas, luces y sonido, acompaña a un auténtico all star musical latinoamericano, quienes, mayormente y por cuestiones de agenda, aparecen en las pantallas gigantes del estadio, en modo pregrabado. Una decisión conceptual francamente objetable. Con ilustres invitados de la talla de Andrea Etecheverri, Álvaro Henríquez, Rubén Albarrán, Adrián Dárgelos, Juanes, Julieta Venegas, Mon Laferte, Draco Rosa, Walas, Gustavo Santaolalla, Chris Martin, Fernando Ruiz Díaz y Benito Cerati. La columna vertebral de la nutrida formación la completaron Fabián Von Quintiero, Richard Coleman (estos dos últimos, colaboradores históricos y entrañables), Roly Ureta y Simón Bosio. Por supuesto, la fiesta no sería tal sin la presencia del amado e inolvidable Gustavo, de quien en días pasados se cumplieron doce años de su fatídico último show en Caracas. Todos vinimos a celebrarlo. La emoción se apodera de la escena cuando su alma máter y una de las voces más singulares de nuestro rock hace su aparición. El campo oscila, no pasa el temblor. Bebemos el cielo, la luna está roja. No quedan dudas, un hombre alado extraña la Tierra. Deberías estar acá para aplaudir tu propia grandeza, Gus. Pero, como dijo Benito, en el pasado show veraniego, dirigiéndose a la multitud: “veo a papá en cada uno de ustedes”. Sobran más palabras. Por MAXIMILIANO CURCIO

La Conducta de los Pájaros, de Norman Briski y Vicente Muleiro / La conducta de los pájaros nos puede revelar la inteligencia y la habilidad social de modo alegórico. Prestemos atención y descubriremos una manera de ser que, en su heterogeneidad, e incluso dentro de una misma especie, nos asombrará. La diversidad reina y todo intento por explicar de modo unívoco dicha conducta sucumbe por su propio peso. Es el comportamiento extremo e inusual el que pone de manifiesto este flexible repertorio que cautiva la atención de Rosa de Luxemburgo, teórica marxista polaca de origen judío, terror imperialista y líder del Partido Socialdemócrata del Reino de Polonia hacia comienzos del siglo XX. El encuentro imaginario se consuma con la presencia de Manuel Ugarte, diplomático y político argentino, quien militara en el Partido Socialista y formara parte de los círculos literarios y periodísticos de su tiempo. Escritor de referencia y autor de gran cantidad de libros, fundó y editó el Diario “La Patria” y la Revista “Vida de hoy”. Con música original de Fito Páez y exhibida en el teatro Calibán, la obra autoría de Norman Briski y Vicente Muleiro, en cartelera desde 2018, presenta un juego incompleto que el espectador deberá decodificar. Hay ideas que chocan sin eliminarse unas a otras; la mirada socialista pone en marcha el paradigma histórico con motivo de hacernos reflexionar sobre cierta genealogía que se hace de momentos, confluyendo pasado, presente y futuro. “La Conducta de los Pájaros” revisa hechos ocurridos; es un oráculo que busca respuestas acerca de la condición humana de nuestro tiempo. La reunión figurada se encuentra matizada por Litero, tercero en discordia que hace las veces de mediador, conformando un sugestivo triángulo con los anteriormente citados. Los mecanismos de ficción traen al presente a las figuras de Rosa y Manuel, debatiendo tanto convicciones y posturas como niveles de atracción emocional y recelo intelectual. La rosa que engalana siempre lleva sus espinas y la conquista del mañana justifica la noción de vanguardia revolucionaria: los pueblos eligen sus maneras, mientras las costumbres y la cultura que a cada uno identifica construye la igualdad, en pos de un vivir en comunidad superador. Utopías aparte, la riqueza de una obra como la presente abreva en el valor constitutivo del pluralismo, para una sociedad presa de sus contradicciones, a la hora de pensar, actuar y expresarse. Allí interviene un elemento mecánico que moviliza al elemento humano, erigiéndose como un factor de profunda paradoja. La rueda gira, pero no siempre avanza. Pensamos, también, en el simbolismo de los rostros que simulan máscaras o banderas que se erigen como un ideal. Desde Karl Marx a Michael Foucault. Desde Jean Jaures a Adolf Hitler. Desde la Cuba castrista a la Argentina de Juan Domingo Perón. ¿Qué color viste el enemigo? ¿Qué oprobio mancilla el legado de un traidor? Un eficiente elenco, compuesto por Eliana Wassermann, Guillermo Bechthold, Juan Washington Felice Astorga y Federico Moreno, se instituye como el eje encargado de colocar en marcha un debate político que se articula siempre desde la independencia, jamás desde la sumisión. Hay fantasmas que aún rondan prestos a interpelarnos. Por MAXIMILIANO CURCIO

Invisibles, de Andrea Martínez

Una casa abandonada en algún rincón de un pueblo argentino.

Una historia de amor después de la muerte. Un amor que traspasa los planos.

Un amor que grita por una injusticia.

¿Qué le ocurrió a ese alma en pena? ¿Fue un femicidio?

Un melodrama negro que busca no solo entretener.

Esta obra está inspirada libremente en el femicidio de Natalia Fraticelli, ocurrido en Rufino, provincia de Santa Fe, en el mes de mayo del año 2000.

Elenco y ficha técnico artística completa:

Intérpretes: Vanina Corral, Rodrigo Diez

Operadora de sonido: Paula Bianco

Asistente de dirección: Paula Bianco

Escenografía y maquillaje: Mariana Villalba

Fotografía y filmación: Ailén Macarena Burgos

Diseño publicitario: Camila Viedma

Dramaturgia y Dirección: Andrea Matínez

Teatro El Border, Godoy Cruz 1838, CABA. (Sala II)

Duración: 45 minutos

Precio de las entradas: $1.000

Estreno 6 de mayo, funciones todos los viernes a las 22 hs.

REVISTA SIETE ARTES presente en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires

El pasado domingo 1º de mayo a las 15hs, en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, tuvo lugar la firma de ejemplares de «CARPE DIEM», el reciente libro de cuentos publicado por la escritora argentina Daniela Patrone. El evento se desarrolló en el Pabellón Azul, stand Nº 103 de la editorial Autores de Argentina.

Por su parte, CARLOS PÉREZ DE VILLARREAL, como Presidente de SADE ATLÁNTICA MAR DEL PLATA, anunció la presencia en la 46° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. En el pabellón Amarillo, Sala Tulio Halperín Donghi, su vicepresidenta, Marta Vega, la secretaria de Prensa y Difusión, Cristina Larice, y Graciela Reveco Manzano, secretaria de Actas, junto a integrantes de SADE La Plata y SADE Junín, presentaron la Antología Federal 2020. El evento contó con la presencia del Vicepresidente de SADE Nacional, Dr. Ernesto Fernández Núñez.

El escritor WÁLTER GALVEZ firmará ejemplares el día sábado 14 de mayo a las 17:30 hs en el stand 1422 (Severled EDICIONES), pabellón amarillo. Mientras que MAXIMILIANO CURCIO lo hará el domingo 15 de mayo a las 18:00 hs en el stand 157 (IMPRENTA Servicop), pabellón azul.

David Lebón en el Hipódromo de Palermo (FESTIVAL ÚNICOS) – Por Maximiliano Curcio

¿Cómo dimensionar la importancia de una figura tan preponderante como la de David Lebón, a la hora de hablar acerca de la historia y legado de nuestro rock nacional? Quienes pudimos asistir a su flamante presentación en la ciudad de Buenos Aires (en el marco del Festival Únicos), habremos sabido constatar la indestructible comunión que existe entre el público y uno de sus músicos más queridos. Virtuoso violero y vigente voz de nuestro rock, David continúa honesto con sus principios musicales, dejándose la piel en cada escenario y engalanando veladas con su eterno repertorio de tracks inoxidables. Su brújula sonora persiste en el norte blusero, cuya esencia el entrañable Ruso sabe interpretar como nadie. Los solos de David son limpios, ensoñadores y poseen su marca registrada inimitable; su obra se construye sobre una prolífica cosecha de canciones, un edificio dorado que sigue vivo desde entonces hasta hoy. Así es como los asistentes en la fría noche de viernes pudieron apreciar clásicos como “Esperando Nacer”, “El Tiempo es Veloz”, “Casas de Arañas”, “Noche de Perros” y “Mundo Agradable”. Apoyado en una banda que en vivo suena tan potente, ensamblada y precisa, los magistrales Dhani Ferron, Daniel Colombres, Leandro Bulacio, Roby Seitz y Tavo Lozano lucieron como una afinadísima maquinaria rock, asimismo acompañados por la Orquesta Única de Buenos Aires, bajo la dirección del maestro Pedro Vercesi. La casi hora y media de concierto nos inundó de aquellas canciones de esperanza para todo tiempo de sueños. Aquella banda sonora de vida, luz que nos aleje del mal o rayo en la oscuridad, existen melodías inseparables a nuestro corazón melómano. Escuchamos “Seminare” y la emoción es infinita. Un himno que sabe envejecer y nos hace llorar por amor. Uno de los momentos más conmovedores de la noche nos permitió disfrutar del encuentro sobre el escenario del Rey David junto a su hermano musical Pedro Aznar. Ambos habían coincidido en anterior edición del citado festival, celebrada en el Teatro Colón, en 2019, en aquella oportunidad con presencia de Charly García. En esta ocasión, versionaron juntos “Hombre de Mala Sangre”, brillante pieza solista de David que grabara junto a Pedro en el disco de reversiones “Lebón y Compañía” (2019, disco por el cual fuera merecedor del Premio Gardel de Oro). Celebrando un legado imperecedero y luminoso, David se encuentra actualmente de gira con el show titulado “Nos Veremos Otra Vez”, así como también grabando el segundo volumen del citado disco de clásicos de propia cosecha, del cual ya ha compartido en sus redes valiosos adelantos. Autor de letras profundas y líricas elaboradas, este pilar de bandas como “Pescado Rabioso” y “Serú Girán” es una figura indispensable para entender la evolución del género en nuestro medio.

Pedro Aznar en el Hipódromo de Palermo (FESTIVAL ÚNICOS) – Por Jimena A. Coltrinari

En el marco del Festival «Únicos», el pasado viernes 22 de abril, el maestro Pedro Aznar se presentó con su banda y junto a la Orquesta Única de la Ciudad de Buenos Aires, en el Hipódromo de Palermo.

Brillante como siempre, el cantautor y multiinstrumentista realizó un recorrido que incluyó canciones de su majestuosa y diversa discografía, adelantos de su próximo material, que será editado a fin de año en formato doble, y sorpresas. «Quebrado», «Fotos de Tokio», «Rencor», «Ya no hay forma de pedir perdón», «A primera vista», «Mientras», «Corpoland», «Mientes», «Tu amor», «Dos gardenias», «Perfume de carnaval», «Maldigo del alto cielo» y «Los chicos de la calle», son algunas de las piezas que integraron el setlist elegido para encender la fría noche porteña.

Uno de los momentos más emotivos fue el encuentro entre Pedro y el gran David Lebón para cantar «A cada hombre, a cada mujer», emblema de Serú Girán, la mítica banda de rock argentino que ambos formaron junto a Charly García y Oscar Moro, en sus dos etapas, de 1978 a 1982, y de 1992 a 1993.

Cabe destacar que David, en su concierto previo, invitó a Pedro a cantar un clásico de su autoría, «Hombre de Mala Sangre», reversionado por el propio Aznar en el disco Lebón & Co (2019). El público cantó, vibró y ovacionó a estos inmensos artistas que cimentaron las bases del rock nacional y continúan cautivándonos con su arte. Son pura magia.

«Tan alta que está la luna» fue el broche de oro que cerró una noche inolvidable para los que amamos la música y la poesía. Pedro, con su cajita de cuero, cantó y tocó junto a sus más fieles seguidores, quienes lo acompañamos con coros y palmas.

INMADUROS (TEATRO EL NACIONAL) /// Luego de los preestrenos celebrados durante 2021, la obra puede verse desde el pasado mes de enero, sorteando postergaciones desde la temporada 2020, producto de la emergencia sanitaria. Con dirección de Mauricio Dayub y guión de la dupla conformada por Juan Vera y Daniel Cúparo, “Inmaduros” representa el reencuentro profesional entre Adrián Suar y Diego Peretti, veinticinco años después de coincidir en la exitosa serie “Poliladron”. Un recién separado busca cobijo en el departamento de su amigo. La escena nos presenta dos caracteres completamente disímiles, amigos de toda la vida. Dos personajes que rondan los 50 años de edad y se conocen a la perfección, dos formas de ser y actuar contrastadas. Paralelamente, dicho contraste también aplica al tiempo individual que les toca atravesar. Madurez cronológica enfrentada a una inmadurez emocional y afectiva notable. Hay maridajes que no funcionan bien, como la “química” y el “deseo” juntos. Dos maneras de concebir el ecuador de la vida. La obra indaga en el estado pueril perpetuado que se genera en aquel período que no reconoce la pérdida de juventud como un hecho fehaciente. Que veinte años no es nada: la adaptación mental a un tiempo distinto requiere de ciertos mecanismos que el cuerpo tarda en reconocer y aceptar. La huida de la realidad maquilla ciertas carencias y aguarda, religiosamente, cada noche de miércoles. Frivolidad en falsa apariencia que rebosa por los poros y ambientación hi-tech. También, muletillas al alcance, firmadas por Osho o Paulo Coehlo. Verdades de Perogrullo… ¿es tan simple como parece alcanzar la plenitud? Es así como la nueva convivencia traerá aparejada encuentros y desencuentros, también un secreto que se esconde y es conveniente no adelantar al respecto. Suar y Peretti, magistrales ambos, conforman a esta extraña pareja bien arquetípica, lidiando con un vertiginoso mundo de cambios alrededor. Temáticas referentes a los modos de comunicarse, también a cierto arcaico machismo que critica modas y posturas imperantes. El sarcasmo deviene en autocrítica: los protagonistas son referenciados como síntomas de una dinámica social que madura, dejándolos por completo descolocados, en ridículo y caídos del mapa. Con picardía, ironía y nobles instrumentos para hacer reír, “Inmaduros” reflexiona acerca de la propia realización, la amistad, el sexo y la pareja, encontrando un potencial de identificación notable en cada espectador. El blanco y negro ya es a color; y todo pasa demasiado rápido. La verdad excede a todo lo efímero. No traicionemos aquello que queremos ser, siempre vale la pena jugarse. Por MAXIMILIANO CURCIO

HABITACIÓN MACBETH (Teatro Coliseo Podestá / La Plata)

Por MAXIMILIANO CURCIO

Pompeyo Audivert, mayúscula referencia teatral en nuestro medio y autor del magnífico libro “Un Piedrazo en el Espejo (Teatro de la Fuerza Ausente)”, pone en marcha un espacio ficcional sumamente original. “Habitación Macbeth” establece una profunda referencia con su público, trayendo al presente la permanencia de una obra representativa de cuestiones sociales y dinámicas humanas atávicas. William Shakespeare se revela en diversos niveles de realidad que ilustran nuestra condición, ejerciendo aquí su siempre contundente mirada sobre el poder, el sexo y la ambición. El mal despoja a la razón, actúa rápido, las manos ya cometieron el delito capital. El regicidio desata el caos, de un charco de sangre ha nacido un oscuro mesías. El marco encuadra la escena enajenada. Delirios de poder emergen del nuevo retrato, Macbeth se calza las ropas de tirano fabulador. Luego, el rey lloró. Un país en ruinas, una política practicada con cuchillos en mano y a pura sonrisa en los labios. La adaptación nos interpela: ¿puede toda una obra entrar en un solo cuerpo? Inquilino de la magnífica cosmovisión del dramaturgo inglés, el procedimiento formal y la técnica de actuación aquí utilizados rompe la ficción aparente. Audivert se adueña del escenario desplegando múltiples personalidades con una pericia asombrosa. La unidad se fragmenta, el gesto se desprende en una ráfaga, las voces se multiplican en su cabeza. Es una clase de actuación magistral, es el teatro en su más pura acepción. Su investigación sobre el campo histórico-político se compone del cuerpo del actor como un instrumento de verdad. Alrededor no hay nada, esta historia pasa ahora y ya pasó. Y volverá a pasar. Sombras expresionistas se proyectan sobre la escenografía y las cuerdas de un violonchelo se tensan, en una habitación teatral convive una obra entera.

Conserva la presente puesta siete personajes de su original esencia. Audivert los depura y sintetiza en formato unipersonal. De Macbeth a Banquo, de Lady Macbeth a Las Brujas. Visualizamos un paisaje extinguido y un cuerpo que sostiene la naturaleza poética y existencial: el rito teatral recrea la mirada sobrenatural. Procedimientos de composición actoral magníficos nos llevan a apreciar la experiencia de este cuerpo mutado dentro del habitáculo transformado. El actor se coloca a sí mismo como instrumento canalizador. Un fenómeno y especie de médium que transmuta la concepción de un texto que habla acerca de las ansias de dominación. De la fantasmagoría de un ser sumido en la dubitación, poseído por deseos criminales. Tragedia introspectiva, se sedimentan los tormentos de quien ha sido abducido por un presagio. Brota su imaginería demencial, desbordado el raid asesino que de su alma y corazón se adueña. La sangrienta escalada de poder, la traición compulsiva que mancha la corona, la muerte de un semejante que purifica al propio renacer. “Habitación Macbeth”, bajo la noción de trastornar la idea original, activa una compleja máquina teatral que explora zonas metafísicas, respetando la fidelidad hacia la obra. No se parece a nada que hayamos visto. Como público nos vemos reflejados de modo infalible, el espejo identitario ha estallado en mil pedazos. Audivert es monumental.

NOVEDADES LITERARIAS / «BILARDO, NACIDO PARA GANAR»: El libro escrito por el periodista platense Osvaldo Fanjul es una reciente propuesta lanzada al mercado editorial deportivo, como un abordaje a la célebre historia del entrenador que fundó una filosofía en el fútbol argentino: Carlos Salvador Bilardo. Editado por LibroFútbol.com y disponible a la venta en su sitio web, la obra profundiza sobre la influencia de un director técnico gestor de su propio mito, dueño de una concepción futbolística impar. En 184 páginas divididas en 8 capítulos, Fanjul consigue reflejar la grandeza del «Narigón» con una investigación de archivo y las voces de personalidades que lo acompañaron en todas sus etapas como director técnico. Fanjul, periodista de profusa trayectoria, elaboró este libro después de 35 años en la profesión que ejerce en medios gráficos, radiofónicos y televisivos. ⚽⚽⚽⚽

ESTRENOS EN PLATAFORMAS / BIOS: MERCEDES SOSA (POR STAR+) – EL 15 DE ABRIL LLEGA EN EXCLUSIVA A STAR+ UN NUEVO EPISODIO DE “BIOS. VIDAS QUE MARCARON LA TUYA” DEDICADO A LA CANTORA ARGENTINA MERCEDES SOSA. Para entender el acercamiento de “la Negra” al rock tras su regreso al país, Abel se reúne con los músicos argentinos David Lebón, Fito Páez, Charly García y Pedro Aznar, quienes fueron testigos de la convicción de Mercedes sobre la unión que debían construir los músicos latinoamericanos. También se encuentra con Charo Bogarín, cantante del dúo musical argentino Tonolec, para reflexionar acerca de la visión de Mercedes sobre el rol de la mujer y del cantor popular, con la cantante argentina Soledad Pastorutti, quien experimentó de primera mano la generosidad de Mercedes junto con otros músicos nóveles de diversos géneros musicales, y con las cantantes argentinas Liliana Herrero, Teresa Parodi y Julia Zenko, quienes conocieron a Mercedes tanto arriba como debajo del escenario. El episodio de dos horas propone un viaje revelador hacia la intimidad y el redescubrimiento de “la Negra”, a través de testimonios de quienes la conocieron y acompañaron tanto en sus momentos de mayor reconocimiento, así como en los más oscuros y dolorosos, para hacer tangible su cosmovisión, su legado musical y su pensamiento sobre la política, el amor, la música y la vida.

ELLA EN MI CABEZA – Teatro Metropolitan Sura (C.A.B.A.) /// Escrita por Oscar Martínez en 2005, “Ella en mi Cabeza” regresa a los escenarios de Calle Corrientes. Se recuerda la puesta en el Paseo La Plaza porteño, hace ya varias temporadas, protagonizada por Julio Chávez, Juan Leyrado y Soledad Villamil (luego ocupando su lugar Natalia Lobo). Javier Daulte dirige la premiada obra, contando con un elenco de lujo: Joaquín Furriel, Florencia Raggi y el propio Leyrado. En el diván-dormitorio se analizan cuestiones y escenas de la vida conyugal. El tiempo es implacable, hemos llegado hasta aquí. Más o menos, mejor o peor. Víctimas de nuestras neurosis, son los mismos fantasmas de siempre que acaban por asustarnos. El juego teatral pone en marcha los mentados mecanismos. Se echa a andar la ruleta de la vida, convive el imaginario con la realidad. Adrián (el inmenso Furriel) somatiza todo. Verdades impronunciables, síndrome de uróboros y bucle del cual no poder escapar. Se inscribe delante de nuestros ojos una palabra poderosa. Crisis. El autor acomete una perspicaz mirada sobre el matrimonio: una pareja que lleva conviviendo más de diez años afronta un decisivo desafío. Sendos seres que son un cúmulo de celos, para los que buscan anestesia; angustias, reproches e inseguridades embriagan la copa más amarga del amor. Vemos pasar la película delante de nuestros ojos. ¿Creemos que lo entendemos bien? Mirémonos al espejo ¿No nos pasó exactamente lo mismo? La dialéctica del terapeuta (Juan Leyrado) acorralará el ego menguante del pobre Adrián; vaciada su mirada, contempla su dilema existencial inmerso en un laberinto de contradicciones. Sin parpadear. El abismo se le hace frente, y Furriel le pone el cuerpo. Cada centímetro de él, en una actuación conmovedora y de una exigencia vocal notable. Ella (Florencia Raggi) tendrá algo revelador para decir al respecto, iluminando los recovecos del mundo interno atormentado de su compañero de vida, zona gris y difusa de la que nadie está exento de transitar. Somos criaturas en continuo descubrimiento. Paradojas del amor y otras obsesiones, ¿sabremos escapar o conspiraremos a favor del propio y profundo dolor? Idas y vueltas de la mente tramando su perfecta ficción, tercero (¡y cuarta!) en discordia que carcome el sueño interrumpido, rumiar incesante que no conduce a nada cuando la sesión acabó. Mientras nuestras decisiones nos condenan a repetir el mismo final de película que no convence. Aferrado al clavo que más nos hace sufrir, poco podremos hacer por deshacernos del síntoma que repetimos. Mejor, vayamos al teatro. Por Maximiliano Curcio

LANZAMIENTOS DISCOGRÁFICOS – Slash presenta «4», junto a Myles Kennedy & The Conspirators /// El disco en nuestras manos se descubre como un bellísimo objeto. Una tapa color plateado combina en las letras del título llamativos detalles en rojo y negro. La gama cromática preferida de Slash está de regreso, el rock contemporáneo agradece la permanencia en escenarios (y la producción en estudios) de una leyenda viviente. Pasaron cuatro años desde su última aventura como solista, representando el flamante “4” su cuarto trabajo discográfico junto a Myles Kennedy & The Conspirators, luego de un hiato que se prolongara desde 2018, con “Living the Dream”. Actualmente de gira presentando el nuevo material por Estados Unidos, nuestro guitar hero predilecto ofrece un contundente regreso a las fuentes del rock que mejor saber hacer. Lo secunda la poderosa batería de Brent Fritz, la sólida línea de bajo de Todd Kerns y el impecable rango vocal de Kennedy, un frontman a la medida del carismático Hudson. Un total de diez temas en poco más de media de duración condensan electricidad, densidad y alto octanaje. Presentado en vivo en el “Studio 6” durante el pasado mes de marzo, destaca el video realizado sobre el primer corte comercial (“The River Is Rising”), tanto como la majestuosa coda del álbum: “Fall Back to Earth”, en donde Slash ejecuta un gigantesco solo, entre cuya melodía se filtra la maestría de su inagotable genio. Tenemos un futuro hit de estadios. Una perla instantánea que bien puede pertenecer al catálogo de la mejor cosecha gunner. ¿Cuántos nuevos riffs esconde Slash en su galera? Todos los posibles y todos los futuros, para nuestro asombro. «C’est la Vie», parafraseando a un recomendable track del disco, diría el poderoso violero. Por Maximiliano Curcio.

ROTOS DE AMOR (Teatro Coliseo Podestá / Abril 2022) – Por MAXIMILIANO CURCIO – Protagonizada por los enormes Víctor Laplace, Osvaldo Laport, Antonio Grimau y Roly Serrano, “Rotos de Amor” fue escrita por el santafesino Rafael Bruza. Ofreciendo una clase de humor y reflexión en igual medida, cuatro prototipos de argentos masculinos nos muestran la sensibilidad a flor de piel de todo aquel que saborea el costado más amargo del querer. Luego de haberse exhibido en calle Corrientes, la obra llegó al Teatro Lido de Mar del Plata durante la última temporada, desembarcando por segunda vez (desde su debut, en 2019) en el Teatro Coliseo Podestá de La Plata, durante el próximo mes de abril. Cuatro visitadores médicos buscan el antídoto que cure un mal de amor. Puede el absurdo paliar traiciones, puede la mirada platónica conservar la ilusión. Tan paradójica es nuestra formar de sentir apego, tan individual es la forma de resolver acertijos de esta naturaleza. ¿Por qué no confesarlo a corazón abierto? “Rotos de Amor” ensaya una mirada tierna, empática y compasiva sobre estos corazones solitarios conminados al fracaso. La condena irremediablemente se cumple cuando hay rupturas que no tienen salvación. Sin embargo, también existen medicinas que nos calman. A fin de cuentas, la risa sigue siendo una excelente y recomendable receta.

MÚSICA / Lisandro Aristimuño en La Plata / El sábado 19 de marzo, @lisandroaristi presentó ‘Set 1’, un show unipersonal, en el bellísimo @tcoliseopodesta. En tiempos de mensajes vacíos y contenidos superficiales, la música y la poesía de Lisandro Aristimuño son un verdadero bálsamo.

🙌Ante un teatro rendido a sus pies, el talentoso artista oriundo de Viedma (Río Negro, Argentina) deslumbró con una propuesta que incluyó distintas guitarras y una consola, que le permitió experimentar múltiples sonidos, ritmos y efectos.

🎵Todos flotamos con «Tres estaciones», «Sombra 1», «Azúcar del Estero», «La última prosa», «Me hice cargo de tu luz», «How Long», «Loop», «Blue», «Señal 1», «Canción de amor», «Hojas del camino», «Pozo», entre otras canciones.

💃🎷Rocío Aristimuño (hermana de Lisandro), bailarina, docente y música, y Mato Ruiz, compositor, arreglador, cantante, guitarrista y saxofonista platense, fueron sus invitados de lujo. Por JIMENA A. COLTRINARI

UN JUDÍO COMÚN Y CORRIENTE / TEATRO CHACAREREAN TEATRE, CABA

Por MAXIMILIANO CURCIO – Protagonizando un unipersonal a la medida de su tamaño talento actoral, Gerardo Romano se apodera de la escena, con absoluta sensibilidad y poder de transformación, a lo largo de una hora y media de pura adrenalina. Encarna al Profesor Emanuel Goldfarb; vaya la paradoja, nada es casual, la etimología de su nombre significa ´Dios está contigo´. El pedagogo se enfrenta a una decisión que pone a prueba su integridad moral, debiendo evaluar las consecuencias de un acto a través del cual revisa su propia historia de vida y su vínculo con la creencia religiosa. ¿Cómo es para él vivir y convivir con la descendencia de genocidas? La exclusión entre sí de los monoteísmos a lo largo de los siglos nos habla acerca de una forma de comprender la condición humana que, bajo coordenadas sociales y políticas contemporáneas nos permite comprender al judaísmo post Holocausto. Íconos de dolor e injusticia, la raíz de todo antisemitismo. De generación en degeneración: ¿Cómo llenar el vacío de la indignación? “Un Judío Común y Corriente” es una obra que nos interpela fuertemente. Reflexionamos acerca del odio interreligioso y de la condena sufrida por un pueblo. Acusaciones de perfidia, persecución y segregación. Todo el horror allí que precedió al exterminio nazi. Rastros evidentes en la historia, material de profusa exploración literaria. Un pueblo acostumbrado a ofrecer la otra mejilla, a ceder los propios derechos y libertades individuales. Es una cuestión de principios, asevera el personaje, mientras rechaza un importante ofrecimiento. Sus parlamentos toman dimensión ética. Ejemplifica Romano acerca de tres paradigmas fundamentales: Sigmund Freud, Karl Marx y Jesús se erigen como grandes modelos disruptivos. Liberada la mente de toda frontera presta a encasillar, la capacidad de generar alternativas para el mal atávico genera espacios de pensamiento ampliados, como la presente y conmovedora obra adaptada por Manuel González Gil sobre un texto de Charles Lewinsky.

COSMETICOS reestrena el miércoles 23 de marzo a las 20 h. en el Teatro del Pueblo – Autor Bernardo Carey – Dirección Julio Ordano

Sobre la obra / Palabras escritas por el director Julio Ordano: Cosméticos trata sobre el poder y sobre la condición humana, y a partir de allí sobre los vínculos, la vulnerabilidad, la mentira, el miedo a la vejez y a la muerte, los recuerdos encubiertos y la manipulación… y sobre la mujer y el hombre: la rebelión y el sometimiento. El egoísmo, en diferentes grados, guía la conducta de los personajes que casi nunca dicen la verdad, sino que la enmascaran de acuerdo a su conveniencia. Esta obra tiene una alta calidad dramática. Por su sólida y original estructura, por la riqueza de sus cuatro personajes que permite que las actrices hagan, cada una, una creación, y por la belleza y profundidad de su texto.

Elenco: Doña Generosa Roxana Randón / Raquel Cecilia Labourt / Agata Mariángeles Bonello / Otilia Julieta Ceolin

Diseño de escenografía y vestuario Alejandro Mateo (ADEA)

Diseño de iluminación Roberto Traferri

Música Original y efectos de sonido Alberto Quercia Lagos

Fotografía Milagros Gallo

Prensa Haydée Marocchi

Asistentes de dirección Julieta Ceolín

EL MAR DE NOCHE / Teatro Estudio (La Plata, Marzo 2022)

Por MAXIMILIANO CURCIO – Brillante unipersonal en donde Luis Machin permanece, casi inmóvil, durante la hora entera que dura la obra. Santiago Loza escribe este poderoso texto poético dirigido por Guillermo Cacace, confluyendo en el mismo “De Profundis” de Oscar Wilde (el relato carcelario publicado en 1905) y “Muerte en Venecia” de Thomas Mann (llevada al cine por Luchino Visconti, en 1972). Observamos como el alma del personaje protagonista se va desangrando y su cuerpo lentamente desmembrando. La tristeza lo invade y su dignidad acaba doblegada. En esos instantes, la empatía con el actor lo es todo. En el hotel de una playa perdida se cuenta el desenlace de un amor, un eterno desencuentro sin final feliz. Una mirada jamás devuelta, un gesto desparejo, un grito de auxilio: ¿vas a venir?. La belleza inalcanzable, la osadía de un sacrificio…pecados de la pasión. La teatralidad hace posible esta reflexión existencial, mientras cada fibra de Machin se estremece. El intérprete maximiza los mínimos recursos: el andamiaje no es más que un cuerpo derrotado, sentado sobre un sillón, atravesado por una pérdida y despojado de cualquier mecánica escenográfica. No hay maquillaje para el dolor, el crucial momento nos demanda una mirada atenta. Machín ama por completo a su personaje y se entrega íntegro. Verbaliza verdades brutales, acomete su acto redentor. Magnética, su performance halla lo esencial de la magia teatral. Visibilizamos el aspecto humano de la soledad más absoluta, de modo agobiante. Nadie escucha su súplica, nadie a quien le importe. El asunto ya es de uno, y es metafísico, nadie va avenir a llenar el vacío de nuestra soledad. En el paraíso tropical serán otros quien se la pasen bien. Un proceso camino a la indefectible muerte aliviana todo el peso imposible ya de cargar. Es un pedido desesperado que la marea se llevará, mañana.

Más información sobre la obra en: http://www.alternativateatral.com/obra49569-el-mar-de-noche

EL ACOMPAÑAMIENTO – Teatro Bristol (Mar del Plata / Febrero 2022) // Por MAXIMILIANO CURCIO – Escrita por Carlos Gorostiza para Teatro Abierto, en donde actores, actrices y dramaturgos bregaban por la libertad de expresión en tiempos de la dictadura, “El Acompañamiento” fue estrenada por primera vez en 1981. De su tránsito en los escenarios porteños se recuerda la puesta que durante algunos años protagonizaran Carlos Carella y Ulises Dumont. Aquí, son Luis Brandoni y David Di Nápoli quienes interpretan la pertinencia de una obra autoría de un arquitecto teatral de grandísimo repertorio. “El Acompañamiento”, exhibida en la última temporada veraniega en Mar del Plata, en el Teatro Bristol, nos habla acerca de ilusiones y autoengaños, quimeras de triunfo y autorrealización a contramano del comportamiento social aceptado. Colocando el contexto de la obra bajo las coordenadas sociales y políticas dentro de las cuales fuera concebida, comprendemos el valor de la frase resistencia cultural. El espacio cerrado se convierte en el hábitat ideal para representar la maniática reclusión. Ensayo de orquesta para el nuevo realismo, fértil aislamiento creativo que pondrá en duda el grado de cordura que conserva cada acto. Fiel compañera, al fin, la locura cuestiona el reflejo en el espejo al que nos atrevamos a mirar. Hasta que el despertador dictamine, inclaudicable, cuando debemos despertar del sueño.

MACHADA, UNA OBRA COMBINADA

Viernes 4/3, 21hs

Dirección: Andrea Martínez

Interpretación: Mariángeles Bonello

Función gratuita / Entradas se retiran por boletería hasta una hora antes del evento

Lugar: TEATRO MUNICIPAL LEOPOLDO MARECHAL DE MORENO

Asconape 85 (mapa)

Moreno – Buenos Aires – Argentina

Teléfonos: 0237-4620001 INT 309

Web: http://p://www.moreno.gov.ar

SINOPSIS: Machada es una neo- mujer nacida a partir de la combinaciòn de 4 obras de Federico Garcìa Lorca: «El retablillo de Don Cristòbal»; «Los tìteres de Cachiporra; «La doncella, el marinero y el estudiante» y «Yerma». Presa de una època y de un discurso, Machada es escrita en su tragedia y su autor, Lorquita, re-elabora aquello que parece ser inminente: su posterior fusilamiento e ineludiblemente, el final de su personaje, Machada. Machada es actual, es el grito de las condenadas al sometimiento e inventadas por los Hombres Modernos. La Mujer, aquella que desea el Casamiento, el Hijo y la Casa. Pero que al fin y al cabo no es más que un invento. Un invento histórico e Histérico. “Machada, una obra combinada” es una tragedia cuyo anclaje es el mundo de la España de 1930 y el tratamiento que las mujeres recibían de acuerdo a la época y en condición de sumisión al hombre. Machada es el último personaje que Lorca escribirá la noche de su fusilamiento, dejando asì su huella y su mensaje homónimo. Por un lado, una carta que escribe comunicando al mundo su despedida, y por el otro, su personaje sublimatorio, una mujer narrada en sus últimas horas y que toma cuerpo en la escena. Ambos, autor y personaje se escriben y re-inventan en lo que será la última noche en vela que genere un acto creador capaz de superar realidades social- epocales y persecuciones políticas.

Mirá algunos pasajes de la obra en los siguientes videos:

OCTUBRE 2021

PREMIOS CURTAS 2021

Los premios Curtas celebran la carrera y obra de relevantes figuras del fantástico. Este año serán galardonados el realizador norteamericano Joe Dante, la escritora Elia Barceló, y los realizadores españoles Nacho Vigalondo y Daniel Monzón.

EXPOSICIONES

Siete son las exposiciones que se podrán disfrutar este año. «Ojo que muerden» rememora a las pequeñas criaturas que poblaron el cine de los años 80 como Critters, Ghoulies y por supuesto los Gremlins, quienes protagonizan además un homenaje gráfico realizado por ilustradores de todo el mundo.

El arte de Belén Ortega, en títulos el reciente Tim Drake, las páginas de Javi Fernández para «King Spawn» record de ventas en USA con más de medio millón de ejemplares, el trabajo de Jesús Merino para DC Comics con una especial atención a «Wonder Woman» o un recorrido por la obra del gallego Fernando Iglesias «Kohell» centran las exposiciones dedicadas al noveno arte.

«Damas del Terror» repasa a través de 13 paneles el papel de la mujer en el género con nombres como Elia Barceló, Alice Guy, Barbara Muschietti, Emilia Pardo Bazán, Frances Glessner, Mary Shelley, entre muchas otras.

La última de las exposiciones serán las ilustraciones finalistas y ganadoras del concurso de ilustración GLZ-2121 que llevó a cabo el festival y que se podrán visitar a pie de calle.

ACTIVIDADES PARALELAS

El festival propone un completo programa de actividades paralelas con diferentes talleres orientados a los más pequeños con temas tan variados como el maquillaje fantástico, la robótica, el cómic o un taller de tallado calabazas para celebrar Halloween. También habrá encuentros y mesas redondas con los invitados del festival. Puedes consultarlas todas en la web del festival o en la programación adjunta.

CARNE CRUDA EN VIVO

¡El programa de radio más fantástico viaja al mejor festival de fantasía de Galicia! Un programa de Carne Cruda en vivo y en directo el próximo 29 de octubre desde el Curtas Festival do imaxinario de Vilagarcía de Arousa.

Un programa en el que entrevistaremos al archiconocido director de cine Joe Dante, autor de “Gremlins” o “Piraña”. También contaremos con grandes dibujantes de DC Cómics y Marvel como Belén Ortega, Jesús Merino y Javi Fernandez. Luís Rosales, director del festival, y Alberto Varela, alcalde de Vilagarcía de Arousa, nos hablarán de las entrañas del festival y su historia.

La banda sonora correrá a cargo de la música en directo de The Killer Barbies, grupo underground a cargo de Silvia Superstar, antigua excantante de Aerolínias Federales y también actriz de películas de cine de terror del director Jess Franco.

Carne Cruda es un programa independiente y alternativo financiado por sus oyentes, que trata temas de actualidad, contracultura y de interés social y que promueven la cooperación y el hecho de compartir libremente la cultura.

LA MARIA CAMPOS

JUEVES 14 DE OCTUBRE | 20 HORAS

LA TRASTIENDA

La artista regresa a los escenarios para presentar por primera vez en vivo “Santo entendimiento”, su último trabajo discográfico.

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TICKETS A LA VENTA A TRAVÉS DE TU ENTRADA

Shooting Locations Marketplace

El encuentro para profesionales de la industria audiovisual, prepara su primera edición, a la que ya han confirmado su asistencia más de 40 localizadores de Estados Unidos, Gran Bretaña, Canadá, Italia, Rumanía, Alemania y España.

Lori Balton, Klaus Darrelman, Jaume Jordana, Valerio Marello, Enrico Latella, Ravi Dubé, Becky Brake, Eduardo Rodrigálvarez, Sue Quinn, Rebecca Puck Stair o Donald Cameron son algunos de los localizadores que durante los días 21 y 22 de octubre conocerán los diferentes destinos de rodaje que se presentarán en la Feria de Valladolid.

En la trayectoria de estos profesionales figuran grandes títulos de películas y series de television como Piratas del Caribe, Misión Imposible, Juego de Tronos, La casa de papel, El mito de Bourne, Argo, Gran Hotel Budapest, Black Mirror, Wonder Woman 84, New Amsterdam, etc.

Shooting Locations Marketplace es un mercado de contratación en el que los destinos y empresas proveedoras de servicios estratégicos se encontrarán con quienes toman decisiones a la hora de elegir escenarios y ubicaciones.

Además, una docena de Film Commissions han anunciado su participación en Shooting Locations Marketplace: Canarias, Mallorca, La Rioja, Castilla y León, Costa Blanca, Navarra, etc.

Acuerdos de colaboración

Shooting Locations Marketplace ha suscrito acuerdos de colaboración con las más importantes asociaciones profesionales y medios de comunicación especializados, en un afán por hacer de esta primera edición un lugar de negocio que contribuya al desarrollo y consolidación de este sector.

Agustín Dettbarn estrenó el videoclip de su canción Misshai Sharem

Luego del lanzamiento de “Vestido”, su primer EP como solista, Agustín Dettbarn estrenó el videoclip de su canción Misshai Sharem, que forma parte de su último material discográfico compuesto por cuatro canciones en las que se disfraza de elementos inexplorados y que lo enfrentan cara a cara con una nueva faceta musical.

«Misshai Sharem» cuenta la historia de un hombre que emprende un viaje a una ciudad lejana, perdida, con una cultura desconocida y un idioma propio e intrincado. En el viaje, el protagonista conoce a Anu-Pamah, una extraña mujer que lo cautiva y lo acompaña en su descubrimiento de la ciudad y su vasta extensión, llevándolo a experimentar un viaje sensorial y perceptivo y convirtiendo la experiencia en un evento determinante en la psiquis del viajero. Él ya no será el mismo. Su mente queda atrapada para siempre entre los rincones del paisaje donde se encontraron.

La canción tiene algunas frases cantadas en la lengua nativa de Misshai Sharem, el «Dalshim», la cual es ficticia y creada para el desarrollo de la historia.

DESEQUILIBRADOS
Una película de Juan Baldana

Estreno: 14 de Octubre
Cine Gaumont

TRAILER
https://vimeo.com/517329067

Sinopsis: RODO está encerrado en su casa. El coronavirus no discrimina. Para toda la sociedad se ha decretado el aislamiento social obligatorio, a raíz de este virus que infecta y mata a miles de personas en el mundo entero.
Rodo es abogado, pero hace tiempo que tiene poco trabajo y su gran obsesión es la escritura de un libro inacabado sobre Silvio Gesell, un gran pensador alemán, creador de la economía natural.

Todo empieza a complicarse cuando la editorial lo presiona por estar retrasado con la entrega de su obra. Rodo presenta varios días seguidos con fiebre alta. Su confusión mental aumenta a la par de su temperatura y la incoherencia gana terreno en su estado de soledad, cada vez más ingobernable.

LA CASA DE LOS CONEJOS – UN FILM DE VALERIA SELINGER

ESTRENO 21 DE OCTUBRE

LA CASA DE LOS CONEJOS de la directora Valeria Selinger, adaptación del libro de Laura Alcoba

«Manèges, petite histoire Argentine», llega a las salas argentinas el jueves 21 de octubre.

Con tan sólo ocho años, Laura está acostumbrada a usar nombres falsos y a cambiar de casa. Sabe que para sobrevivir es necesario no decir nada ni siquiera a sus abuelos. Los padres de Laura esconden las armas en escondites en el techo de cada casa en la que viven. Pero cuando el padre cae preso, la madre se tiñe los pelos de rojo brillante y junto con Laura, se instalan en la casa de los conejos, dónde viven Diana, embarazada de tres meses, y su marido Cacho, economista de traje y corbata que trabaja en Buenos Aires. Allí funcionará la nueva imprenta del « Evita Montonera » una vez que el Ingeniero construya el embute, un escondite cuyo único acceso es una puerta de cincuenta centímetros que se abre con un dispositivo especial. Sin poder ir a la escuela, y en medio de un mundo lleno de silencios, Laura piensa que esta casa es en realidad una trampa.

Mujeres con Historia – Las protagonistas olvidadas

Compilación: Laura Formento

Prólogo: Ana Seoane

Editorial Nueva Generación

Mujeres con Historia – Las protagonistas olvidadas es un conjunto de obras teatrales, escritas por autoras argentinas y compiladas por la dramaturga y directora Laura Formento, que nos invitan a pensar y reflexionar acerca de la situación de la mujer en la sociedad argentina a través del tiempo y de la historia.

Un coro de voces femeninas para homenajear a aquellas mujeres que decidieron ser protagonistas de sus vidas, en tiempos que ello era considerado una osadía. Su valor, sin dudas, está en la multiplicidad y variedad de enfoques y poéticas, recreación e investigación histórica. Remedios de Escalada, Cecilia Grierson, Ada Elflein, Maria de los Dolores Correas de Lavalle, Alfonsina Storni, Ana Perichon de Vandeuil, Camila O’ Gorman, Felicitas Guerrero, Maria Remedios del Valle, Virginia Pueyrredón de Pelliza y Raquel Liberman son las protagonistas de los textos dramáticos creados por estas destacadas autoras y llegan al público antes de subir a escena.

Marcela Atienza : El ataúd de madera

Merceditas Elordi : Conjuro anómalo

Amancay Espíndola : Ada, velado amor viajero

Analía Farfaglia : La dama de la soledad

Guadalupe Farina : Alfonsina en el fondo del mar

Laura Formento : El secreto

Andrea Maldini : Felicitas Guerrero, un femicidio del siglo XIX

Adriana Lauro y Analía Malvido : La Matria negra

Estela Oriana : Caracoles de la costa

Patricia Suárez : Ruchla.

CAMALEÓN, nuevo EP de Federico Laconte, saldrá el próximo viernes 1 de octubre.

El disco cuenta con su primer single «La clase media va al paraíso» disponible en plataformas.

«La Clase Media va al Paraiso es una canción dirigida al exponente claro de esa clase que se cree en un estrato superior económico y está más cerca de la pobreza de lo que quiere reconocer y más lejos del status quo al que quiere pertenecer, ese individuo egocentrico que idolatra la meritocracia pero pide la salvación a costa de lo que sea, y en lo posible sin esfuerzo. Desarrollado en tres partes definidas, la primera describe al sujeto y sus pares, un intermedio que interpela el fondo de la cuestión, y un final para nada optimista. Es una canción oscura, densa, con capas y climas espesos instrumentales.» cuenta Federico.

El disco tendrá su presentación oficial con un show presencial el Sábado 6 de noviembre a las 19.30 hs en el Teatro Gargantúa – Jorge Newbery 3563- CABA.

JAVIER CALAMARO

Anticipa su nuevo disco «El Regalo»

Sábado 16 octubre 20hs – Teatro Gran Rivadavia

Avenida Rivadavia 8636 CABA

https://ventas.fullticket.com/

Después de su último show presencial en 2019, IORIO y su banda anuncian un único concierto para este 2021. El concierto se llevará a cabo en el templo del rock, el ESTADIO OBRAS, bajo los estrictos protocolos sanitarios vigentes y en modalidad teatro.

IORIO y su banda vuelven a Buenos Aires en modo presencial con su último disco “AVIVANDO LA LLAMA DE LA LEY NATURAL”. Se presentan en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires el Domingo 10 de octubre a las 21.00 hs. en el ESTADIO OBRAS. Av. Del Libertador 7395 CABA.

Desde 2016, Ricardo lidera su actual banda IORIO. Con la que realizó gran cantidad de shows en todo el país y la que se ha ganado el respeto y el cariño de un público, que fielmente sigue reconociendo a RICARDO como el líder del movimiento.

La banda está conformada por WALTER MARTINEZ en Batería, su hermano RUBEN MARTINEZ en guitarra rítmica, JOANA GIECO en teclados, más los hermanos FACUNDO L LEON en bajo y ALEJO L LEON a cargo de la primera guitarra.

Las entradas están disponibles a través del sistema Passline.com

La obra Manos Verdes se estrena el 17 de octubre en la Sala Ana Frank.

La obra Manos Verdes es de Francisco Pesqueira, con dirección de Natacha Córdoba y protagonizada por Maru Cesanelli y Emiliano Samar junto a Mariano Frumento, compositor y músico en escena. Su estreno será el próximo domingo 17 de octubre a las 18:00 horas en la Sala Ana Frank (Superí 2639, CABA). El espectáculo se realizará al aire libre (se suspende por lluvia) y tiene una duración de 45 minutos. Las entradas se pueden conseguir a través de la plataforma Alternativa Teatral.

Sinopsis
Estos mundos en contraposición llevaron a explorar, indagar y mezclar, pero sin alejarnos de un lenguaje lírico, poético. Un encuentro entre Silvina Ocampo y su jardinero Ramón, donde todo queda evidente, la época, la sociedad, las diferencias de clase, y hasta la botánica se entrelazan y se sacuden, sin alejarnos de este lenguaje épico. “Ojalá sea del agrado del presente y sobre todo vuelva a la vida una vez más, la figura de Silvina Ocampo”. (El Autor)

Ficha Técnica
Autor: Francisco Pesqueira

Actúan: Maru Cesanelli, Emiliano Samar

Músico en Escena: Mariano Frumento

Diseño de Vestuario: Mercedes Uría

Diseño de Escenografía: Carlos Di PasquoAsistencia de Dirección: Mabel Rosati

Composición de Música Original: Mariano Frumento

Producción Ejecutiva: J&R Producciones

Dirección: Natacha Córdoba

Vilca, la magia del silencio

Una película de Ulises de la Orden y Germán Cantore

ESTRENO: 10 OCTUBRE – funciones domingos 18 h / MALBA Cine

TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=1Vz6ApulvhE

SINOPSIS: Ricardo Vilca fue uno de los artistas más trascendentes del noroeste argentino de las últimas décadas. Sin embargo, por años, su figura y su obra musical permanecieron ocultos para el gran público, resguardados allí donde pertenecen, en el silencio de la Quebrada de Humahuaca. Por obra del destino, en los últimos años de su vida, las canciones de Vilca fueron interpretadas por famosos músicos como León Gieco, Divididos y Skay Beilinson y llegaron a lugares insospechados, como Kosovo o Madagascar. Con material de archivo inédito y exclusivo, Vilca, la magia del silencio es un recorrido por su historia y a la vez, un homenaje al músico, que busca comprender el encuentro armonioso entre ritmos andinos, música clásica y naturaleza; que llevó adelante en su obra.

FICHA TÉCNICA
Directores: ULISES DE LA ORDEN / GERMÁN CANTORE
Productor: ULISES DE LA ORDEN
Guionistas: ULISES DE LA ORDEN / GERMÁN CANTORE

Tanguarro presenta “100 X 100 Milonguero”, su primer material discográfico

Luego de varios años de presentaciones en milongas y diferentes escenarios de distintas localidades, Tanguarro saca a la luz su primer material discográfico, “100 X 100 Milonguero”. El EP, grabado en julio de 2021 en el Estudio Sonosfera de la ciudad de La Plata, cuenta con siete temas que mantiene el estilo y la rítmica 100×100 milonguera. Cada una de sus tandas es anunciada con una glosa, “detalle que caracteriza al grupo” , afirman sus integrantes. Un sonido fresco para un repertorio clásico y bien milonguero que “recrea la rítmica, el estilo y la musicalidad de las agrupaciones que marcaron a fuego las más afamadas pistas”. “100×100 Milonguero” se puede encontrar en formato físico y en todas las plataformas digitales.

Ficha Técnica de «100 X 100 Milonguero»

Grabación: Daniel Manzana Ibarrart – Estudio Sonosfera – La Plata

Tanguarro son Marcelo Costa en voz, Joaquín Galeliano en Piano, Javi Sosa en Contrabajo, Pablo Muñoz en Violín y Homero Polenta en Bandoneón.

Centro Cultural de la Cooperación

Av. Corrientes 1543 – CABA

Estreno viernes 8 de Octubre a las 20h.

La Compañía Argentina de Teatro Clásico estrena su tercer título del siglo de oro, “La celosa de sí misma” de Tirso de Molina

Estreno viernes 8 de Octubre a las 20h.
Funciones: viernes 20h.

Precio de la entrada: $1000

Prensa Haydée Marocchi

Producción ejecutiva Rosalía Celentano

Dirección Santiago Doria

Regresados / Basta para mí. Basta para todos.

Dramaturgia Damián Faccini

Dirección Manuel Pípolo

Funciones:

Sábados 20 hs.

Teatro Vera Vera (Vera 108)

Entradas: $600

Compra anticipada: www.alternativateatral.com

Link directo:https://publico.alternativateatral.com/entradas75039-regresados

UN VIAJE PODEROSO

UN FILM DE OMAR NERI Y ANTONIO MANCO
JUEVES 7 DE OCTUBRECINE GAUMONT / “Un Viaje Poderoso” se propone como el recorrido de una cámara inquieta que parte desde Nápoles para conocer las realidades de las villas y barrios populares argentinos.

ESTRENO NACIONAL
Del 7 al 13 de octubre 2021
(horarios a confirmar)
Cine Gaumont
Av. Rivadavia 1635, CABA

Los Invitamos al estreno de “COSMETICOS”, del autor Bernardo Carey. Obra que debió estrenarse en el mes de marzo del año 2020 y que por las razones conocidas se postergó. Realizaremos ese día antes de la Función, un sentido Homenaje al Director Julio Ordano, fallecido este año.

“COSMETICOS” se estrenó por primera vez a mediados de 1979 con Lidia Catalano. La inauguración del nuevo Teatro del Pueblo y los 40 años transcurridos justifican esta nueva versión de la obra. A manera de sendos homenajes. Y lo sorprendente es que los temas y las bondades de este material no han perdido vigencia.

Teatro del Pueblo, viernes 1 de octubre a las 20 hs. en Lavalle 3636. CABA

Entradas disponibles en www.alternativateatral.com

Imprenteros, de Lorena Vega y hermanos, fue declarada de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación y realizará funciones en Buenos Aires y en el 39° Festival de Otoño de Madrid, entre octubre y noviembre. Además, prepara la publicación del libro junto a la editorial “Documenta Escénicas”.

Funciones
3 de octubre, a las 20.30 h
Teatro TIMBRe4 – Más info

16 de octubre, a las 21 h
Teatro Roma de Avellaneda – Más info

24 de octubre, a las 20.30 h
Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti – Más info

MORA MESÓN JUNTO A MARCELO FUNES

DOMINGO 3 – 19 HS

YOUTUBE: SESIÓN MANSIONES

www.morameson.com.ar

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Mora Mesón es cantante, instrumentista y compositora nacida en la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente lidera su proyecto solista con canciones de su autoría y está por lanzar Libre, el primer single de su último disco, junto con su videoclip.

Marcelo Allasino, artista escénico y gestor cultural de reconocida trayectoria presenta su nueva creación, Mis palabras, una obra de gran belleza poética que propone reflexionar sobre el abuso en aquellas situaciones donde éste se presenta, a primera vista, como un hecho poco claro, confuso, mezclado con buenas intenciones, pero no por ello menos trágico.

Mis palabras de Marcelo Allasino

Estreno Viernes 1 de Octubre

En un taller literario diseñado para personas con discapacidad surgen la atracción y la confusión entre una alumna y su docente. Cintia copia textos de la biblioteca de su padre para inspirarse y deslumbrar a su profesor. José Luis necesita trabajar y su falta de experiencia le hace confundir guía con superioridad. Un error, ¿puede desencadenar la tragedia?

Las palabras crean realidades y tejen deseos. ¿Cómo suenan mis palabras en tu escucha? ¿Cómo afectan tu fantasía y tu verdad? ¿Qué responsabilidades tenemos frente a la entrega, el amor, la compasión? ¿Y frente a la creación? Las palabras, también, le abren la puerta al espanto.

Funciones:

Viernes, Sábados y Domingos 20:00 hs (Hasta el 13/11/2021)

El Cultural San Martín – Sarmiento 1551 –

Entrada: $600

Compra anticipada: www.tuentrada.com

VIERNES 1 DE OCTUBRE 20:00 HS – TEATRO BROADWAY

Horcas Festeja sus 30 Años » XXX ANIVERSARIO», en Buenos Aires…

Donde recorrerán toda su extensa discografía que nos lleva desde las primeras épocas hasta la actualidad.

Aprovechando el tiempo de encontrarse con uno mismo y con la música, se empezó con la composición de 11 canciones lo cual va a formar parte del nuevo material discográfico, siguen demostrando su versatilidad en tiempo de crisis y que la música todo lo puede…Ojalá pronto nos volvamos a encontrar en cada escenario y en cada rincón del país y el mundo.

Banda Invitada: AEREA

Show ATP+3 Años / Capacidad limitada / Nuevo Protocolo Covid – Formato con distanciamiento social

Entradas disponibles: www.HausTicket.com

Marcelo Galliano es uno de los artistas más versátiles y destacados de su generación. Dramaturgo, poeta, narrador, actor, productor y concertista de guitarra clásica (Premio Gardel 2002). Ganador de 65 premios nacionales e internacionales, autor de la serie Manarino (novelas breves), referente del policial en la literatura iberoamericana. Actualmente presenta el estreno mundial de su nueva obra “Noches oscuras”, espectáculo teatral conformado por cinco thrillers de su autoría. Quedan, desde ya, invitados/as a presenciarlo!

NOCHES OSCURAS

De Marcelo Galliano

Estreno Viernes 1 de Octubre

Funciones:

Viernes 22.30 hs

Teatro Buenos Aires, Corrientes 1699

Entrada $900 / Promo 2×1 Club La Nación – Clarín 365

Compra anticipada: www.alternativateatral.com

Link directo: https://www.alternativateatral.com/obra75596-noches-oscuras

ESTRENO AKTRISSA CHAYKA la obra póstuma del director CLAUDIO GATELL

ESTRENO: Sábado 2 de Octubre a las 19:30 hs.
FUNCIONES: 2, 9 y 16 de Octubre a las 19:30 hs. TEATRO TALLER DEL ÁNGEL Mario Bravo 1239 – Palermo Entrada: $ 600 Venta anticipada y promociones en: www.artemanteatro.com/aktrissachayka

Aktrissa Chayka (actriz gaviota en ruso) es el nuevo unipersonal de la premiada dramaturga y actriz argentina Natalia Arteman. Junto al director Claudio Gatell (1964-2020) crearon este universo inspirándo en el clásico La Gaviota del escritor Anton Chéjov.

Agenda – SÁBADO 2 DE OCTUBRE 21 HS. ESTRENO «De mujeres»

Grupo Teatral Rayuela presenta: DE MUJERES

NOVIA de Rosana Martin – EL SILENCIO DE LAS TORTUGAS de Lucia Laragione – DUNA ROJO de Vanesa Salas – LA BOCA AMORDAZADA de Patricia Zangaro

Elenco: Cali Rotondo, Leticia Cabeda, Guadalupe Farina, María Inés Álvarez – Diseño y realización de escenografía y vestuario: Grupo Teatral Rayuela –Fotografía: María Agustina Mirás – Imagen gráfica: “De mujeres”, pintura de Gabriela Lorusso – Diseño gráfico: Débora Longobardi – Prensa: Ditirambo teatral –Asistente de dirección: Lucas Montagna

Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

SEPTIEMBRE 2021

LOS QUE NO QUIEREN VER
(THOSE WHO DON´T WANT TO SEE)

Una película de GRACIELA DE LUCA

Luego de su paso por el Screen and Story Film Festival (LONDRES ) los invitamos a disfrutar del ESTRENO LATINOAMÉRICANO
Festival Internacional El cine Suma Paz (BOGOTÁ)

*VIERNES 24 DE SEPTIEMBRE*
acceso gratuito (reserva de tickets): https://www.elcinesumapaz.com/

Tráiler accesible (con audio descripción):
https://www.youtube.com/watch?v=FJjddjW4Wxw&t=12s

Tráiler en español (Closed caption)
https://www.youtube.com/watch?v=t39nZagxaLA&t=18s

Tráiler en inglés
https://www.youtube.com/watch?v=MA1Q2YYQ5VU&t=2s

PULSO CRÍTICO presenta The Gillers

Luego de su primer trabajo “Oscura Realidad” PULSO CRÍTICO presenta:

“Mar de Huellas” su segunda producción discográfica donde incluye el primer single llamado “The Gillers”.

“The Gillers (los giles) habla de la gente acartonada, que no tiene un propósito en la vida. Los que viven vidas ajenas y nos llenan de mala vibra” dicen los PULSO CRÍTICO.

The Gillers estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 21 de septiembre de 2021.

VIDEO “The Gillers”

Bailan las almas en llantas, de Pilar Ruiz en Teatro del Pueblo

Los domingos, a las 17 h, se presenta Bailan las almas en llantas, escrita y dirigida por Pilar Ruiz, en Teatro del Pueblo, Lavalle 3636.

¿Cómo hablar de una realidad sin pertenecer a ella? ¿Cómo no espectacularizar la marginalidad, ni romantizarla y menos criminalizarla? En el cómo, lo poético. En la interseccionalidad de la forma y el contenido, lo político.

Sinopsis
Les pibes en llantas rompen la pista de baile, batallan freestyle y corren a pique por las calles angostas de la ciudad. En esas calles, donde se juega el hambre, las casas del poder negocian con la Ley. Una noche, en la fiesta de la primavera, Valu y Julio bailan una cumbia y ya nada seguirá igual. Sus cuerpos arrojados al deseo, harán posible hasta lo imposible, para torcer sus vidas en desgracia.

Ficha artística-técnica
Actúan: Camila Conte Roberts, Daniel Begino, Federico Martínez, Fran Bert, Jesús Catalino, Joaquín Gallardo, Juan Tupac Soler, Lola Banfi, Matías Méndez, Romina Oslé.
Entrenamiento físico y diseño coreográfico: Andrés Molina
Diseño de vestuario y escenografía: Victoria Chacón
Música original y diseño sonoro: Gastón Poirier
Diseño de iluminación: Lucía Feijoó
Fotografía y video: Francisco Castro Pizzo
Diseño gráfico: Juan Pablo Rodríguez
Prensa: Marisol Cambre
Producción ejecutiva: Poética Resiliencia y LugarOtro.
Asistencia de dirección: Milagros Vera
Dramaturgia y dirección: Pilar Ruiz

Domingos 17 horas
Teatro del Pueblo – Humahuaca Lavalle 3636 – CABA
Entradas por Alternativa teatral: click
Localidades: $600 – Estudiantes y jubilados: $450
Instagram: click – Material fotográfico y trailer: click
Duración: 90 minutos
Hasta el domingo 31 de octubre

LOS QUE NO QUIEREN VER, una película de Graciela De Luca

ESTRENO MUNDIAL
Screen and Story Film Festival (LONDRES )

*SÁBADO 18 DE SEPTIEMBRE*
acceso gratuito (reserva de tickets): https://www.screenandstoryfestival.com/

ESTRENO EN LATINOAMÉRICA
Festival Internacional El cine Suma Paz (BOGOTÁ)

*VIERNES 24 DE SEPTIEMBRE*
acceso gratuito (reserva de tickets): https://www.elcinesumapaz.com/

SINOPSIS

Natalia y Daniel son ciegos. Transitan su vida en una sociedad en crisis, donde nadie los mira, o pocos los quieren ver. Una sociedad que no conoce sus posibilidades, sus deseos y necesidades para poder acompañarlos. En la intimidad cotidiana nos muestran cómo ven, cómo perciben el mundo, y cuáles son sus sueños. La ceguera nunca fue un impedimento para que ellos pudieran vivir una vida iluminada. De repente, un imprevisto cambiará todo, imponiéndose y obstaculizando lo que la ceguera no pudo.

Las cargas

Actuación Laura Névole – Lucas Crespi – Pablo Chao

Dramaturgia y Dirección Christian García

Reestreno Viernes 17 de Septiembre

Christian García (dramaturgo y director de “Casa Linguee”, actor de “Imprenteros”) reestrena su obra “Las cargas”, junto a un excelente elenco, en la cual se reflexiona desde el humor absurdo acerca de los mandatos sociales que recaen sobre las personas y sus vínculos, y cómo esas cargas nos atrapan y alejan de lo que somos realmente.

Funciones:

Viernes 21 hs

Casa Teatro Estudio (Guardia Vieja 4257)

Entradas $500

Reservas: www.alternativateatral.com

Link directo: http://www.alternativateatral.com/obra70670-las-cargas

TEATRO STREAMING ESTRENO Sábado 18 de SEPTIEMBRE 22.30 hs «INDAGACIONES SOBRE EL AMOR»

JULIETA VALLINA / Idea Dramaturgia y Dirección

con GERMÁN MOLDOVÁN y FACUNDO PONCE

ESTRENO 2021 STREAMING ONLINE Acercamiento poético al infinito e incognoscible tema del Amor

«Eros es lo que en mi no tiene descanso; Eros es el Deambular «
«Como relato (romance, pasión), el amor es una historia que se cumple,en el sentido sagrado: es un programa que debe ser recorrido”Roland Barthes

SINOPSIS
Un laboratorio de investigación, un científico, un sujeto de investigación y tres músicos en escena componen el universo en el cuál se llevará adelante la investigación sobre el amor. Durante este proceso se producen operaciones metafóricas y metonímicas mediante la música, los relatos y las imágenes que intentan componer un universo donde Eros y Thanathos se encuentran presente en cada uno de los personajes. Dando cuenta que el amor siempre se encuentra entre dos, la abundancia y la miseria, lo bello y lo feo , no es uno ni otro. El amor está entre dos.

Pretenciosas ridículas, Las de Barranco

Dirección Iván Moschner

Por el grupo Morena Cantero Jrs.

Estreno Presencial: Viernes 17 de Septiembre

Estreno Streaming: Sábado 18 de Septiembre

Funciones presenciales:

Viernes 21 hs. (hasta el 29 de Octubre)

Espacio Cultural Paraje Artesón – Palestina 919 –

Entrada presencial: $500

Whatsapp 11 5123 0903 / Mail morenacanterojrs@gmail.com

Funciones streaming diferido:

Sábados 22 hs. (hasta el 09 de Octubre)

Plataforma de difusión YouTube

Entrada streaming: Gorra virtual desde $300 a $1000

Compra anticipada: www.alternativateatral.com

Ficha técnico/ artística:

Actuación: Ariel Aguirre (Linares), César Arakaki (Castro), Cintia Zaraik Goulu (Carmen), Gabriela Colombo (Pepa), Juan Gorritti (Genaro, el muchacho), Luciana Morcillo(Petrona), Mabel Berrina (Doña María), María Alicia Gonzalez (Doña Rosario, Cocinera), Max Acuña (Barroso, Perez), Patricia Alejandra Silva (Manuela), Rubén Demichelis(Rocamora) y Sergio Escalas (Morales)

Escenografía y vestuario: Luciana Morcillo

Iluminación: Vicente Wingeyer

Variaciones en piano: Patricia Casares

Diseño gráfico: Patricia Millán

Fotografía: Carlos Mamud

Prensa: Valeria Franchi

Dirección: Iván Moschner

Duración del espectáculo: 70 minutos

«MARI»

Un documental de Adriana Yurcovich y Mariana Turkieh

ESTRENO EN CINES:
23 de Septiembre

Sinopsis / Mari, acostumbrada a la represión de su voz y su voluntad, un día deja a su marido que la maltrata y pide refugio en la casa de Adriana, donde trabaja como empleada doméstica. A pesar de las presiones, comienza otra vida y se redescubre.

FESTIVALES

MARI se proyectó por primera vez en marzo de 2021 en el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI). Ahí obtuvo el premio SIGNIS al Mejor largometraje de la competencia internacional. “Por mostrar a través de una narrativa respetuosa la problemática del maltrato a la mujer, una realidad dura muy común en el mundo entero. El retrato de un patrón cultural que se repite de generación en generación y que se rompe por medio de la solidaridad, la educación, la caridad, la amistad sincera y el apoyo de la comunidad y la familia. Un hermoso mensaje de emancipación femenina mostrado mediante un cuidado mensaje audiovisual.”

OTRAS PRESENTACIONES

La película formó parte de la 8va Semana del Cine Documental Argentino, organizada por la asociación ADN, directores y productores de cine documental independiente, desarrollada entre el 24 y el 31 de agosto de 2021.

RELATOS DE AMOR Y LOCURA, de Patricio Abadie

El sábado 25 de septiembre, a las 20.15 h, se estrena Relatos de amor y locura, escrita y dirigida por Patricio Abadi. La dramaturgia presenta diferentes miradas sobre “el amor” desde una perspectiva contemporánea que incluye virtualidad, pandemia y redefinición de vínculos afectivos. Las funciones serán presenciales los sábados, a las 20.15 horas, en NoAvestruz, Humboldt 1857.

“La zona de apareamiento entre la emoción y el humor es una superficie donde encontré cierta fertilidad para desplegar una escritura zigzagueante, tragicómica y delirante. En esa amplitud de estéticas hice ingresar la temática del amor en tanto diversidad. Los monólogos terminaron de estallar de sentido en los cuerpos abstinentes de los intérpretes dando a luz este nuevo sueño colectivo llamado Relatos de amor y locura”, Patricio Abadi.

Sinopsis
“El Conteiner Club” es un espacio terapéutico teatral que agrupa a seis personajes, quienes a través del cuerpo y la palabra intentan transformar su dolor en esperanza. Guiados por un terapeuta muy particular y mediante monólogos que incluyen humor, drama y realismo delirante, estos seres vulnerables comparten las complejidades de su mundo interior frente a los espectadores.

Ficha artística-técnica
Elenco: Natalia Santiago, Salomé Boustani, Patricio Abadi, Hernán Melazzi, Ailin Moro y Mr Grrr.
Artista invitada: Laura López Moyano (sábados 9, 16 y 23 de octubre).
Escenografía y audiovisuales: Demián Ledesma Becerra

Flor Braier regresa con su onírico single «Wonderlay»

La artista Flor Braier está de regreso con su sencillo «Wonderlay», colmado de melodías simples, dulces y despojadas que reviven las sonoridades de sus primeras producciones musicales.

Definida por Braier como una «canción de cuna para el insomnio», el single se nutre de las imágenes de su videoclip y termina por transmitir completamente su mensaje. El video, grabado entre Noruega y Barcelona, se sumerge en el recorrido de una persona insomne, que se duerme en una ciudad y despierta en otra en un estado de confusión.

Sus eclipsantes imágenes surgen durante un viaje de ocho horas ininterrumpidas en tren entre Bergen y Oslo, también de un recorrido en barco en los fiordos noruegos, además del skatepark y la playa barcelonesa.

Las asombrosas escenas son oníricas al igual que la canción y buscan transmitir el recorrido y la tranquilidad de los sueños. El clip contó con la destacada dirección de fotografía de Natasha Braier (LCD Soundsystem, Rihanna, The Weeknd y películas como “The Rover”).

Escuchá Wonderlay en Spotify:
https://open.spotify.com/track/7x4zX5m1mpa9AM48zXS5qA?si=cafd49d6618c4e1c

La banda tributo The Beetles se presenta en Argentina después de triunfar en Brasil y Paraguay.

The Beetles es una de las bandas tributo a The Beatles más importantes de Sudamérica. Oriundos de Argentina, hace años que vienen arrasando en Brasil y Paraguay, entre otros. Se presentarán el próximo sábado 25 de septiembre en el Teatro Maipú (Maipú 380, Banfield) y el viernes 8 de octubre en Teatro Morón (Ntra Sra del Buen Viaje 851, Morón).

Sinopsis del show / ¿Alguna vez soñaste ser un Beatle? A pesar de ser fanáticos de estos cuatro fenómenos, nunca habíamos soñado tan alto, hasta que un día, por arte de magia cada uno de nosotros decidió incursionar en este mundo fantástico, que hasta el momento pasaba por nuestros oídos y corazones. Para eso, la única cosa que hacíamos era reproducir individualmente, en nuestros instrumentos, ese sonido que, sin saberlo marcaría un camino repleto de alegrías y satisfacciones. El tiempo asumiría un vez más un papel importante, tal ves por casualidad o tal ves por destino, quien sabe, después de más de 30 años que Los Beatles habían dado su ultimo show en vivo y separado definitivamente, después de idas y vueltas, nuestros rumbos se juntaron en un sueño común: poder representarlos en vivo. Para poder proporcionar todo eso THE BEETLES fue comprando de coleccionistas privados los mismos instrumentos de marca y modelo que The Beatles usaba en sus shows. Después de mucho esfuerzo colectivo lograron adquirir los famosos amplificadores vox, como también la réplica de vestuarios de los Fab Four. Un Ringo que canta y un Paul zurdo fue lo más importante para conseguir el objetivo. En el año 2010 fueron elegidos por la RBS TV de Porto Alegre para hacer la divulgación del show de Paul McCartney, donde fueron hospedados en el mismo hotel que la leyenda musical y luego de compartir un desayuno con la banda del propio Paul, él escucho un cd grabado por The Beetles y los felicitó autografiando el bajo Hofner. La banda luego de eso estuvo radicada en Brasil donde llevan realizados más de 800 shows, como también en Paraguay.

Korridor / Experiencia teatral vía streaming (en diferido)

Dirección Christian García

Cámara e iluminación Ricardo Sica

Estreno Sábado 11 de Septiembre

Funciones On Demand (mirala cuando quieras)

Plataforma Trampolín Play

Link directo: https://play.trampolin.la/ver/korridor

Entradas: $300 (link disponible por 48 hs.)

Ficha técnico artística

Actuación: Paula Aguirre (Claudia), Ignacio Arroyo (Miguel), Gustavo Barbeito (Fabio), Valeria Franchi (Mari Carmen), Christian García (Dr. Robles), Pablo López Barrios (Justo) y Daniela Piemonte (Valentina)

Música original: Julián Sortino

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Diseño de escenografía y vestuario: Korridor

Fotografía: Franco Vaca Braylan

Prensa: Valeria Franchi

Dramaturgia: Christian García, Daniela Piemonte

Dirección actoral: Christian García

Dirección de cámara: Ricardo Sica

Edición de imagen: Ricardo Sica

Edición de sonido: Tomas Weiss

Duración: 51 minutos

Codec presenta su single «Lapsus» como adelanto de su álbum

La temática de la canción toma sus bases de una tradición de la literatura rusa, la del hombre pequeño. También, absorbe influencias de «Go to sleep (Little Man Being Erased)» de Radiohead y «The Eraser» de Thom Yorke. Es así que su letra reflexiona sobre el conflicto entre el individuo en búsqueda de su autonomía y el poder autoritario que intenta controlarlo.

«Lapsus» se presenta como una canción más reflexiva y melódica con un piano que ocupa el lugar central. “Por más que quieras no me vas a borrar», lanza una de las frases del single y se plasma en el arte de tapa, que extiende la idea de ciudad caótica, destruida y revolucionaria de «Metrópolis».

Escuchá “Lapsus” en Spotify:
https://open.spotify.com/album/2QcRYP8nNnQdxRbvVZiNS1

INDAGACIONES SOBRE EL AMOR

JULIETA VALLINA / IDEA – DRAMATURGIA – DIRECCIÓN

Con GERMÁN MOLDOVÁN y FACUNDO PONCE

ESTRENO 2021

Sábado 18 de SEPTIEMBRE 22.30 HS

STREAMING ONLINE

Acercamiento poético al infinito e incognoscible tema del Amor

«Eros es lo que en mi no tiene descanso ; Eros es el Deambular «
«Como relato (romance, pasión), el amor es una historia que se cumple, en el sentido sagrado: es un programa que debe ser recorrido” Roland Barthes

SINOPSIS Un laboratorio de investigación, un científico, un sujeto de investigación y tres músicos en escena componen el universo en el cuál se llevará adelante la investigación sobre el amor. Durante este proceso se producen operaciones metafóricas y metonímicas mediante la música, los relatos y las imágenes que intentan componer un universo donde Eros y Thanathos se encuentran presente en cada uno de los personajes. Dando cuenta que el amor siempre se encuentra entre dos, la abundancia y la miseria, lo bello y lo feo , no es uno ni otro. El amor está entre dos.

Ficha técnica
Idea / Dramaturgia / Dirección
Julieta Vallina
Intérpretes
Germán Moldovan / Facundo Ponce
Músicos

DORADOS 50, una comedia documental de Víctor Cruz y Alejandro Vagnenkos: 9 SEPTIEMBRE

[22]BAFICI WORLD PREMIERE

ESTRENO COMERCIAL: 9 SEPTIEMBRE
CINE.AR TV:
Jueves 9 y Sábado 11 de septiembre – 20 H

CINE.AR PLAY (gratis 1 semana)

GAUMONT
Cine Gaumont 14.30h, 17.00h, 19,30h

ESPACIOS INCAA
. Cine Municipal. La Plata. 18.00h
. Cine Paramount. Caseros. 18.00h

TRAILER
https://vimeo.com/506596735

MAKING OFF
https://vimeo.com/585978051

Duración: 74 min.
Calificación: ATP

SINOPSIS / Los 50 años pueden ser dorados aunque duelan las rodillas, aunque el aire no sea el mismo o una capa de angustia se instale en un rincón del cerebro. El protagonista reflexiona sobre sus cincuenta, filma una película sobre amores infinitos e indaga con humor existencial acerca de la lucha diaria de vivir.
¿Cómo sostiene una pareja la mirada amorosa durante cincuenta años? Eso se pregunta el protagonista de una película que sigue la tradición de la comedia judía (no solamente) argentina, con un personaje empujado a resolver su neurosis en medio de la crisis de la mediana edad.

Lo más interesante de Dorados 50 es su renuncia al discurso de los vínculos posmodernos, y su entrega desprejuiciada a la humanidad y ternura del amor entre dos personas. Su estructura, en clave de docuficción expositiva, se vuelve a veces reflexiva y siempre emocionante en su afán por entender el amor a través del lenguaje del cine.Fiorella Valente – Catálogo BAFICI 2021

La Fiesta del Ternero

Estreno Viernes 10 de Septiembre

Funciones: Viernes 21 hs. / Vera Vera Teatro -Vera 108-

Entradas: $600 / $500 estudiantes y jubilados

Compra anticipada www.alternativateatral.com

Link directo: http://www.alternativateatral.com/obra71103-la-fiesta-del-ternero

Ficha técnico/ artística:

Actúan: Lucas Delgado (Sergio), Jorgelina Flury (Elvira),Florencia Gallardo (María), Matias Russin (Manuel), Nicolás Vivante (Pedro).

Fotografías: Patito Ferraro

Diseño Gráfico: Melisa Perrotta

Prensa: Valeria Franchi

Asistencia: Enzo Pedroni

Dramaturgia y Dirección: colectiva

Duración del espectáculo: 60 minutos

Redes sociales del espectáculo:

Instagram: @lafiestadelternero

Facebook: La fiesta del ternero

Dúo Dø derriba fronteras en su single «Torii» con un video animado en 3D

Dúo Dø refleja su espíritu de artistas nómades y viajeros en su nuevo sencillo y videoclip «Torii» con destacadas colaboraciones que exceden las fronteras: Daniel Metayer (un MC de USA que aporta su voz), Santiago Moyano (con su flauta japonesa Shakuhachi) y Habib Farhan (artista visual tailandés radicado en Berlín).

Clementine Esquivel y Santiago Reos llevan adelante una nueva forma de vivir, en la que recorren su propio camino por un planeta sin límites geográficos. En esta sensacional aventura, los músicos argentinos utilizan su pasión por la música para conectar con distintas culturas, y formas de pensar la vida.

Es así que «Torii» surge como una excusa ideal para hablar del espiritualismo tomando como base el camino de la vida de un samurái que no cree en las fronteras físicas. Su estilo reúne el indie y lo urbano con sonidos lo-fi y Hip-Hop.

Para darle un cierre perfecto a su relato, «Torii» contó con un videoclip animado en 3D por Habib Farhan en el que plasman el ciclo del samurái: nace, crece, enfrenta su mayor obstáculo, descansa y muere.

Podés escuchar «Torii» ft. Dywrecked & Santiago Moyano en Spotify:
https://open.spotify.com/album/2iyJa5JkJM3Kd51eg8GGZZ?si=Ng_la24eQJek3bobkCfBIQ&dl_branch=1

Mirá el videoclip en 3D:
https://youtu.be/CYv2XZQ2Ofc

Instagram: @duodomusica

ERUCA PRESENTA SU NUEVO SINGLE Y VIDEO “DÍA MIL”

ERUCA presenta el single y videoclip “DÍA MIL” / Disponible en todas las plataformas digitales: LINK MULTIPLATAFORMA «DÍA MIL»

“Valoramos mucho poder seguir haciendo música en esta situación que estamos atravesando, es nuestra forma, más allá de las actitudes personales de colaboración que podamos tener, de ofrecer algo que nace del bien y que nos conecta entre las personas e invita a la reflexión. Todo lo que nos vuelva a conectar en forma sana con el planeta es imprescindible”, en palabras de ERUCA.

La canción es su primer lanzamiento luego del disco “Seremos Primavera” y fue grabada en forma remota entre los integrantes del grupo, con la participación de Carolina Cohen Castillo como invitada en congas.
La mezcla estuvo a cargo de Gabriel Pedernera y el mastering fue realizado por Javier Fracchia.
El videoclip protagonizado por niñxs junto a la banda fue grabado en Exaltación de La Cruz, sobre una idea de Belén Asad quien fue a la vez la directora y cámara del video. El guión fue realizado por Lula Bertoldi y la producción estuvo a cargo de Wolf Credo.

LINK AL VIDEOCLIP DE «DÍA MIL»

LAS RANAS – Una película de Edgardo Castro

ESTRENO: sábado 4 de Septiembre
Proyecciones sábados de septiembre, 20h y domingos 18h
MALBA Cine

Reserva de tickets: https://www.malba.org.ar/las-ranas/

TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=VBzfsmkostg

FESTIVALES Y PREMIOS
VISION DU REEL 2020 – Premier Mundial
FESTIVAL DE 3 CONTINENTS – Competencia Internacional – Mención Especial
35 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA – Competencia Argentina
Mejor película argentina – Mención Especial

FESTIVAL DE CINE DE LIMA – Perú

BLACKCANVAS – México
JEONJU INTERNATIONAL FILM FESTIVAL – Corea del Sur
FICVIÑA – Chile
BAFICI BAL 2018 – Premio Arté

Estreno en Cine Gaumont: LA SESENTA, Crónicas de una lucha obrera: 2 de septiembre

LA SESENTA – Crónicas de una lucha obrera
Una película de Silbando Bembas

ESTRENO COMERCIAL: 2 de SEPTIEMBRE

CINE GAUMONT
Funciones: 15H y 20H
TRAILER: https://vimeo.com/559113007

SINOPSIS / Santiago Menconi trabaja en la línea 60 de colectivos, de la ciudad de Buenos Aires. En septiembre de 2016, su compañero David muere aplastado por un colectivo que estaba reparando, a causa de las precarias condiciones de seguridad en lo hacían trabajar. Los trabajadores de la línea 60 comenzarán la pelea por justicia por lo que ellos consideran que fue un asesinato. En este camino, Santiago y sus compañeros tendrán que buscar en las luchas pasadas las herramientas que otras veces les permitieron plantarse ante un enorme monopolio empresarial: la organización y la lucha. La película es narrada por la voz de Santiago, que lee las crónicas que él mismo escribió durante los días de lucha, y que luego fueron compiladas en el libro “Sesentazo, crónicas de un lockout”.

Ficha Técnica
Dirección y realización integral: Silbando Bembas
Narrador: Santiago Menconi
Adaptación y desarrollo:
Francisco Estrella Gutiérrez
Sebastián Zanzottera
Lucía Casado
Santiago Menconi
Producción:
Lucas da Rocha
Ramiro Jaime

AGENDA DE TEATRO: Chicos Lindos – La noche oscura – Ribetes en tu piel – Las Oceánicas

El Viernes 03 de Septiembre vuelve «Chicos Lindos», la obra de Gabriel Gavila que reflexiona sobre los modelos hegemónicos de belleza y masculinidad existentes. Funciones Viernes 20 hs. Espacio Artístico La Sodería (Vidal 2549). Entradas www.alternativateatral.com

La obra «La noche oscura -tragedia santiagueña-» de Eugenio Soto puede verse los Sábados 19 hs. en el Teatro Del Pueblo (Lavalle 3636). Entradas en www.alternativateatral.com. La obra refiere tragedias y mitos clásicos desde una perspectiva santiagueña y rural, con música en escena de chacareras.

El domingo 05 de septiembre se estrena «Ribetes en tu piel rojos quedaron», la nueva obra que dirige Eloísa Tarruella, con la actuación de María Nydia Ursi Ducó y la dramaturgia de Darío Bonheur. Funciones Domingos 18 hs. Teatro Hasta Trilce (Maza 177). Entradas www.aletrnativateatral.com. La obra cuenta también con música en escena, interpretada por la pianista Florencia Caruso.

El Domingo 05 de Septiembre vuelve «Las Oceánicas» con dirección de Manuela Mendez. Funciones Domingos 19 hs. en el Centro Cultural Morán (Pedro Morán 2147). Entradas www.passline.com. Una obra sobre el despertar sexual de dos amigas adolescentes atravesadas por el universo de Alfonsina Strorni y Alejandra Pizarnik.

ESTRENO | Pulover lanza su single «Claromecó» como adelanto de su disco

Pulover invita a un inolvidable viaje hacia la playa en su nuevo single «Claromecó», canción que presentan como primer adelanto de su próximo disco Vapor americano que editarán en octubre de este año.

«Claromecó» bien podría definirse como una potente canción con impronta garagera y bases rockeras para escuchar desde el caos de la ciudad, mientras proyectamos imágenes alegres de amor entre la arena y el mar.

El arte de tapa de este nuevo sencillo de Pulover hace honor a la idea de escenarios superpuestos (la playa y la ciudad) en los que la realidad se nutre del deseo y viceversa. Por su parte, el videoclip surge de la idea de que la protagonista de la historia de «Claromecó» es nada más y nada menos que una mascota amiga de la banda.

«Claromecó» contó con la producción y la mezcla de José «Peta» D´Agostino (Las Ligas Menores, Bestia Bebé, 107 Faunos), la coproducción de Diego Fosser (Suárez) y el mastering de Patricio Claypole.
Podés escuchar «Claromecó» de Pulover en Spotify:
https://open.spotify.com/track/4nhd6jQVWquaKEYWyQaQQy?si=35e65b6f4dc04db8

Conocé el videoclip de «Claromecó»:
https://www.youtube.com/watch?v=NIXa5hKxoxc

Instagram: @_pulover

Masterclass: LAURA MULVEY:: El tiempo de las mujeres / El tiempo del cine – jueves 16 de septiembre – 14H

El tiempo de las mujeres/ El tiempo del cine:un diálogo entre pasado y presente a través del uso del found-footage y
el material de archivo

Masterclass online abierta para toda Latinoamérica
Actividad arancelada

Inscripciones en:
http://dipra.patrimonioaudiovisual.org

NFORMACIÓN IMPORTANTE
Modalidad: Online
Día y horario:
jueves 16 de septiembre
14:00, Argentina UTC-3

Idioma: inglés con traducción simultánea al español

Roberto Dijo

Estreno Viernes 03 de Septiembre

Viernes 22hs / NoAvestruz – Humboldt 1857 – CABA

Precio de entradas $500 descuento estudiantes y jubilados: $400

Reserva y compra online: www.noavestruz.com.ar/reservas

SINOPSIS – “Una pareja de clase media atraviesa un momento complicado en su relación, cuando aparece Roberto, un personaje de procedencia incierta, imperante, incisivo e inoportuno quien tratará de aconsejarlos influyendo en la resolución de sus conflictos. ¿Quién es? ¿Qué quiere? Mariano y Carla se ven envueltos en una tríada un tanto demencial y tratan de acomodarse o terminar la relación de la peor manera”

«El virus de la violencia» de Marina Wainer con Romina Pinto e Iván Steinhardt. Sábado 4 de septiembre 20.30 hs Patio de Actores

“EL VIRUS DE LA VIOLENCIA” de Marina Wainer, con Romina Pinto e Iván Steinhardt

A partir del sábado 4 de septiembre

Luego de “De tiburones y otras rémoras” y “El mal de la piedra”

La exitosa obra de «EL VACÍO FÉRTIL» COMPAÑÍA TEATRAL REGRESA A PATIO DE ACTORES

Presencial con aforo y protocolos

FICHA ARTÍSTICA
Autor: Marina Wainer | Elenco: Romina Pinto – Iván Steinhardt | Asistencia General: Emilio Zinerón | Escenografía y Vestuario: El Vacío Fértil

**Pilar Ruiz estrena Bailan las almas en llantas en Teatro del Pueblo**

El domingo 5 de septiembre, se estrena Bailan las almas en llantas, escrita y dirigida por Pilar Ruiz. Las funciones serán presenciales los domingos, a las 17 horas, en Teatro del Pueblo, Lavalle 3636. Entradas por Alternativa.

¿Cómo hablar de una realidad sin pertenecer a ella? ¿Cómo no espectacularizar la marginalidad, ni romantizarla y menos criminalizarla? En el cómo, lo poético. En la interseccionalidad de la forma y el contenido, lo político.

Sinopsis
Les pibes en llantas rompen la pista de baile, batallan freestyle y corren a pique por las calles angostas de la ciudad. En esas calles, donde se juega el hambre, las casas del poder negocian con la Ley. Una noche, en la fiesta de la primavera, Valu y Julio bailan una cumbia y ya nada seguirá igual. Sus cuerpos arrojados al deseo, harán posible hasta lo imposible, para torcer sus vidas en desgracia.

Ficha artística-técnica
Actúan: Camila Conte Roberts, Daniel Begino, Federico Martínez, Fran Bert, Jesús Catalino, Joaquín Gallardo, Juan Tupac Soler, Lola Banfi, Matías Méndez, Romina Oslé.
Entrenamiento físico y diseño coreográfico: Andrés Molina
Diseño de vestuario y escenografía: Victoria Chacón
Música original y diseño sonoro: Gastón Poirier

Estreno «Ribetes en tu piel rojos quedaron» dir. Eloísa Tarruella, con María Nydia Ursi Ducó

Funciones:

Domingos 18 hs

Teatro Hasta Trilce -Maza 177-

Entradas: $ 500

Compra anticipada: www.alternativateatral.com

Link directo:https://publico.alternativateatral.com/entradas74665-ribetes-en-tu-piel-rojos-quedaron

Ficha Artística y Técnica

Actúa: María Nydia Ursi Ducó

Música en Escena: Florencia Caruso

Diseño de Escenografía: Sabrina Lopez Hovhabnessian

Realización de Escenografía: Julieta Muro Frangi

21º edición del Festival de Cine Alemán

del 16 al 22 de septiembre en las salas de Cinépolis Recoleta.

+ INFO:
https://www.instagram.com/festivaldecinealeman/
https://www.facebook.com/FestivalCineAleman

CINÉPOLIS Recoleta
www.cinealeman.com.ar

UNDINE, una película de Christian Petzold. Estreno: 23 de Septiembre

ESTRENO COMERCIAL: 23 de Septiembre
Película apertura:21° Festival de Cine Alemán
Proyección privada para prensa
Lunes 13 de septiembre – 10.30h – cinépolis Recoleta

SINOPSISUndine trabaja como historiadora dando conferencias sobre el desarrollo urbano en Berlín. Tras su vida en apariencia estable y organizada –su pequeño departamento en Alexanderplatz, una maestría en historia y un contrato como trabajadora independiente- se oculta una vieja leyenda: si el hombre que ama la traiciona, ella deberá matarlo y volver al agua de donde alguna vez vino.
Cuando su novio Johannes la deja por otra mujer, Undine siente que no tiene opción, pero en medio de su crisis amorosa tiene un explosivo encuentro con Christoph, buzo profesional que conoce en una de sus conferencias. Para no perder este nuevo y feliz amor, Undine deberá enfrentar su destino de una vez por todas.
Un drama contemporáneo cuasi-realista y una fascinante recreación del mito alemán de la ninfa acuática.

TRAILER
https://www.youtube.com/watch?v=0zxFprJt718

FICHA TÉCNICA
Título original: Undine
Año: 2020
Duración: 91 min.
País: Alemania
Dirección: Christian Petzold
Guion: Christian Petzold
Fotografía: Hans Fromm
Empresas productoras:
Coproducción Alemania-Francia; Schramm Film, Les Films du Losange, ZDF, Arte, arte France Cinéma, Canal+, Ciné+
Género: Romance. Drama

Reparto
Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz, Anne Ratte-Polle, Rafael Stachowiak, José Barros, Julia Franz Richter, Gloria Endres de Oliveira, Enno Trebs, Christoph Zrenner

Lorena Vega dirige a Julieta Díaz y Tomás Wicz en «Precoz», de Ariana Harwicz

El jueves 2 de septiembre se estrena Precoz, una obra basada en la novela homónima de Ariana Harwicz, con dirección de Lorena Vega y las actuaciones de Julieta Díaz y Tomás Wicz. Las funciones serán presenciales todos los jueves y viernes de septiembre y octubre, a las 20.30 horas, en Dumont 4040, Santos Dumont 4040. Entradas por Alternativa.

“Detonarse, estallar y después morir. Escribir y después morir. Precoz fue animada por los viñedos de noche, cuando nadie se atrevería a cruzarlos sin una pistola. Precoz fue impulsada por esas corrientes salvajes de agua que se llevan cuerpos y objetos para siempre. Eso es la maternidad en Precoz. ¿Por qué el hijo debe crecer? ¿Por qué el hijo debe partir en scooter y hacerse punk o sátiro o drogadicto? ¿Por qué debe la madre envejecer antes que el hijo? ¿Quién dijo que eso es Ley? Precoz es una visión de muerte en la cocina, de muerte entre las piernas. Y también ese fulminante amor”, Ariana Harwicz.

Sinopsis/ Una madre y su hijo adolescente circulan en una geografía incierta y hostil. Algo de la endogamia entre ellos no cede y es el Estado el que aparece para reclamar a la madre sobre los cuidados al hijo. Pero no los ayudan, no los contienen: solo observan con indiferencia su vínculo intenso. Ellos se debaten entre la ternura y la locura, caminan sobre los márgenes y se relacionan afectivamente con el mundo de un modo torpe y mimético. Casi gemelos, casi enemigos, la madre y el hijo ven sacudido su mundo con la aparición de un hombre que la enamora a ella y a él lo vuelve el cómplice perfecto. Bordeando los límites del amor insano y perfecto, la soledad más absoluta y el desprecio de la sociedad, juntos son dinamita: separados, no son nada.

Ficha artística – técnica

Autora: Ariana Harwicz

Adaptación: Juan Ignacio Fernández

Actúan: Julieta Díaz, Tomás Wicz

Música original: Sebastián Schachtel

Escenografía: Rodrigo González Garillo

Chicos Lindos (Experimento teatral)

Idea, Realización y Dirección: Gabriel Gavila

Reestreno Viernes 03 de Septiembre

«Chicos Lindos» es una experiencia performática que, a través de la mirada de seis actores sobre sí mismos, sus vidas, sus miserias, sus bondades y experiencias, indaga la necesidad de repensar las masculinidades que están aparejadas a las feminidades oprimidas: son dos caras de una misma moneda patriarcal.

Los hombres, dijeron ya muchas figuras lúcidas del pensamiento, son también prisioneros de una imagen que el mundo les exige. En este experimento teatral, chicos de 20 o 30 años diseccionan esos mandatos: la fuerza física, el carácter recio y la belleza hegemónica en el hombre son algunos de los ejes que atraviesa este montaje.

Funciones: Viernes 20 hs.

Espacio Artístico “La Sodería” – Vidal 2549, CABA –

Entradas: $500/ Promo 2x $800

Compra anticipada: www.alternativateatral.com

Link directo: https://publico.alternativateatral.com/entradas35526-chicos-lindos?o=14

El grupo IMPROVISA2 presenta la innovación en…Impro: Fucking Impro

#LaImproCambió // Fucking Impro es un espectaculo del grupo Improvisa2 con dirección general de Iti El Hermoso

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Actúan: Mariana Cumbi Bustinza, Tomas Cutler, Gabriel Gavila
Vestuario: Paula Molina
Escenografía: Carlos Medina
Audiovisuales: Virginia Argento, Marcos Bazterrica
Fotografía: Lucas Nahuel Faria
Diseño gráfico: Addxsso
Asistencia general: Mercedes Hamburg
Prensa: 0KM Prensa
Dirección general: Iti El Hermoso, Grupo Improvisa2
Web: http://www.improvisa2.com
Duración: 65 minutos
Clasificaciones: Humor, Adultos

LA VIRGEN DE LA TOSQUERA, dirigida por Laura Casabé

“LA VIRGEN DE LA TOSQUERA” PARTICIPARÁ DEL
FORO DE COPRODUCCIÓN DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN
EN EL MES DE SEPTIEMBRE.

Mostra Cine y Ajimolido Films (de Argentina) y Caponeto (de México) adaptarán 2 cuentos de la escritora argentina Mariana Enriquez en un largometraje escrito por Benjamín Naishtat (“Rojo”) y dirigido por Laura Casabé.

SINOPSIS – Un verano caluroso, a inicios del nuevo milenio. Natalia, Mariela y Josefina, inseparables amigas desde la secundaria, se enamoran perdidamente de Diego. El idilio se interrumpe cuando Diego conoce a Silvia, una mujer de 26 años sumamente llamativa y particular. Natalia, con ayuda de su abuela Rita, realiza un hechizo contra Diego y Silvia, apelando a macumbas vernáculas. Pero el conjuro no funciona. Esta historia se va escribiendo en los alrededores de la Tosquera, un paraje extraño de un suburbio campestre que Silvia les hace descubrir, donde hay una laguna oculta. Y a medida que el verano avanza, algo empieza a cambiar.

MOACIR Y YO – Un film de Tomás Lipgot

“Quizá hago esta película para despedirme de él, o para tenerlo cerca un tiempo más …”

ESTRENO COMERCIAL: 2 de Septiembre
Cine Gaumont
CINE.AR estrenos
Cine.ar TV (jueves y sábado – 20h)
Espacios INCAA (La plata y Madariaga)+

COMPETENCIA ARGENTINA BAFICI 2021 -Mención Especial Sonido-

TRAILER:
https://www.youtube.com/watch?v=wD5oYmTdIXg

TARARÁ – LA HISTORIA DE CHERNOBIL EN CUBA

ÓPERA PRIMA DOCUMENTAL DE ERNESTO FONTAN

Declarada de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación

ESTRENO 2 DE SEPTIEMBRE

FICHA TÉCNICA

Nombre original: «TARARÁ»
Duración: 70 min.
Idioma: Español
Color / DCP
País: Argentina
Año: 2021

SINOPSIS
Miles de niños afectados por la explosión de la central nuclear de Chernobil llegan a la ciudad de Tarará en Cuba, donde se organiza un programa de recuperación integral para las víctimas.
A través del relato de sus protagonistas reconstruimos una historia solidaria y apasionante.

ENTREVISTADOS

Silvio Rodríguez
Aleida Guevara
Roberto Fernández Retamar
Ignacio Ramonet
Atilio Borón
Ramón Labañino
Gerardo Hernández

Agosto 2021

PERPETUO

Martes 24 de agosto GRATIS en CineAR

UN CORTOMETRAJE DE TOMÁS BALIÑA

Martes 24 de agosto, en la plataforma CINE.AR play estrena el cortometraje PERPETUO, con acceso gratuito.

El canal se puede ver en forma gratuita por el canal 22.4 de la plataforma Televisión Digital Abierta (TDA). También por Direct TV (canal 512), Cablevisión (canal 40/299), Telecentro (canal 33/400) y diferentes cables en todo el país.

SINTESIS ARGUMENTAL Un ser inmortal vaga por una tierra desolada, intentando entender por qué fue condenado con la imposibilidad de morir mientras es perseguido por recuerdos y lo que él espera que sea la muerte.

FICHA TÉCNICA Drama, Ciencia Ficción
Corto
Duración: 13 minutos
Dur DIRECTOR: Tomás Baliña
PROTAGONISTAS: Cesar BaliñaGUIÓN: Tomás Baliña
MONTAJE: Tomás Baliña
PRODUCTOR: Tomás Baliña
MÚSICA: Eduardo Sánchez

DIDO Y ENEAS

Algo pocas veces visto, una ópera que tiene lista de espera para sus funciones, ¿qué ofrece en escena esta compañía?

Última función:

domingo 22 de agosto a las 19 hs.

TEATRO EMPIRE
Hipólito Yrigoyen 1934 – CABA

Venta anticipada de entradas: $900

Tel: 4953 8254 de 16 a 21 hs

boletería.empire@gmail.com o por Alternativa Teatral.

NUEVA TEMPORADA EN CANAL ENCUENTROCERO DRAMA

ESTRENO VIERNES 6 DE AGOSTO A LAS 19 HS POR CANAL ENCUENTRO

En medio de la pandemia, el profesor de teatro Esteban Parola y el elenco inclusivo de Cero drama se vieron en una gran encrucijada. El teatro, a nivel mundial, fue una de las actividades más golpeadas por la coyuntura. Entonces, ¿cómo seguir con su formación y práctica actoral? Luego de un primer momento de desconcierto, decidieron usar de manera creativa las únicas herramientas de las que disponían: las plataformas de videollamadas, los cuerpos, las voces y los textos. Apoyándose en la tecnología como herramienta y de manera virtual, decidieron continuar y darles forma a cuatro pequeñas historias con cuatro técnicas diferentes: cortometraje, improvisación, monólogo y radioteatro. En esta tercera temporada, Cero drama. Desde casa, Esteban Parola guiará a los actores y actrices frente a un gran desafío, quizás el mayor de su formación: la actuación frente a cámara en videollamadas.

Los hermanos afro, una miniserie de Wisny Dorce

Ya está disponible en la plataforma cont.ar, online, gratis y para todo el país, la miniserie Los hermanos afro. Se trata de 11 capítulos de 15 minutos cada uno. El equipo técnico y elenco de 84 personas, está conformado por un 95% de afrodescencientes. La miniserie está rodada locaciones de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, entre ellas tribunales

Elenco

FÈLIX ZEGARRA BORLANDO – CECILIA DANIELA CÁCERES
Con participación Especial :
ÁLISHA ALVAREZ / MASSAMBA SEYE / YOSY MACHADO .

Ficha Técnica

GUIÓN / DIRECCIÓN / PRODUCCIÓN: WISNY DORCE
MONTAJE Y COLOR : EMILIANO TORRES
DIRECCIÓN DE ARTE: JOSEFINA GARCIA BRUNORI
DIRECCIÓN DE MAKE UP: VIVIANA HERNÁNDEZ
DIRECCIÓN DE VESTUARIO: VERÓNICA TORRES
DIRECCIÓN DE SONIDO: EZEQUIEL PEREZ

LOS HERMANOS AFRO, click acá: https://www.cont.ar/

TRAILER https://www.youtube.com/watch?v=Q2zLXlLp4Rw

Locomotor, el primer EP de Locomotora Cósmica

El mismo está disponible en Spotify, YouTube y en todas las plataformas digitales.

Locomotora Cósmica es una banda de rock power que surge el 30 de marzo de 2019 en Parque Avellaneda durante el recital homenaje a Leo Padilla, ex cantante de No Tan Distintos. La banda nace en un momento expresivo, necesario, natural y, tal como su nombre lo indica, cósmico. Así arranca este viaje en el que se espera transitar un recorrido incierto, pero inevitablemente, feliz.

INTEGRANTES Lucio Álvarez (voz y guitarra) Jorge “Pinola” Alfonso (batería) Damián Indio (guitarra) El “Teky” (bajo y voz)

REDES SOCIALES FB: locomotoracosmicarock IG: @locomotora_cosmica YB: Locomotora Cósmica

CANCIONES – Kacike Paranoia Río Areco Locomotor

Codec presenta «Lapsus» como segundo adelanto de su disco

Codec estrena «Lapsus» como segundo y último adelanto de su próximo disco. A diferencia de su anterior sencillo, «Metrópolis», la banda ahora propone otro estilo sonoro que termina por mostrar una nueva variedad musical del álbum que lanzarán en octubre de este año.

La temática de la canción toma sus bases de una tradición de la literatura rusa, la delhombre pequeño. También, absorbe influencias de «Go to sleep (Little Man Being Erased)» de Radiohead y «The Eraser» de Thom Yorke. Es así que su letra reflexiona sobre el conflicto entre el individuo en búsqueda de su autonomía y el poder autoritario que intenta controlarlo.

«Lapsus» se presenta como una canción más reflexiva y melódica con un piano que ocupa el lugar central. “Por más que quieras no me vas a borrar», lanza una de las frases del single y se plasma en el arte de tapa, que extiende la idea de ciudad caótica, destruida y revolucionaria de «Metrópolis».

Escuchá “Lapsus” en Spotify:
https://open.spotify.com/album/2QcRYP8nNnQdxRbvVZiNS1

Sincronizados presenta Mutant3

El próximo viernes 20 de agosto, Sincronizados presenta Mutant3, tercer disco del proyecto integrado por los hermanos Ariel y Belén Giordano.

Este material es el resultado de la transformación musical y estética constante de la banda, tanto en lo sonoro como en su concepto general. Con una fuerte apuesta en una nueva faceta electrónica, sonidos análogos se convierten en digitales pero conviven con la esencia funk, género que representó sus dos discos anteriores.

A partir de una mutación casi obligada por las restricciones de la pandemia, el proyecto se volcó a explorar otras posibilidades sonoras con la colaboración de muchos amigos y colegas del ambiente musical y con los dos hermanos liderando voces y ejecutando instrumentos orgánicos y samplers.

Sobre “Mutant3” dice Belén “los temas son como un viaje interior psicodélico de imágenes y sonidos diferentes, donde determinados personajes viven sus propias experiencias, cada una con su tinte”.

SINCRONIZADOS

Música, letras, voces, teclas, bajo:
BELÉN GIORDANO
ARIEL GIORDANO

Producido por ARIEL GIORDANO
Grabado en SINDICATO DE MANIJAS
Mezclado y masterizado por CANA SAN MARTIN (ASTOR MASTERING)
Arte de tapa: CHICHI ROJAS

Ignacio Bartolone estrena «La obra pública» en Espacio Callejón

Estreno lunes 23 de agosto
Lunes a las 20.30 horas
Espacio Callejón – Humahuaca 3759 – CABA
Localidades: $700 – Estudiantes y jubilados: $600
Duración: 60 minutos
Hasta el lunes 18 de octubre

Ficha artística-técnica

Con: Julián Cabrera, Franco Calluso

Música original y diseño sonoro: Franco Calluso

Diseño de movimiento: Florencia Vecino

Diseño de vestuario: Merlina Molina Castaño

Dirección de arte: Merlina Molina Castaño, Jorge Sesán

Diseño de iluminación: Del Bianco Estudio

Producción audiovisual y fotografía: Lucera TV

Participación en video: Valeria López Muñoz, Alix Cobelo

Diseño gráfico: Leo Balistieri

Prensa y difusión: Marisol Cambre

Producción ejecutiva: Joaquín Sesma

Producción general: Malena Schnitzer

Asistencia de dirección: Victoria Béhèran

Dramaturgia: Ignacio Bartolone, Juan Laxagueborde

Dirección: Ignacio Bartolone

Homenaje a García Lorca a 85 años de su desaparición física.

El próximo miércoles 18 de agosto, Canal Encuentro estrena el cortometraje MATARON AL POETA, con motivo de cumplirse el aniversario número 85 de la detención de Federico García Lorca por las fuerzas del franquismo. Al día de hoy siguen sin encontrarse los restos del poeta. El cortometraje se emitirá al finalizar la película Bailar la sangre (versión libre de Bodas de Sangre, de Lorca), también del mismo autor / director, en co-dirección con Eloísa Tarruella.

Señales argentinas: TDT Canal 22.1 (SD) Canal 22.31 (Móvil) | DirecTV Canal 126 (SD) Canal 1750 (HD) | Cablevisión Canal 64 (Analógico) Canal 22 (Digital/HD) | Telecentro Canal 23 (Digital/HD) | Telered Canal 15 | Supercanal Canal 16 (Analógico) Canal 21 (Digital/HD) Youtube: Canal Encuentro (en simultáneo) Cont.ar: Canal Encuentro (en simultáneo)

ESTRENO NACIONAL EN ENCUENTRO // MIÉRCOLES 18 DE AGOSTO
Horarios: 20.30 hs. // Bailar la Sangre (Martínez Cantó / Tarruella – 2019) 21.40 hs. // Mataron al Poeta – ESTRENO (Martínez Cantó – 2021)

SINTESIS ARGUMENTAL :
Federico García Lorca entra a una casa abandonada. ¿Está dormido o despierto? ¿Dónde se encuentra? ¿Es esa casa España, Granada o la Segunda República? Con andar cansino, busca. Y la encuentra a ELLA ¿Quién es? ¿Un personaje de sus obras? ¿Su poesía? ¿O será acaso su muerte precipitada?

FICHA TÉCNICA:
Género: Video Arte – Video Danza
Francisco Lumerman como Federico García Lorca
Mariela Moreno Pazos como ELLA
Recitado, composición musical y canto: María de los Ángeles «Chiqui» Ledesma.
Poesías de FEDERICO GARCÍA LORCA:
«CASIDA DEL LLANTO»
«POEMA DE LA SIGURIYA GITANA: LA GUITARRA»
«ROMANCE DE LA LUNA, LUNA»
Producido por PAIMUN CINE / SIGIL – Comunicación y Sociedad
Guión y dirección: Gato Martínez Cantó
Dirección de Fotografía y Cámara: Emiliano Penelas
Cámara: Roberto Persano
Gaffer y Asistencia de Cámara: Dario Longobucco
Vestuario y maquillaje: Mariana Pierantoni
Coreografía: Mariela Moreno Pazos
Montaje: Pablo Gonzalo Pérez
Dirección de Sonido: Lucho Corti
Animación apertura y placas finales): Maxi Bearzi
Corrección Color: Patricia Batlle
Duración: 7 minutos.
Difusión: Garbo Prensa

TEATRO / SUSAY

Sinopsis / Gringuita espera a Suyay en el establo a la hora de la siesta. Hoy, ya no es como ayer. Los días de Suyay no son los mismos, desde que cambiaron algunas cosas en su cuerpo y en su hogar. Gringuita espera, la siesta avanza y el calor también.

Ficha artística-técnica
Actuación: Agustina Groba
Música original: Luciana Morelli
Fotografía y video: Francisco Castro Pizzo
Diseño gráfico: @serhumanodibuja
Producción ejecutiva: Poética Resiliencia
Prensa: Marisol Cambre
Asistencia de dirección: Julia Odelli Craig
Dramaturgia y dirección: Pilar Ruiz

Desde el sábado 7 de agosto a las 22.30 h
Espacio Callejón – Humahuaca 3759 – CABA
Entradas por Alternativa teatral: click
Localidades: $700 – Estudiantes y jubilados: $600
Instagram: click – Material fotográfico y trailer: click
Duración: 50 minutos

Hasta el sábado 28 de agosto / El aforo es reducido y con distancia entre espectadores, que deben permanecer durante toda la función con barbijo

TEATRO / Marcelo Savignone presenta Cuerpo y Vivo en el marco de los 20 años de Belisario

Desde el sábado 7 de agosto en Belisario

Belisario cumple 20 años y vuelve a abrir las puertas con funciones presenciales de Cuerpo y de Vivo, de y con Marcelo Savignone. A partir del próximo sábado 7 de agosto, a las 20 y a las 21.45 horas, Avenida Corrientes 1624. Entradas por Alternativa teatral.

Cuerpo es una indagación escénica sobre la filosofía práctica de Spinoza. Un cuerpo que se mueve y acciona atravesado por pasiones y afectos, deja de lado el bien y el mal y se introduce en lo que es bueno o malo para sí. La sombra de un cuerpo que padece en contraposición a uno que acciona. Cuerpo, espacio vacío, luz conforman este dispositivo para la des/composición de relaciones en escena.

Vivo es un espectáculo experimental de improvisación, donde se postula la multiplicidad de la escena como factor determinante de la construcción, el intérprete despojado de todo artificio lleva la actuación a sus estados más primitivos y carnales.

Cuerpo sábado a las 20 horas
Vivo sábado 21.45 horas

Teatro Belisario – Corrientes 1624 – CABA
Entradas por Alternativa teatral
Cuerpo Vivo

Localidades: $600 – Estudiantes y jubilados: $500
Duración de cada obra: 60 minutos

Hasta el 25 de septiembre

Música / MARINA FAGES

EN THE ROXY – VIERNES 6 DE AGOSTO

El 6 de agosto a las 20 hs., Marina Fages vuelve a los escenarios en formato eléctrico con banda después de la cuarentena. El show será en The Roxy (Av. Cnel. Niceto Vega 5542 – CABA), y las entradas se encuentran a la venta en livepass.com.ar

La acompañan en el escenario LAS EPICS, una full band compuesta por Julia Arbós (guitarra), Clara Rodríguez (bajo), Luchi Rodriguez (guitarra), Maca Zalazar (teclados) y Cecilia Grammatico (batería).

Marina Fages presentó recientemente “Canción de Flora”. Un anticipo de su próximo disco en el que tiene a cargo, no solo de la composición de letra y música, sino también la producción artística del material completo.

Marina Fages – VIVO EN PIYAMA: https://www.youtube.com/watch?v=KhRkda3iaRo

Más información en: www.facebook.com/SieteArtesPrensa

Cine/ DE LA NOCHE A LA MAÑANA Una película de Manuel Ferrari

ESTRENO HÍBRIDO: 5 de agosto

MALBA
https://www.malba.org.ar/estreno-de-la-noche-a-la-manana/

Cineclub Municipal Hugo del Carril
https://cineclubmunicipal.org.ar/

Espacios INCAA de El Palomar, Quilmes, Trenque Lauquen y Villa María
http://www.incaa.gov.ar/programacion-espacios-incaa

resto del país
https://play.puentesdecine.com.ar/

CINE / LA FUNERARIA

ESTRENO 5 DE AGOSTO

CINE GAUMONT (CABA)
DEL 05 AL 11 DE AGOSTO
16:00 / 19:00

CINE.AR TV
JUEVES 05 DE AGOSTO A LAS 22HS
SÁBADO 07 DE AGOSTO A LAS 22HS

CINE.AR ESTRENOS
DEL 05 AL 12 DE AGOSTO

CINE SELECT (LA PLATA)
DEL 05 AL 10 DE AGOSTO
18:00

CINE PARAMOUNT (CASEROS)
AGOSTO 5, 6, 8, 10
19:00

LA FUNERARIA se estrena en Argentina en Julio, después de su reciente estreno en 500 salas de Rusia, y en la plataforma de cine de terror Shudder. Ha sido vista en varios países, y la crítica la cataloga como cercana a cintas de renombre en el cine de terror como Poltergeist (1982), Insidious (2010) y Hereditary (2018).
También estrenada en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda, y con próximo estreno en Japón y Medio Oriente, su llegada a las salas de cine en Argentina, es un plan imperdible para los fans del cine de terror.

SINOPSIS / El negocio de Bernardo, una funeraria, funciona en la parte de adelante de su casa. Su familia disfuncional convive con ataúdes, coronas y padecen a diario extrañas presencias, que atribuyen al negocio mortuorio. Frenar este angustioso tormento será su misión, y una verdad aterradora saldrá a la luz.

Último avance
https://youtu.be/fLs8RyGZmDU

TEATRO / I-CHING

Catalina Piotti es guionista, dramaturga y actriz. Formada en teatro con grandes maestros como Julio Chávez, Soledad Villamil, Bernardo Cappa, entre otros, y graduada en guión de cine y televisión en UCLA, Los Ángeles, California. Su nueva creación es una historia en la cual la teatralidad y el cine coexisten y se retroalimentan constantemente.

Funciones presenciales:

Domingos 20:30 hs

Teatro Border – Godoy Cruz 1838 –

Entradas: $600

Compra anticipada: www.alternativateatral.com

Link directo:http://publico.alternativateatral.com/localidades.asp?id=74967

CINE/ EN EL NOMBRE DEL LITIO

Una película de Tian Cartier y Martin Longo
ESTRENO: 1 DE AGOSTO (Día de la Pachamama)

La película podrá verse desde la web

www.enelnombredellitio.org.aronline y gratis del 1 al 9 de Agosto

TRAILER: https://vimeo.com/571956638/539cceced4

CINE / #CINE MORÁN: “Invierno independiente”

ONLINE Y GRATUITO
del 11 de agosto al 11 de septiembre
1 mes, 10 películas

LINK DE ACCESO: https://www.culturalmoran.com
REEL DIFUSIÓN:https://vimeo.com/578886165

Más info en:
https://www.instagram.com/culturalmoran/
https://twitter.com/culturalMORAN
https://www.facebook.com/culturalMORAN

TEATRO / Distancia omitida

Idea original y dramaturgia Débora Astrosky

Dirección – Cristina Velázquez

Funciones por streaming en vivo:

Sábados de Agosto 22 hs por Youtube

Entradas: www.alternativateatral.com

Gorra virtual entre $500 a $1000

Link directo: http://www.alternativateatral.com/obra75127-distancia-omitida

Más información acerca de la obra: https://revistasieteartes.com/category/en-escena/

MÚSICA / MARIANA MAZÚ OBTUVO EL PREMIO GARDEL 2021 POR SU DISCO “LA BELLA INDIFERENCIA” Y ANUNCIA SHOW EN VIVO

PRÓXIMO SHOW: Domingo 15 de agosto (lunes feriado) – 20 hs.

Rondeman Abasto – Lavalle 3177 – Caba / Entradas a la venta a través de Tuentrada.com (capacidad limitada, y todos los protocolos vigentes)

En una noche de celebración, Mariana Mazú, reciente ganadora del Premio Gardel a ‘Mejor Álbum de Tango’ por su disco «La Bella Indiferencia» presentará las canciones de éste, su primer álbum, producido por el reconocido músico argentino Acho Estol. La cantante y psicóloga será acompañada por músicos e invitados de primer nivel en un show en el que interpretará versiones propias de canciones que la acompañaron durante toda su vida con un estilo versátil, fresco y un gran sentido del humor. Los músicos que la acompañarán son Noelia Sinkunas en piano, Alejandro Montaldo en bandoneón, Agustin Barbieri en percusión, Mateo Castiello en guitarra, y como invitados especiales contará con Joaquín Canji, Morena Canji y Cucuza Castiello. La dirección artística del show estará a cargo de Acho Estol.

Julio 2021

CINE / LA SESENTA – Crónicas de una lucha obrera
una película de Silbando Bembas

ESTRENO COMERCIAL: 22 de JULIO / CINE.AR ESTRENOS
TRAILER: https://vimeo.com/559113007

SINOPSIS: Santiago Menconi trabaja en la línea 60 de colectivos, de la ciudad de Buenos Aires. En septiembre de 2016, su compañero David muere aplastado por un colectivo que estaba reparando, a causa de las precarias condiciones de seguridad en lo hacían trabajar. Los trabajadores de la línea 60 comenzarán la pelea por justicia por lo que ellos consideran que fue un asesinato. En este camino, Santiago y sus compañeros tendrán que buscar en las luchas pasadas las herramientas que otras veces les permitieron plantarse ante un enorme monopolio empresarial: la organización y la lucha. La película es narrada por la voz de Santiago, que lee las crónicas que él mismo escribió durante los días de lucha, y que luego fueron compiladas en el libro “Sesentazo; crónicas de un lockout”.

Calificación: SAM 13 AÑOS
Duración: 100 MIN.
Año: 2021

CINE / **FUNCIONES PRESENCIALES** FESTIVAL DE CINE FRANCÉS “Entre-Nous”

Cine Atlas Patio Bullrich — Del 14 al 17 de julio —

En un contexto en constante transformación y ante la posibilidad de volver a las salas, el festival de cine francés ENTRE-NOUS seleccionó para Argentina cinco preestrenos que serán proyectados en la sala ATLAS PATIO BULLRICH. De esta manera, siguiendo todos los protocolos de reserva previa y de seguridad que estén en vigor a la fecha de la proyección, podremos encontrarnos nuevamente viviendo el cine francés en pantalla grande.

El festival de cine francés ENTRE-NOUS está presentado por el Institut français d’Argentine junto a al Institut français du Chili, la Alianza francesa en Paraguay y la Alianza francesa en Uruguay.

Más info en:

https://www.facebook.com/EmbajadaFranciaArgentina/

https://twitter.com/IFArgentine

https://www.instagram.com/if_argentine/

CINE / LA VERDAD (La vérité) – Una película del director de SOMOS UNA FAMILIA (Shoplifters), KORE-EDA HIROKAZU

ESTRENO COMERCIAL: 8 DE JULIO

TRAILER: https://youtu.be/GbsKwCicQoE

SINOPSIS: Fabienne (Catherine Deneuve) es una estrella de cine que reina entre hombres que la aman y admiran. Cuando publica sus memorias, su hija Lumir (Juliette Binoche) regresa de Nueva York a París con su marido (Ethan Hawke) y su pequeña hija. Pero el reencuentro entre madre e hija se transformará rápidamente en confrontación: se contarán verdades, se saldarán cuentas pendientes y se confesarán amores y resentimientos.

Tras ganar la Palma de Oro en 2018 y ser nominado al Oscar por Somos una familia (Shoplifters), Kore-eda Hirokazu filmó por primera vez con un elenco estelar esta película que fue aclamada por la crítica internacional desde su estreno mundial como apertura del Festival de Venecia:

“Un cálido y emocionante retrato familiar con la sensibilidad e inteligencia que sólo un maestro puede alcanzar”. IndieWire

“Una película de gran ingenio, confianza y entusiasmo”. Variety

«Kore-eda demuestra su capacidad para captar las complejidades de la condición humana y Catherine Deneuve está en lo más alto de su carrera”. Times
“Kore-eda sorprende con un tratado iluminado sobre el tiempo, el arte y la belleza. También enamora en francés”. El Mundo

Desde el primer hasta el último plano es una película inteligente, segura de sí misma y con diálogos brillantes. The Hollywood Reporter

CINE / LLEGA A LOS CINES EL ESTRENO MÁS ESPERADO: LA PELÍCULA DE TERROR ARGENTINA «LA FUNERARIA«

Dirigida por Mauro Iván Ojeda

LA FUNERARIA se estrena en Argentina en Julio, después de su reciente estreno en 500 salas de Rusia, y en la plataforma de cine de terror Shudder. Ha sido vista en varios países, y la crítica la cataloga como cercana a cintas de renombre en el cine de terror como Poltergeist (1982), Insidious (2010) y Hereditary (2018). También estrenada en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda, y con próximo estreno en Japón y Medio Oriente, su llegada a las salas de cine en Argentina, es un plan imperdible para los fans del cine de terror.

TRAILER – https://youtu.be/zHQsD4o2mUY

INFO + REDES / WEB: https://www.deltorofilms.com.ar/thefuneralhome

Más información en: www.facebook.com/SieteArtesPrensa

ESTRENO COMERCIAL: 1 de JULIO 2021

A PARTIR DEL 5 DE AGOSTO, DISPONIBLE EN: CINE.AR ESTRENOS, CINE GAUMONT Y ESPACIOS INCAA

TEATRO / ESTRENO: CON ESTE CUERPO EN ESTE MUNDO

Una producción de la Compañía cuerpoequipaje

Funciones ON LINE
Domingos: 4 (ESTRENO), 11 y 18 de julio a las 12 hs. y 19hs.
Entrada: Gorra virtual por Alternativa
CONVERSATORIO INTERNACIONAL
Domingo 4 de julio a las 20h
Participantes: directora, elenco y equipo creativo del proyecto.
Coordina: Dra. Natalia Muriel Lopez Gallucci, Universidad Federal de Cariri, Brasil

Agenda Cultural – Junio 2021

MÚSICA / Cosquín Rock #TBT

Datos históricos, recuerdos y postales del encuentro rockero más federal de Argentina vía streaming para todo el mundo!

Llega COSQUIN ROCK #TBT HISTORIAS ONSTAGE, bajo la producción de Blue Team y Enjoy Live Estudio.

Se llevarán a cabo 4 emisiones vía streaming en vivo para todo el mundo que verán la luz, a razón de una por mes, durante junio, julio, agosto y septiembre. El primer episodio será emitido el sábado 26 de junio y el segundo el sábado 24 de julio, siempre en el horario de las 19:00 hs (hora argentina).

Entereate como participar en: https://www.facebook.com/SieteArtesPrensa

TEATRO / Diarios del hambre

Iván Moschner lee y canta. Un proyecto de Fabián Díaz e Iván Moschner

Estreno Domingo 20 de Junio

Teatro UaiFai: (http://www.teatrouaifai.com/)
Reservas: http://www.teatrouaifai.com/
Entradas: $400

Ficha técnico/ artística

Actuación: Iván Moschner

Producción: Gabo Baigorria

Prensa: Valeria Franchi

Dramaturgia y Dirección: Fabián Díaz

Duración del espectáculo: 50 minutos

Redes sociales: IG @diariosdelhambre

4 Únicas funciones. Streaming en vivo

CINE / CINE DE LO REAL SEGÚN PABLO REYERO

📌 Martes 15 Junio 20 hs

Encuentro/Debate por zoom con Pablo Reyero.

Director, guionista y productor de cine argentino.

El Departamento de Cultura de ATE Nacional, el Leopoldo Cineclub y el Espacio Cultural Leopoldo González ATE te invitan a visionar y debatir sobre la filmografía documental de Pablo Reyero para pensar desde ahí el cine como acercamiento a lo real.

📧Inscripción enviando mail aelleopoldo.cineclub@gmail.com

Con el Apoyo Extraordinario «Cultura Solidaria» del Ministerio de Cultura de la Nación

CINE / CHICO VENTANA TAMBIÉN QUISIERA TENER UN SUBMARINO
ÓPERA PRIMA DE ALEX PIPERNO

Luego de su premiere internacional en la Berlinale, su paso por el Moma y los Festivales de La Habana, Biarritz y Mar del Plata entre otros, el film “Chico ventana tambiénquisiera tener unsubmarino”, ópera prima del director uruguayo Alex Piperno, llega a las pantallas argentinas el jueves 10 de junio.

Más información en: https://www.facebook.com/SieteArtesPrensa

SINOPSIS/ En un crucero que recorre las costas patagónicas, un marinero descubre un portal mágico que conduce al departamento de una mujer en Montevideo. Mientras tanto, un grupo de campesinos se topan con una aterradora cabaña de concreto cerca de su pueblo en Filipinas. Dos historias se entretejen en un laberinto cinematográfico en donde las personas se encuentran y se pierden a sí mismas. En algún lugar entre las oscuras salas de máquinas y las salas de estar de clase media, entre el mar y la jungla, las personas se observan con curiosidad, escepticismo y ansiedad.

FICHA TÉCNICA

Nombre original: «Chico ventana también quisiera tener un submarino»
Duración: 85 min.
Idioma: Español / Tuwali
Color / DCP
Países: Uruguay, Argentina, Brasil, Holanda, Filipinas

TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=2FMgzBvzNAA

CINE / CONVALECIENTE – ÓPERA PRIMA DE MATÍAS DE LEIS CORREA

ESTRENO 10 DE JUNIO: comienza el recorrido nacional en salas el film “Convaleciente”, ópera prima de Matías De Leis Correa protagonizada por Marisol Otero, Sebastián Sinnott, Graciela Muñoz y elenco.

SINOPSIS – Catalina organiza el festejo por los 70 años de su madre, Nilda, quien sufre de Alzheimer y carece de movilidad propia. Catalina vive con ella y su hijo Emanuel, dedica gran parte de su tiempo a acompañar y asistir a Nilda, pero la enfermedad de su madre deteriora su estabilidad emocional. Ese día, distintos familiares y amistades visitan a Nilda, mientras Catalina hace de anfitriona de un cumpleaños fragmentado y adaptado a las conveniencias. Tras una jornada de encuentros y desencuentros, regresará Walter, su hermano.

FICHA TÉCNICA

Nombre original: «Convaleciente»
Duración: 108 min.
Idioma: Español
Color / DCP
País: Argentina

TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=ftqbeUZ5heY

LLEGA UNA NUEVA EDICIÓN DEL PRIMER FESTIVAL DE LA CANCIÓN PARA PREMIAR A LOS MÚSICOS INDEPENDIENTES DE TODO EL PAÍS

Con el objetivo de continuar desarrollando y estimulando la música popular de nuestra tierra, el Primer Festival de la Canción Argentina llevará a cabo su tercera edición ininterrumpida. Un encuentro cultural donde todos/as los/as artistas que residan a lo largo y ancho de nuestro territorio, tendrán la oportunidad de dar a conocer su obra, la cual será evaluada por los principales representantes de la industria.
Las inscripciones ya están abiertas y para participar del certamen, todos los autores, compositores e intérpretes a nivel nacional, deberán enviar una canción inédita (la misma deberá estar previamente registrada en SADAIC) a http://www.festivalargentina.com. El plazo para hacerlo concluye el 25 de agosto y podrán hacerlo dentro de las siguientes categorías: Rock, Pop, Tango, Folklore, Latino, música urbana y Electrónica.
Para más información: www.festivalargentina.com

LETRAS / 3er CERTAMEN LITERARIO BINACIONAL OSVALDO BAYER 2021 – ARGENTINA-CHILE / «LUCHAS DE AYER Y DE HOY»

A los 100 años de los fusilamientos patagónicos
El Departamento de Cultura de ATE NACIONAL, CTA-A Ediciones y
Editorial De La Comarca, convocan: Viernes 4 de junio 17 hs – Argentina / 16 hs – Chile.
Será una edición binacional, entre Argentina y Chile, en el marco de los 100 años de los fusilamientos patagónicos y tendrá como integrante del jurado a la escritora argentina Claudia Piñeiro.

Link de acceso: https://www.youtube.com/canalabierto
Más información en: www.facebook.com/SieteArtesPrensa

LETRAS / Recital poético en homenaje al 123 aniversario del natalicio de Federico García Lorca. Por Carlos Javier Jarquín

Este sábado 5 de junio el legendario escritor y poeta español Federico García Lorca, estará cumpliendo 123 años, en homenaje al aniversario de su natalicio el panameño Edwin Chacón, escritor, poeta, editor y director del sitio web literario Panamá Poético, ha tenido la iniciativa de realizar distintas actividades que dieron inicio el 31 de mayo y finalizan el 5 de junio.

Entre estas actividades destaca el recital poético que se realizará vía zoom este viernes 4 de junio de 7: 00 p.m. a 9:00. pm hora de Panamá, también se trasmitirá en vivo por el canal de Youtube de Panamá Poético. A este evento asistirán escritores y poetas nacionales e internacionales, para conocerlos y registrarse como oyente puede seguir este enlace.

CINE / SALIR DE PUTA / STREET OUT – FESTIVAL DE ANKARA EN TURQUÍA

Estreno Mundial en Turquía 24° Festival Internacional de cine de mujeres Flying Broom Miércoles 2 de junio 14:30 hs Argentina / 20:30 hs Turquía Duración: 100 minutos (1h40m) LINK para comprar entradas https://www.festivalscope.com/film/sokaklara-street-out/

SINOPSIS – Un relato coral de mujeres que ejercen o ejercieron la prostitución le pone el cuerpo al debate en el movimiento de mujeres y el feminismo sobre abolicionismo y reglamentarismo, a través de sus historias de vida, deseos y convicciones.

FICHA TÉCNICA

Título: Salir de Puta / Street Out
Dirección: Sofía Rocha
País: Argentina
Año: 2021
Duración: 1h40min
Género: Documental
Producción: Sofía Rocha, Sofía De Luca, Belén Nuñez, Juan Ignacio Tamagno, Victoria Mathé Leitner
Protagonistas: Graciela Collantes, Georgina Orellano, Delia Escudilla, Margarita Meira, Laura Meza, Natalia Mitre, Eneide Ruiz, Valeria Salum.

TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=ROSS_CNBljg

Agenda Cultural – Mayo 2021

CINE / RETROSPECTIVA Fernando Musa

DESDE EL VIERNES 28 DE MAYO
durante 1 mes – Octubre TV

GRATIS – REGISTRO PREVIO CON DOS CLICKS ACÁ

Programa: FUGA DE CEREBROS (1998), NS/NC (2002), CHICHE BOMBÓN (2004), EL GRITO EN LA SANGRE (2014)

CINE / 19º Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos – FICDH

Workshop “El proceso de creación de una película documental” dictado por Javier Corcuera Andrino

El taller desarrolla todas y cada una de las etapas que son necesarias en la construcción de una película documental. Para ello Javier Corcuera proyectará una de sus películas en cada clase, lo que le permitirá explicar las soluciones técnicas, autorales o narrativas que utilizó, así como las que desechó.

Este taller ha sido diseñado como una reflexión rigurosa que tiene especial interés para conocer los procesos de creación de un documental.

Modalidad: Virtual. Actividad libre y gratuita con inscripción previa.
Fechas: viernes 28, sábado 29 y domingo 30 de mayo.
Horario: 16 hs a 19.30 hs
Argentina Time (ART) -0300 UTC
Inscripciones: https://rebrand.ly/WorkshopDocumental

19º Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos – FICDH

Encuentro: Expresiones de la diáspora africana

Presentación de la performance “Celebrar la existencia” de Colectivo Kukily

Hablar de diáspora es hablar de desplazamientos involuntarios y forzados. La diáspora africana se produjo hacia distintas partes del mundo y sigue sucediéndose al día de hoy con muchísimas olas migratorias y personas refugiadas.

La historia de América Latina es también la historia de la diáspora africana marcada por la discriminación, el racismo, la estigmatización y la exclusión. Sin embargo, la cultura afroamericana es movimiento, cuerpo, voz, color y lucha ¿Cómo se construye identidad desde estos orígenes? ¿Cuáles son las expresiones y representaciones de la cultura e identidades afro en los “nuevos” territorios? Otras historias deben escribirse, recuperando voces, imágenes, herencia cultural, social y religiosa e identidades.

Invitadxs especiales:

Emanuel Ntaka: Coordinador Programa Cultura Afro del Ministerio de Cultura de la Nación Argentina, músico, productor, activista antirracista, miembro del Parlamento del Estado de la Diáspora Africana (SOAD), miembro fundador de ONG Todos con Mandela
Stefan Verna: Realizador radicado en Montreal. Cofundador de Black on Black Films, colectivo de realizadorxs negrxs de Quebec de Canadá.
Arnold Antonin: Director de cine haitiano. Fue honrado por su trayectoria con el premio Djibril Diop
Mambety en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 2002.
Julia Cohen Ribeiro: Integrante del Colectivo Kukily
Sukeina Ndiaye Representante saharaui del FiSahara

Moderadora:
Miriam Victoria Gomes: Profesora de Literatura Latinoamericana. Integrante de la Sociedad Caboverdiana, de la Cátedra Abierta de Estudios Americanistas (UBA) y de la Unión de Mujeres Afro descendientes de la República Argentina.

Fecha: Lunes 31 de mayo 2021
Horario: 18 hs
Argentina Time (ART) -0300 UTC
Modalidad: Virtual. Libre y gratuita
Vía: www.facebook.com/FestivalFICDH y www.youtube.com/festivalficdh

CINE / XVII Encuentro de Cine Europeo – Argentina

Del 1 al 31 de mayo 2021
19 películas
14 países

Online y gratuito
https://www.cineueargentina.com/

ACTIVIDAD ESPECIAL: ÚLTIMA CHARLA ABIERTA

Mujeres en la animación. Miradas compartidas entre Austria y Argentina.
Charla en Inglés y Español
Jueves 27 de mayo. 18 h (Buenos Aires – GMT-3); 23 h (Viena – GMT+2).
YouTube LIVE Español:https://youtu.be/CpU3qbq29wM
YouTube LIVE Inglés:https://youtu.be/-xzHUR83Frw

¿Qué lugar ocupan las mujeres en la industria de la animación? ¿Qué importancia tienen los cortometrajes animados en este universo audiovisual? Un diálogo en vivo entre Austria y Argentina acerca de las problemáticas comunes a las mujeres en la industria audiovisual y fuera de ella.

Conversan Waltraud Grausgruber (Directora de Tricky Woman, Austria), Kathrin Steinbacher (Directora del cortometraje In Her Boots, Austria), Itatí Romero (Animadora y gestora cultural, Argentina) y Paula Compagnucci (Realizadora audiovisual, Argentina)

Para esta actividad se recomienda ver los tres cortometrajes del ciclo “Tricky Women”.

Las películas estarán disponibles online hasta el 31 de Mayo

Todas las actividades especiales aquí:
https://www.cineueargentina.com/eventosespeciales

CINE / EL RITUAL DEL ALCAUCIL :: Una película de Ximena González.

Pre – estreno en Argentina
19º Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos – FICDH

COMPETENCIA de DOCUMENTALES LATINOAMERICANOS – Sección Memoria

La película estará disponible online y gratis en http://www.imd-stream.org / desde el 27 de Mayo al 2 de Junio

TRAILER – https://vimeo.com/430572284

REDES:

Facebook
https://www.facebook.com/elritualdelalcaucil
Instagram
https://www.instagram.com/labusquedaproducciones/

19º FICDH (Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos). Online y Gratuito. Del 27/5 al 2/6

La directora Ximena González formará parte del Encuentro con Directores y Protagonistas, sobre Memoria y Derechos Humanos
Viernes 28/05 – 20.00hs.
Moderador: Representante de Memoria Abierta
Coordinadores de Programación: Malena Bystrowicz y Natacha Bucatari
Películas invitadas: La Llorona / Atordoado, Eu Permaneço Atento / El Ritual del Alcaucil

El Instituto Multimedia DerHumALC (IMD) tiene el agrado de anunciar que desde el 27 de mayo al 2 de junio de 2021 se realizará el 19° Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos [FICDH] en una edición completamente online con el eje puesto en la identidad migrante, bajo el lema «Raíces en Movimiento».

Las películas de la programación estarán disponibles online enhttp://www.imd-stream.org del 27 de Mayo al 2 de Junio

REDES SOCIALES:

FB: http://www.facebook.com/FestivalFICDH
TW: http://www.twitter.com/festivalFICDH
IG: http://www.instagram.com/FestivalFICDH

CINE / LA VUELTA AL CAMPO

Luchas campesinas por el buen vivir / UN FILM DE JUAN PABLO LEPORE

COLECTIVO DOCUMENTAL SEMILLAS PRESENTA

En tiempos de acompañamiento a las normativas sanitarias vigentes a raíz de la pandemia por COViD-19, los invitamos a este ESTRENO NACIONAL EN CINE.AR

JUEVES 20 DE MAYO – 18:00 HS

Repite: Viernes 21 de Mayo 06:00 hs y 12:00 hs

FICHA TÉCNICA:

Título original: La vuelta al campo, luchas campesinas por el buen vivir

Género: Documental

País: Argentina

Duración: 73 minutos

Guión, dirección y producción: Juan Pablo Lepore

CINE / LOS RAYOS /// UN FILM DE NICOLÁS TACCONI – PRÓXIMO ESTRENO

TRAILER //YOUTU.BE/FUT3LMD6_NI</a>

SINOPSIS / “EL cuerpo pide”, un programa sobre la actualidad del rock en Hurlingham, llega a su final. Sólo le queda una semana en el aire: la radio deja de transmitir. Su conductor, POPA, de 40 años, se encuentra frente al dilema de abandonar el trabajo que lo apasiona y entregarse al sistema o pelear por sus ideales hasta el final. En medio de este conflicto decide utilizar esa última semana de programa para bucear en el germen del cual surgió el rock en Hurlingham. Mientras tanto, iremos conociendo la vida de distintos músicos y personajes como Tito Fargo, Diego Arnedo, Jorge Gauto, Mario Ferraese, que estuvieron en aquellos años cuando el rock en Hurlingham todavía estaba por explotar.

FICHA TÉCNICA

Título original: “LOS RAYOS”
País: Argentina
Duración: 72 minutos
Año: 2021

Idioma: Español

CINE / NARCISA, de Daniela Muttis

ESTRENO: 20 DE MAYO EN www.puentesdecine.com

TRAILER – https://youtu.be/qAhpXg9fhTA

FESTIVALES Y PREMIOS

LASA AWARD OF MERIT IN FILM, PUERTO RICO 2015

COMPETENCIA FESTIVAL DE CINE INDEPENDIENTE DE MAR DEL PLATA 2015
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

COMPETENCIA ARGENTINA 29 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2014

PANORAMA BAFICI BUENOS AIRES / Argentina 2015

Mostra Internacional de Cinema Independente / CCSP, Sao Paulo, Brasil 2015

CINEFEM Punta del Este / Uruguay 2015

CINE /ESTRENO DE BIGLI, de Nicolás Tacconi

El día 13/05 comienza el recorrido federal de «BIGLI», primer largo de ficción de Nicolás Tacconi protagonizado por protagonizado por Luis Luque, Ana Celentano, Esteban Bigliardi, Laura Grandineti, Rocco Posca, Ana Katz y Fabián Arenillas

LISTADO DE SALAS

– Showcase Córdoba (Córdoba)

– Hoyts Patio Olmos (Córdoba)

– Hoyts Salta (Salta)

– Cinemark Palmares (Mendoza)

– Cinépolis Mendoza(Mendoza)

– Centro Cultural Municipal Tapalque (BS AS)

– Cine Teatro Victoria ( Entre Ríos)

– Cine Teatro Oberá ( Misiones)

-Centro Cultural Cotesma ( Neuquén)

– Cine Teatro Renzi ( Santiago del Estero)

SINOPSIS: Los años dejaron sin amor y sin sentido al viejo BIGLI, tratando de que el alcohol lo hunda a él o a su barco. En medio de ese largo adiós del mundo, su amada sobrina, sin encontrar contención en su familia, le pedirá ayuda. Como pueda, contra sí mismo y contra el mundo, BIGLI dará su vida de ser necesario, para que ella sea libre.

Agenda Cultural – Abril 2021

NOVEDADES TEATRALES

X FESTIVAL SHAKESPEARE BUENOS AIRES

Del 10 al 25 de abril

Todas las actividades serán online

http://www.festivalshakespeare.com.ar

PRODUCCIONES DEL FESTIVAL

Shakespeare, García Lorca y Hamlet

Con Norma Aleandro y Mercedes Morán.

Idea y dirección de Patricio Orozco.

Viernes 23 de abril a las 20hs.

Un encuentro único de dos grandes poetas. William Shakespeare y Federico García Lorca unen sus textos para conformar una versión ampliada de Hamlet. Los clásicos personajes trágicos de esta obra, ahora, cuentan con la fantástica pluma del gran poeta español para revelarnos, aún más, sus íntimos secretos, miedos y angustias.

El exhaustivo estudio de la poesía de García Lorca y de la obra de Shakespeare llevó a Patricio Orozco a crear esta pieza única en la que ambos poetas dialogan a través de los siglos. Las lecturas están a cargo de Norma Aleandro y Mercedes Morán, dos de las actrices más talentosas y sensibles de habla hispana.

La violación de Lucrecia

Elenco: Elena Roger (Lucrecia), Alberto Ajaka (Tarquino), Ana María Picchio (Narradora),

Leonor Benedetto (Narradora).

Adaptación y dirección: Patricio Orozco

Sábado 17 de abril a las 20hs.

Este año, el festival dedicará una espacio al tratamiento de la violencia de género. Es por esto que pensamos usar la lectura de “La violación de Lucrecia” (un texto que refleja con un alto nivel poético el dolor de Lucrecia y la violencia de Tarquino) como disparador para preguntarnos la vigencia de este texto, de estas situaciones y debatir las diferentes problemáticas que sufren las mujeres actualmente en Argentina.

La lectura de este texto será acompañada de una mesa de discusión que tendrá a sus protagonistas debatiendo esta temática y respondiendo preguntas junto a los espectadores, moderado por la periodista Fabiana Scherer.

VIOLENCIA DE GÉNERO

La violación de Lucrecia, hoy.

Panel de discusión con los integrantes de la producción de «La violación de Lucrecia»: Ana María Picchio, Leonor Benedetto y Elena Roger. Moderado por la periodista Fabiana Scherer.

Los abusos y femicidios son cada vez más frecuentes y parece que nadie puede detenerlos. Atentos a esta realidad que horroriza decidimos presentar el texto “La violación de Lucrecia” y abrir un espacio dentro del festival para generar un debate de ideas e intercambiar experiencias personales y profesionales con el fin de pensar nuevas estrategias para la prevención de abusos y asistencia de víctimas.

Esta actividad será en vivo y online el día sábado 24 de abril a las 17hs.

Masterclass: Otelo

Les proponemos sumergirnos en esta historia donde la ambición de poder, los celos, la envidia y el amor se unen para dar forma a una de las tragedias shakespeareanas másrepresentadas de todos los tiempos.

Esta obra presenta conflictos y paradojas culturales contemporáneas entorno al racismo, la violencia de género, la política y la religión, creando cruces e interpretaciones que nos interpelan hoy en día como personas y miembros de una comunidad.

Duración: 150 minutos.

A cargo de Patricio Orozco.

Actividad con inscripción previa.

Esta actividad será en vivo y online el día sábado 10 de abril a las 17hs.

MÚSICA

Piazzolla y Shakespeare: “Sueño de una noche de Verano”

Marcela Roggeri y James Strauss

En el año en el que celebramos el centésimo aniversario del nacimiento del maestro Astor Piazzolla, les ofrecemos un fragmento exclusivo de la obra “Sueño de una noche de Verano” interpretado por dos eximios músicos: la prestigiosa pianista Marcela Roggeri y el talentoso flautista James Strauss.

Anticipando la edición de su disco homenaje a Piazzolla, tendremos la oportunidad de disfrutar de un adelanto en exclusiva de la producción de estos dos talentos de la música.

Escrita para la obra “A Midsummer-Night’s Dream” dirigida por Jorge Lavelli en versión francesa, la música, hermosa y misteriosa, ofrece una nueva dimensión de sentimientos y conducirá a las voces de algunos de los personajes shakespeareanos de manera estimulante y enigmática.

Fecha de presentación: A confirmar próximamente.

ROMEO Y JULIETA QR

La dramaturga y directora Gabriela Blanco presenta una adaptación de la obra en formato audio, donde los participantes realizan un recorrido a pie (con la entrega de un mapa previo) y, escaneando códigos QR con sus celulares, accederán a las escenas de este clásico universal.

La experiencia invita a sumergirse en un mundo paralelo al cotidiano, las calles que transitamos a diario, se transformarán en las calles de Verona, y los participantes serán testigos de esta historia de amor.

Los stickers con el código QR estarán dispuestos en este circuito:

1. Teatro Tadrón (Niceto Vega 4802)

2. Patio de Actores (Lerma 568)

3. Espacio LTK (Acevedo 1029)

4. Jufre teatro bar (Jufre 444)

5. El exéntrico (Lerma 420)

PANTALLA

Harold Bloom: La última entrevista

Estreno 24 de Abril a las 17hs.

Presentamos un registro inédito de la última entrevista que diera el profesor Harold Bloom. Crítico y teórico literario estadounidense, se desempeñó como profesor de humanidades en la Universidad de Yale (USA). Desde la publicación de su primer libro en 1959, escribió más de cuarenta libros sobre crítica literaria y religión. Entre sus obras más destacadas figuran: Shakespeare, la invención de lo humano; El canon occidental;

Cómo leer y porqué; El futuro de la imaginación, entre otros. Sus libros han sido traducidos a más de 40 idiomas. En esta entrevista inédita producida por el Festival Shakespeare Buenos Aires, Flavia

Pittella y el profesor Bloom hablan sobre Shakespeare, sus obras y personajes.

Duración: 36 min.

VHS –Volver a Hamlet. Siempre. (Documental)

Estreno 11 de Abril a las 17hs.

A comienzos de los ’90, un colectivo de cinéfilos, se propone filmar en VHS, una versión de Hamlet en un teatro que fue incendiado durante la Dictadura. El Príncipe es un motor para visibilizar la lucha por la reapertura de la Carrera de Cinematografía de La Plata, que la misma Dictadura había clausurado, entendiendo que una forma de hacer cine es formar a nuevas generaciones para que lo realicen.

Gustavo Alonso es realizador, productor y guionista, formado en el Taller Experimental Audiovisual de la Facultad de Bellas Artes-UNLP y en talleres particulares. Director de los documentales La vereda de la sombra (2005, sobre la obra de Fabián Polosecki), Rompenieblas. Una Historia de psicoanálisis y dictadura (2008), La pasión (Alejandro Encinas), El cielo otra vez (2014), VHS (Volver a Hamlet. Siempre) y el corto documental animado Mi otro hijo (2019). Es una producción de La Grulla Audiovisual, con el apoyo del INCAA, Noemí Fuhrer, Universidad Nacional de Quilmes, TV Universidad y La Pluma Sagrada.

Duración: 64 min.

A medio camino Una obra de María Luz Cruz

SINOPSIS: Dos hombres bajo un cielo estrellado mantendrán un provechoso debate, donde los silencios son tan importantes como los diálogos.

A medio camino es una obra de María Luz Cruz con dirección de Alicia Verón y la protagonizan Gonzalo Tejo y Alfredo Deri. El estreno será el próximo sábado 10 de abril a las 20:00 hs en el Teatro Gargantua (Av. Jorge Newbery 3563). Las entradas se pueden conseguir a través de Alternativa Teatral desde $500.

Actores: Gonzalo Tejo Alfredo Deri
Dirección: Alicia Veron.
Autoría: Maria Luz Cruz
Producción: Jorge Nemirovsky
Prensa: 0KM Prensa

NOVEDADES CINEMATOGRÁFICAS

LA VUELTA AL CAMPO Luchas campesinas por el buen vivir UN FILM DE JUAN PABLO LEPORE

«Propiedad para todos. Tierra para todos. No es pedir ilusiones, es querer la verdadera democracia. Vivir una vivencia histórica sobre la igualdad, de que ellos también pueden poseer tierras y pueden realmente tener un techo digno». Osvaldo Bayer

ESTRENO SIMULTÁNEO 22 DE ABRIL
En el «Día internacional de la Tierra»

CIUDAD DE BUENOS AIRES
18HS – CINE GAUMONT
Av. Rivadavia 1635

VILLA MARÍA, CÓRDOBA
21:30HS – re
SALA ESPACIO INCAA
Av. Sabattini 200

TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=YlQRnT_NVIs

PASO SAN IGNACIO / Una película de Pablo Reyero

SINOPSIS / Vida cotidiana, cultura y creencias de los descendientes directos del gran cacique Juan Calfucurá, principal líder espiritual, político y guerrero de la Nación Mapuche al este de la cordillera de los Andes, y cuyo padre fue guía del general San Martín en el cruce de los Andes.

ABRIL 2021 / Emisiones en tv.cine.ar

Primera Emisión

📌 25 de abril, 18:00 hs.

Repite

📌 26 de abril, 06:00 hs.

📌26 de abril, 12:00 hs.

También se podrá ver por:TDA: Canal 22.4 / Cablevisión: Canal 60 y 300 / DIRECTV: Canal 512 / Telecentro: Canal 33 y 400

ASIA DIVERSA – DEL 22 DE ABRIL AL 6 DE MAYO

A través de su plataforma http://www.puentesdecine.com

El ciclo nos invita a asomarnos a las otras migraciones que recibimos en Argentina. Ocho historias que transitan entre Corea, China, Laos y Taiwán, y nos permiten entender un poco más quiénes son y qué sienten lxs que llegan a nuestro país desde tan lejos ejerciendo su derecho a migrar.

ONLINE Y GRATUITO / ASIA DIVERSA nos propone correr nuestra mirada enfocada en Europa y preguntarnos: ¿Y si el océano Pacífico fuera el centro del mundo?¿Y si por un momento dejáramos de naturalizar nuestra educación eurocéntrica acostumbrada a omitir otros paradigmas?

Quizás el oriente lejano no lo es tanto si nos animamos a aventurar que el pueblo mapuche tiene más en común con el maorí de lo que pensamos…

Lee la programación completa en: http://www.facebook.com/SieteArtesPrensa

OJOS DE ARENA – Una película de Alejandra Marino

ESTRENO COMERCIAL: 15 DE ABRIL

RECONOCIMIENTOS Y FESTIVALES
Proyecto Ganador Concurso INCAA
Ventana Sur. Punto Género (2020)
37 BOGOCINE. Festival de Cine de Bogotá (2020)
42 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano. La Habana (2021)

«Lo que comienza como un desgarrador drama psicológico se transforma en un poderoso y desconcertante thriller, los cambios tonales manejados con maestría por Alejandra Merino sin nunca perder de vista el corazón emocional de su historia». 37 Chicago Latino Film Festival (2021)

TRAILER: https://bit.ly/3sbGjXZ

SINOPSIS / Carla y Gustavo están separados desde que ella, psicóloga forense, perdió a su pequeño hijo cuando estaba protegiendo a una joven captada por la trata. Alguien se lo llevó. La foto de una niña perdida pocos días después puede ser una pista y se reúnen para seguirla. Llegan a la casona de Inés y Horacio, padres de la niña. Una vidente ronda por la zona buscando a su nieta secuestrada y desconfía de Horacio. El camino es búsqueda incesante y aunque la verdad sea espanto, echa luz sobre la esperanza.

RAFA, SU PAPÁ Y YO / Una película de Sebastián Muro

ESTRENO: 8 DE ABRIL EN www.puentesdecine.com

TRAILER – https://vimeo.com/526212620

SINOPSIS: Sebastián Muro, el director de esta película, empieza a filmar a su padre, Rafa, un extrovertido empresario organizador de eventos, para un ejercicio de la facultad. Hipnotizado por la comodidad y displicencia de su padre frente a la cámara, Sebastián continúa filmándolo hasta que, sin quererlo, empieza a contar su propia historia familiar y da con un tema no saldado con su padre: su ausencia de casi una década cuando Sebastián era niño.

UNA CASA LEJOS – ESCRITA Y DIRIGIDA POR MAYRA BOTTERO

ESTRENO EN CINES: 8 DE ABRIL / El jueves 8 de abril llega a salas comerciales el esperado segundo largometraje de la joven directora Mayra Bottero, «Una casa lejos»; protagonizado por Stella Galazzi, Carlos Rivkin, Valeria Correa y Alicia Muxo.

SINOPSIS: Graciela tiene todo resuelto para por fin retirarse lejos de la ciudad después de jubilarse. Pero descubre que su padre también tiene planes para el futuro, mantiene en secreto una extraña relación con una chica de la calle. Este será solo el primero de los descubrimientos que cambiarán la vida de Graciela para siempre.

FICHA TÉCNICA:

Nombre original: «Una casa lejos»
Duración: 77 min.
Idioma: Español
Color / DCP
País: Argentina

TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=oM3hcToqec4

Se estrena Un crimen común, la nueva ficción de Francisco Márquez

SINOPSIS: Cecilia es profesora de sociología en la Universidad. Una madrugada de tormenta Kevin, el hijo de la empleada doméstica que trabaja en su casa y que ella apenas conoce, toca la puerta de entrada con desesperación. Ella, asustada, no le abre. Al día siguiente el cuerpo de Kevin aparece en el río, asesinado por la policía. Cecilia comienza a ser acechada por el fantasma del joven.

ACTÚAN Elisa Carricajo, Cecilia Rainero, Mecha Martínez, Eliot Otazo y Ciro Coien Pardo.

PRODUCE Pensar con las manos www.pensarconlasmanos.com

Distribuye CINETREN / TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=lhXYjxKxwMY

NOVEDADES MUSICALES

MARINA FAGES PRESENTA“CANCIÓN DE FLORA”

Marina Fages presenta “Canción de Flora”. Un anticipo de su próximo disco en el que tiene a cargo, no solo de la composición de letra y música, sino también la producción artística del material completo.

Esta canción que explora vientos y sensaciones adversas fue grabada en Kimono Estudio junto a Paola Maiorana, Clara Rodríguez, Julia Arbos y Sergio Verdinelli. Fages registró la voz, flautas, clarinetes, sintes y guitarra y Martin Misenta estuvo a cargo de la mezcla e ingeniería.

El videoclip fue dirigido por la artista y cuenta con la participación de los bomberos voluntarios de Villa Soldati, reflejando el trabajo invaluable y desinteresado que realizan día a día.

LINK MULTIPLATAFORMA “CANCIÓN DE FLORA”

LINK AL VIDEOCLIP “CANCIÓN DE FLORA”

PRÓXIMO SHOW

El 17 de abril a las 21 hs., Marina Fages vuelve a los escenarios en formato eléctrico con banda después de la cuarentena. El show será en The Roxy (Av. Cnel. Niceto Vega 5542 – CABA), y las entradas se encuentran a la venta en livepass.com.ar

La acompañan en el escenario LAS EPICS, una full band compuesta por Julia Arbós (guitara), Clara Rodríguez (bajo), Luchi Rodriguez (guitarra), Maca Zalazar (teclados) y Cecilia Grammatico (batería).

En el show Marina Fages estrenará el videoclip de su nuevo lanzamiento «Canción de Flora» y repasará el repertorio de sus discos.

CONOCIENDO RUSIA DESEMBARCA EN ESPAÑA DE LA MANO DE LEIVA

LA BANDA ARGENTINA CONOCIENDO RUSIA PRESENTA SU NUEVO SENCILLO “MUNDO DE CRISTAL”, EN COLABORACIÓN CON EL RECONOCIDO MÚSICO ESPAÑOL LEIVA.

LINK MULTIPLATAFORMA «MUNDO DE CRISTAL»

“Mundo de Cristal es una canción de esas que salen con guitarra y voz, desde el fondo del pecho. Por eso quise invitarlo a Leiva, compositor que admiro y que canta y escribe con un sentimiento enorme. Estoy muy contento de nuestro encuentro en esta canción y espero que lo disfruten tanto como nosotros” destaca el músico líder de la banda, Mateo Sujatovich.

Mientras se prepara para sus múltiples funciones en el mítico Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires, CONOCIENDO RUSIA sorprende con “Mundo de Cristal”, en colaboración con el reconocido músico español LEIVA, con quien compuso la letra de esta nueva canción. Grabada en el reconocido estudio Unísono, producida y mezclada por Nico Cotton y masterizada por Greg Calbi & Steve Fallone en Sterling Sound, NYC. Según Leiva, “Mateo tiene ese no sé qué, que no se aprende en ninguna escuela: maneja el equilibrio de gracia y emoción perfecto. Transita entre el Pop y el Rock con mucha naturalidad. Cuando me llamó para escribir juntos “Mundo de cristal”, enganchamos al toque ,como si llevaramos años haciendo música juntos. Se reconocen los dos universos y disfrutamos mucho de la rola. Tiene toda la pinta que seguiremos haciendo música juntos. Mateo ha venido para quedarse.”

SOL PEREYRA ANUNCIA PRÓXIMAS PRESENTACIONES EN VIVO

La cantante y compositora Sol Pereyra anuncia sus próximas presentaciones en vivo:

Domingo 4 de abril: Festival “Buena Vibra” junto a Natalie Pérez, Los Tabaleros y Loli Molina.

Sábado 24 de abril, 22 hs.: Camping (Av. Del Libertador 999 – CABA), junto a Ignacia. Entradas a la venta en tickethoy.com

En el mes de febrero Sol presentó una reversión de su exitosa canción “Nadie te preguntó” junto a Los Caligaris en una poderosa versión producida por Moska Lorenzo y Mariano Franceschelli (Los Auténticos Decadentes). Como resultado de esta mezcla, la nueva versión adquiere toda la fuerza de un hit para seguir bailando y cantando sin parar. Las voces, los vientos y las percusiones, unen el sonido de Sol y Caligaris con un fuerte y explosivo sello cordobés.

Cuando Sol Pereyra incluyó “Nadie te preguntó” en su disco “Tirame Agua” en 2014, nunca imaginó que la canción sería la banda de sonido del viral más importante de Latinoamérica en los últimos 5 años, que rápidamente llegó a niños y jóvenes de diversos países que hasta el día de la fecha la mantienen en boca de todos.

LINK MULTIPLATAFORMA “NADIE TE PREGUNTÓ”LINK AL VIDEOCLIP “NADIE TE PREGUNTÓ”

Gabriela Carel estrena videoclip en homenaje a los héroes de Malvinas – GRITO SAGRADO

EL 2 DE ABRIL DISPONIBLE EN YOUTUBE Y PLATAFORMAS MUSICALES

La cantante y compositora patagónica Gabriela Carel lanzará su nuevo sencillo “GRITO SAGRADO” en homenaje a los Héroes de Malvinas, este 2 de abril por su canal de YouTube: “GABRIELA CAREL música” y paralelamente en todas las plataformas musicales. El estreno está programado para las 00:00 horas con la intensión de acompañar la vigilia que los excombatientes llevan adelante en distintos puntos del país.

Como un sentido homenaje a nuestros héroes de Malvinas la reconocida compositora patagónica estrenará esta nueva creación musical. Carel invita a que la acompañen en el lanzamiento de esta nueva canción y su videoclip, llamada “Grito Sagrado”. El mismo se llevará a cabo por su canal de YouTube (GABRIELA CAREL Música), este viernes 2 de abril, Día del Veterano y de los Caídos en la Guerra de Malvinas, a las 00:00 horas (1 de abril por la noche). “Espero sinceramente que la gente nos acompañe, será un momento muy emocionante. Ver nacer una canción es algo que siempre me moviliza, pero en esta fecha creo que tiene un plus especial”, declaró Carel. También se podrá escuchar en Spotify, AppleMusic y demás plataformas.

NOVEDADES TEATRALES

Estreno 03/04. «Las cargas» / De Christian García, con Nevole, Crespi y Chao.

Christian García (dramaturgo y director de “Casa Linguee”, actor de “Imprenteros”) estrena su obra “Las cargas”, junto a un excelente elenco, en la cual se reflexiona desde el humor absurdo acerca de los mandatos sociales que recaen sobre las personas y sus vínculos, y cómo esas cargas nos atrapan y alejan de lo que somos realmente.

SINOPSIS: Todos somos madres, padres o hijos de alguien. Alguna vez fuimos o somos amantes o amados, en multitud o en soledad. Somos algo a nuestro modo, familia, intento o lo que sea. Todo eso junto, a veces, y nada al mismo tiempo. De cualquier manera, cuando nos llegue la hora, vamos a remolcar nuestros cuerpos hasta la orilla como focas. Y ahí, al borde de todo, vamos a esperar que la marea nos arrastre, que haga suya nuestra carga.

Funciones:

Sábados 22:30 hs

Casa Teatro Estudio (Guardia Vieja 4257)

Entradas $500

Reservas: www.alternativateatral.com

Link directo: http://www.alternativateatral.com/obra70670-las-cargas

Agenda Cultural – Marzo 2021

NOVEDADES TEATRALES

HASTA EL 11 DE ABRIL, MICROTEATRO BUENOS AIRES ABRE SUS PUERTAS EN LA RURAL¡CONOCÉ LA PROGRAMACIÓN DE ESTE FINDE!

👉Microteatro con 12 propuestas teatrales de 15 minutos de duración👉 Microacústicos de 20 minutos con artistas nuevos todas las semanas👉 Microkids con obras y acústicos para los más chicos👉Food Garden para vivir la propuesta gastronómica en un imponente marco como lo es La Rural.

¡POR EL ÉXITO ROTUNDO SE EXTIENDE HASTA EL 11 DE ABRIL!

Microteatro y Microacústicos: miércoles a sábado inclusive de 18 a 00.40horas (última función) + Especial Microkids: sábados de 14 a 18 horas y domingos de 14 a 19 horas. + Food Garden: miércoles a viernes de 18 a 2 am y sábados de 14 a 2 am ydomingos de 14 a 21 horas.

Tickets a la venta a través de http://www.microteatro.com.ar

EL TICKET ES VÁLIDO PARA UNA SOLA FUNCIÓNVALOR DE LA ENTRADA: $300 POR FUNCIÓNINGRESO PEATONAL POR AVENIDA SARMIENTOINGRESO A ESTACIONAMIENTO POR AVENIDA CERVIÑO

¿Algo más? ¡Sí! Los Microacústicos se suman a Microteatro. Para garantizar un disfrute ilimitado en un sólo lugar, Microteatro incorpora una nueva propuesta: los Microacústicos, set musicales de 20 minutos en salas con capacidad para 70 personas, comenzando a partir de las 20 h hasta las 00 h para que los melómanos puedan disfrutar de los mejores artistas de la escena, en formato íntimo.

Suyay en Moscú Teatro / Hasta el domingo 25 de abril

Suyay, escrita y dirigida por Pilar Ruiz, se presenta los domingos de marzo y abril en Moscú Teatro, Juan Ramirez de Velasco 535. La obra forma parte de la selección de monólogos del Festival Monoblock II.

Sinopsis
Gringuita espera a Suyay en el establo a la hora de la siesta. Hoy, ya no es como ayer. Los días de Suyay no son los mismos, desde que cambiaron algunas cosas en su cuerpo y en su hogar. Gringuita espera, la siesta avanza y el calor también.

Ficha artística-técnica
Actuación: Agustina Groba
Música original: Luciana Morelli
Fotografía y video: Francisco Castro Pizzo
Diseño gráfico: @serhumano.dibuja
Producción ejecutiva: Poética Resiliencia
Prensa: Marisol Cambre
Asistencia de dirección: Julia Odelli Craig
Dramaturgia y dirección: Pilar Ruiz
Domingo 28 de marzo a las 20.30 horas
Domingos de abril a las 18 horas
Moscú Teatro – Juan Ramírez de Velasco 535 – CABA
Entradas por Alternativa teatral: click
Localidades: $600 – Estudiantes y jubilados: $450 – Sub 28: $300
Instagram: click – Material fotográfico: click
Duración: 50 minutos
Moscú Teatro: click

“Pilar Ruiz llama a su pieza Suyay y mediante su voz ilumina algo más que una historia particular. La obra retrata un marco social desde la construcción de la oralidad y la perspectiva infantiles de una joven enamorada y disidente. Solo la fauna, Luna, una yegua blanca, puede escuchar su imaginación y asomarse a su deseo y decepción. Suyay, con la ternura de la ingenuidad, piensa que el amor es más que una espera interminable, cree que es algo que se puede enseñar.” Ariel Farace, en el Prólogo de la publicación en Libros Drama, para el Festival Monoblock II.

“El texto de Pilar Ruiz es, la presencia de lo femenino agrietado por la clase social, pero, a la vez, sujetado por el amor. Y, ante todo, por la inocencia de la infancia: si género y clase social son, precisamente, roles y construcciones de la sociedad, Suyay nos grita, en una lengua ajena a la nuestra, que habrá que volver a mirar con los ojos limpios, que deconstruir a la sociedad y librarla de opresiones de clase y de género es difícil, muy difícil, pero que son de esos desafíos que valen la pena.” Brian Majlin para Página 12.

Las Oceánicas – Estreno Viernes 19 de Marzo

Funciones presenciales:

Viernes, 22 hs

Teatro Cultural Morán – Pedro Morán 2147 –

Entrada: $500

Reserva: https://www.passline.com

Link directo: https://www.passline.com/sitio-evento/las-oceanicas-teatro

SINOPSIS: En un cuarto de hotel en Mar del Plata, dos jóvenes compañeras de colegio pasan su estadía mientras asisten a una convención de poesía. Sutilmente tocadas por el universo de Alfonsina Storni y Alejandra Pizarnik, cultivan un micromundo de intimidad apocalíptica y florida, a resguardo de los vaivenes y asperezas del exterior. Altivas y torpes, brillantes y oscuras las poetas se atraen y repelen casi hasta el hartazgo. Es de noche cuando, de un modo espontáneo, un joven empleado del hotel ingresa a la habitación. La cofradía de esta amistad empieza a hacer agua y la playa misma va apoderándose de la habitación hasta casi inundarla. Las incipientes poetas se descubrirán fallidas, incompletas o simplemente jóvenes. En el camino íntimo e intransferible del propio deseo, construirán su modo único de habitar el mundo.

LA RURAL LE DA LA BIENVENIDA A MICROTEATRO

BUENOS AIRES – ¡ÚNICA SEMANA!

A partir del miércoles 17 de marzo y por una única semana, Microteatro de Buenos Aires se llevará a cabo en La Rural con una propuesta integral de teatro, gastronomía y la incorporación que todos esperaban: los Microacústicos y Microkids.

Especial Microkids: sábados de 14 a 18 horas y domingos de 14 a 19 horas.

Food Garden: miércoles a viernes de 18 a 2 am y sábados de 14 a 2 am y domingos de 14 a 21 horas.

Tickets a la venta a partir del viernes 12 de marzo a las 10 h a través de http://www.microteatro.com.ar

EL TICKET ES VÁLIDO PARA UNA SOLA FUNCIÓN

Microteatro de Buenos Aires regresa con todo y expande su propuesta desde un nuevo espacio: LA RURAL. A partir del 17 de marzo y sólo por una semana, la propuesta cultural que no deja de recibir elogios alrededor del mundo gracias a su original dinámica de difusión artística, se trasladará a La Rural con seis salas donde se podrá disfrutar de 12 propuestas teatrales con cuatro repeticiones cada una, de miércoles a sábados, en sus dos sesiones habituales: Central (de 20.30 a 22.25 horas) y Golfa (de 22.45 a 00.40 horas, respectivamente). De esta manera, Microteatro, conocido en el mundo por brindar originales propuestas teatrales de calidad de no más de 15 minutos, ampliará su experiencia ofreciendo al público no sólo la posibilidad de continuar disfrutando el teatro argentino sino también de vivir el encuentro desde el minuto cero gracias a un espacio gastronómico 100% de vanguardia, ya que durante cada jornada, La Rural abrirá sus puertas para conquistar paladares previo al comienzo de las funciones. Y no sólo eso, entre función y función, se convertirá en el punto de encuentro o de partida hacia los diversos caminos que propone Microteatro. Asimismo, el espacio gastronómico abrirá sus puertas al público de manera libre e independiente para que la gente pueda descubrir un nuevo punto gastronómico en la ciudad. Para acceder al espacio gourmet, no se requerirá la compra de ticket.

Jardín Sonoro Volumen 2 – Experiencia teatral para recorrer un jardín y escuchar historias

Hasta el domingo 14 de marzo, en el Jardín Botánico Carlos Thays (Av. Santa Fe 3951) se podrá seguir disfrutando de la experiencia site specific: Jardín Sonoro Volumen 2, una aplicación móvil que conecta el espacio público con el teatro, permitiendo recorrer un jardín y escuchar seis obras breves de teatro vinculadas con la naturaleza. Al igual que en la primera edición, son seis obras escritas, dirigidas e interpretadas por artistas mujeres. En este Volumen II, se podrán disfrutar obras de Cynthia Edul, Andrea Garrote, Agustina Gatto, Silvia Gómez Giusto, Mariana Obersztern y Eugenia Pérez Tomas. Cada una, con su mirada y su impronta, crea y deja huella en el universo de este jardín sonoro. La actividad es libre y gratuita.

Para disfrutar de la experiencia, se debe descargar la aplicación Jardín Sonoro Vol. 2 en el celular desde el App store (Apple) o Play Store (Android), activar el bluetooth, aceptar los permisos de notificaciones y ubicación, caminar por el Jardín Botánico y buscar los puntos de escucha identificados en el mapa y marcados en el espacio. Luego, se activará una obra de teatro para escuchar. Cuando se termina con un punto, se debe seguir caminando hacia otro. El recorrido se puede hacer el mismo día, o volver en otro momento. Una vez que se pasa por cada punto del jardín, la pista sonora se guardará en el teléfono para que se pueda escuchar en otro instante y lugar. Para disfrutar de la experiencia sólo se necesita celular y auriculares.

Obras del Volumen 2
¡Y que vuelvan al mundo los fantasmas! de Andrea Garrote. Intérprete: Andrea Garrote.
Te quiero de Agustina Gatto. Intérprete: Dora Mils.
La hora sagrada de Eugenia Pérez Tomas. Intérprete: Francesca Giordano.
Hermanos de aire de Mariana Obersztern. Intérprete: Agustina Muñoz.
Verde esencial de Cynthia Edul. Intérprete: Lucía Villanueva.
Una exótica de Silvia Gómez Giusto. Intérprete: Lorena Vega. Fragmento de la canción «Lumen» por Fill Kolor: Ana Belén Disandro (composición original, piano y coros), Marian Pellegrino (guitarra y voz), Gabriel Engelland (quenas, saxo y sikus).

TRÓPICO DEL PLATA – ÚNICA FUNCIÓN

“Trópico del Plata” / Actuación: Laura Névole

Dramaturgia y Dirección: Rubén Sabbadini

Única Función Presencial: Viernes 12 de Marzo, Nün Teatro Bar

“El disfraz se va incrustando al cuerpo hasta volverse piel”

Aimé vive en la habitación contigua al “Baile de los Enmascarados” y espera las visitas de Guzmán. Aimé se entrega a participar del “Baile de los Enmascarados”, una suerte de orgías colectivas que prepara Guzmán, y debe acudir disfrazada acorde a las indicaciones que este hombre le da. Luego, es consumida por los asistentes que concurren con su disfraz “puntillosamente elaborado”. “Es por amor a vos que lo hago”, le dice Aimé a Guzmán.

Nün Teatro Bar – Juan Ramírez de Velasco 419 –

Entrada General $500

Reservas: www.alternativateatral.com

Link directo: www.alternativateatral.com/ficha_obra.asp?codigo_obra=29680

Grabado: Estudios Spector.

Ingeniero de mezcla: Paco Arancibia.

Ingeniero de masterización: Paco Arancibia.

Viernes 12 de Marzo, 21 horas

Trópico del Plata fue estrenada en 2013 y realizó temporadas en Vera Vera Teatro, La Carpintería, El Kafka, Espacio Callejón, Sala Beckett. Luego de cosechar elogios de la crítica y el público, y habiendo participado en diversos festivales nacionales e internacionales (Portugal, España, Bolivia y Chile), se reestrenó en su 9° temporada en Nün Teatro Bar.

NOVEDADES MUSICALES:

ROSARIO ORTEGA: GIRA DE PRESENTACIÓN DE SU NUEVO ÁLBUM “OTRO LADO”

La canción muestra otra etapa diferente de la artista, con una sensibilidad y simpleza que contrasta fuertemente con sus trabajos anteriores y permite conocerla desde su lado más sutil y sincero. El tema esta escrito en tiempos de cuarentena, y trata sobre la separación, la evolución , el esperado encuentro con el universo para recuperar la fe y la alegria.

PRÓXIMOS SHOWS:

26 DE MARZO, 20 hs. en C.C. GÜEMES – Rosario. Artista invitada: Mel Muñiz. Entradas a la venta en entradaplay.com

27 DE MARZO, 20 hs. en Studio Theater – Córdoba. Artista invitada: Mel Muñiz. Entradas a la venta en alpogo.com

ROSARIO ORTEGA emprende una gira por varias ciudades de Argentina presentando su nuevo material.

9 DE ABRIL, 20 hs. en Teatro Opera – La Plata. Entradas a la venta en livepass.com.ar

Link a su último videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=2UV3qlQvmMU&feature=youtu.be

La artista en Spotify: https://open.spotify.com/artist/6AvVNBiwAW7CXZPACAo2OB?si=PJqqN5WHQaGWXxX4GpKeNg

SONIA – SHOW REPROGRAMADO: NUEVA FECHA

VIERNES 26 DE MARZO / Streaming Internacional

SONIA, adelantará temas de su nuevo disco Siete vidas. El show se va a poder disfrutar por streaming para todo el mundo.

PERU:19 HS

CHILE: 21 HS

MÉXICO: 18HS

ARGENTINA: 21HS

El show de Sonia del 13 de marzo será reprogramado. Las entradas adquiridas en https://paypal.me/soniachammah?locale.x=es_XC tendrán total validez para el nuevo show.

ESPAÑA: 01HS

INMENSIDAD es el nuevo single de la artista Sonia Chammah lanzado el pasado martes 16 de Febrero .

Sin dudas un trabajo que la proyecta mucho más allá de las fronteras del rock y promete seguir creciendo.

ESCUCHÁ “INMENSIDAD”: https://open.spotify.com/album/1JCx212pDa2ui8m7kyrfUp?highlight=spotify:track:39HC3tLCmqcWw0Q3VeAkSx

Créditos

Compositor: Sonia Chammah.

Productor: Carlos Vandera.

Contar la historia de esta relación, es explorar los límites más sórdidos del poder, lo insondable del poder, es narrar cómo un cuerpo puede ser devorado por otra voz, hasta los huesos, y cómo un disfraz puede incrustarse al cuerpo hasta volverse piel.

ERUCA SATIVA INICIÓ LA GIRA “SEREMOS PRIMAVERA” CON DOS SHOWS EN MANDARINE PARK

El viernes 26 de febrero Eruca presentó oficialmente su álbum “Seremos Primavera” en dos funciones consecutivas al aire libre en Mandarine Park, dando inicio a la gira nacional que los llevará por varias localidades y pronto serán anunciadas.

El público cantó desde sus burbujas a la par de Lula, Brenda y Gabriel, y celebró este encuentro tan ansiado.

PRÓXIMO SHOW GIRA “SEREMOS PRIMAVERA”: Sábado 13 de marzo: Dos funciones ATP 19 y 23 hs. en Teatro Opera La Plata (Calle 58 770). Entradas a la venta en livepass.com.ar

El sexto disco de estudio “Seremos Primavera”, fue concebido en un proceso íntimo del grupo que compuso, produjo y ejecutó todos los sonidos de las canciones que integran el disco. Fue grabado y mezclado en Estudio El Mejor por Gabriel Pedernera y el mastering estuvo a cargo de Daniel Ovié.

LINK MULTIPLATAFORMA DISCO “SEREMOS PRIMAVERA”

NOVEDADES CINEMATOGRÁFICAS:

LA NOCHE MÁS LARGA / Una película de Moroco Colman con DANIEL ARAOZ

Llega a las salas de CABA la película argentina más vista en las
salas de Córdoba. Con 15.000 espectadores en sólo 4 semanas en cartel

Trailer: http://www.lanochemaslarga.com.ar/trailer/

DIJO LA PRENSA

«Violento pero notable alegato»
Diego Curubeto – AMBITO

«Pesadillesca, cruda y violenta»
Juan Carlos Fontana – PERFIL

«Consigue el control inmediato del espectador»
Lucas Asmar Moreno – LA VOZ DEL INTERIOR

«Incómoda, interpela a los espectadores»
César Martín Puchetta – LA NUEVA MAÑANA

«Escapa a los formalismos de la estructura tradicional dramática»
Rolando Gallego – HACIENDO CINE

SINOPSIS – Basada en hechos reales. El film narra la historia del violador serial con más violaciones de la historia Argentina. Atacó a lo largo de 19 años a más de 93 mujeres en la ciudad de Córdoba, entre los años 1985 y 2004, mientras paralelamente aparentaba ser un padre y esposo ejemplar. Se cree que la lista de víctimas es de más del doble, ya que es usual que las mujeres no se animen a hacer la denuncia. Las víctimas, estudiantes muy jóvenes, eran raptadas en la vía pública, trasladadas a más de 12 cuadras entre la gente, mientras el violador las obligaba a que lo abracen como si fueran su novia.

FICHA TÉCNICA

Guión y Dirección: Moroco Colman
Producción Ejecutiva: Sofía Castells
Productores: Sofía Castells – Moroco Colman – Más Allá Productora
Género: Drama – Horror – Thriller
Duración: 80 min.

ELENCO
Daniel Araoz
Camila Murias
Sabrina Nuñez
Paula Halaban

EL BANDIDO

con Osvaldo Laport y Juan Manuel Lara
Una película de Luciano Juncos

ESTRENO COMERCIAL: 18 DE MARZO – CINE.AR TV / 19 DE MARZO – CINE.AR PLAY

SINOPSIS / Roberto Benítez, conocido artísticamente como “Bandido”, es un cantante de música popular que, pasando la mediana edad entra en una crisis estética y su carrera se estanca. Bandido es víctima de una situación delictiva y unos vecinos acuden al lugar para ayudarlo, entre ellos Rubén, un viejo amigo que lo acompañó en sus primeros años de carrera. Bandido tendrá en su horizonte una nueva oportunidad de encontrarse consigo mismo y con su más anhelada pasión.

FICHA TÉCNICA
Género: Ficción
Duración: 95 min
Año: 2021
Guión: Renzo Felippa & Luciano Juncos
Dirección: Luciano Juncos

Música Original: Álvaro Fombellida (Esp)
“VOLVERÉ” por Diego Bravo y Osvaldo Laport

TRAILER
https://vimeo.com/463222136

SINTIENTES – Una transformación es posible

Un documental dirigido por Juan Baldana

ESTRENO: 18 DE MARZO
www.puentesdecine.com

*Todo lo recaudado se donará al pueblo de San Francisco, en la provincia de Jujuy

NUEVO TRAILER – https://vimeo.com/517401451

SINOPSIS

En la selva Jujeña Argentina, allí donde se respira lo más puro de la naturaleza, se encuentra un pequeño poblado que toma la iniciativa de desafiar la cruda realidad del sistema que hemos creado. Nada podrá ser resuelto sino cambiamos. ¿Podemos transformar este presente que acecha y nos pone a prueba?

FICHA TÉCNICA:
Dirección y cámara: Juan Baldana
Idea y producción: Alejandro Kretschel
Guion: Alejandro Kretschel, Juan Baldana
Producción ejecutiva: Julieta Saroba
Diseño de producción: Maxi Yunes
Productora de campo: Gabi Duque
Dirección de Fotografía y cámara:
Javier Grufi, Gastón Delecluze
Montaje: Manu Peña, Juan Baldana
Diseño de sonido: Pablo Irrazábal
Música original: Charo Bogarín, Pablo Sala
Voz: Charo Bogarín

Duración: 88 minutos.
Año: 2020.
Idioma: español

EL UNIVERSO DE CLARITA / Dirección: Tomás Lipgot

PELÍCULA APERTURA BAFICI (Sección Baficito)

Funciones:
– Miércoles 17 de Marzo – 19.00hs.
Museo de Arte Español Enrique Larreta
– Sábado 20 de Marzo – 16:15hs. Museo Sívori
– Domingo 21 de Marzo – 18.00hs. Polideportivo Pomar (Floresta)

*Las entradas, gratuitas, se reservan con 48hs. de anticipación en
https://vivamoscultura.buenosaires.gob.ar/contenido/4189-entradas

*Estará, además, disponible online 72hs. luego del estreno en el Festival en
http:// https://vivamoscultura.buenosaires.gob.ar/

* La película contará en su versión presencial con subtítulos descriptivos para personas sordas e hipoacúsicas, y en su versión online estará disponible con subtítulos descriptivos y audiodescripción para personas ciegas.
Más información: https://bit.ly/2OpVJcu

TRAILER – https://www.youtube.com/watch?v=5j-RGWnRB5E

SINOPSIS – Clarita tiene doce años y vive en Rosario junto a sus padres y hermanas. Lo que más le interesa en el mundo es la astronomía, pasión que descubrió gracias al «Proyecto Miradas», un taller experimental y lúdico para niños, dictado por Sofía y Yayo. ¿De qué están hechos los meteoritos? ¿Cómo se crearon las estrellas? ¿De dónde salió el primer pájaro? La curiosidad de esta niña la lleva lejos: un viaje de aprendizaje por diversos sitios astronómicos de Argentina. Las respuestas nos llegan de los especialistas y científicos, pero también de la sabiduría de los pueblos originarios y de los secretos que esconde la naturaleza. El deseo de Clarita por conocer y descubrir nos lleva a sorprendernos ante el infinito universo del que somos parte.

– LA FÁBRICA (escrito y dirigido por Francisco José Funes Peralta)

Un cortometraje de ficción / Estreno en 22 BAFICI | Selección oficial – Artistas en acción.

Función 1: Jueves 18 de marzo | 21.30 h. | Parque de la Estación
Función 2: Domingo 21 de marzo | 14.15 h. | El Cultural San Martín 2

Función online: Jueves 18 de marzo | 22 h. | Disponible por 72 hs. (Siguiente Link)

Trailer https://vimeo.com/413235214

Sinopsis – En una Argentina paralela las fábricas son espacios de producción de diversas actividades artísticas cuyos ingresos son regulados por una comisión estatal. Jorge, el gerente de una de ellas, busca imponer una performance en el área de teatro para bajar costos y subir ganancias. Sin embargo la pretensión genera un conflicto no solo con sus trabajadores, sino también, con los modos de representación.

CHETO CHETO. Una película de FABIO ZURITA

PREESTRENO: Martes 9 de marzo, 0:30 hs / Cine.Ar TV

SINOPSIS: Un grupo de jóvenes conviven hacinados en un instituto de menores y realizan algunas actividades que le ofrece el régimen. En el taller de cine ven películas, participan con mucho entusiasmo; cuentan algunas historias del lugar y se filman. Poco a poco y por diversos motivos tienen que separarse.

FICHA TÉCNICA
Director: Fabio Marcelo Zurita
Director de fotografía: Martín Frías
Música original: Fernando Monteleone
Músico invitado: Pablo Rodríguez (Flauta)
Guionista: Fabio M. Zurita
Productor: Fabio M. Zurita
Productora Ejecutiva: Mónica Amarilla
Jefa de producción: Graciela De Luca
Asistente de Dirección: Omar Emanuel Figueroa
Voz en off: Nicolás Raposso
Poesía: Santiago Montoya
Con la participación de Osvaldo Bayer
Voz en off en el poema de Nicolás Raposso “Sueños rotos”: Eduardo Blanco

Mirá el trailer acá: https://bit.ly/3mpP0ur

CHARLOTTE / UN FILM DE SIMÓN FRANCO

A partir del jueves 11 de marzo podrá verse en Argentina «Charlotte», film de Simón Franco protagonizado por la actriz española Angela Molina (quien recibirá el 6 de marzo el Goya de Honor 2021 “por su carrera excepcional”), Ignacio Huang ( “Un Cuento Chino”), Lali Gonzalez ( «7 cajas»), y los prolíficos actores argentinos Fernás Mirás y Gerardo Romano.

ESTRENO NACIONAL – 11 DE MARZO 20 HS

(Repite el sábado 13 a las 20 hs)A PARTIR DEL 12 DE MARZO DISPONIBLE EN CineAr.

Sinopsis: Charlotte, una olvidada estrella de cine española, al enterarse que el director que la llevó a la fama filmará su última película en Paraguay, se embarcará en un insólito viaje, en busca de algo más que el protagónico que siente que le pertenece.

Dirección Simón Franco
Guión Constanza Cabrera, Lucila Podestá, Simón Franco
Casas productoras Pelícano Cine, Lemon Cine, Fam Contenidos
Productores Esteban Lucangioli, Araquen Rodriguez, Lena Fernández Chilo,
Simón Franco, Alejandro Cacetta, Milagros Roque Pitt, Fernando Blanco
Producción ejecutiva Esteban Lucangioli & Lena Fernández Chilo
Dirección de fotografía Pablo Desanzo
Música Mariano Barrella
Dirección de Sonido Esteban Golubicki
Montaje Andrés Tambornino
Dirección de arte Adriana Ovelar
Vestuario Tania Zimbrón & Cristina Potenza
Maquillaje Edi Romero

AKELARRE / UN FILM DE PABLO AGUERO – ESTRENO 11 DE MARZO

A partir del jueves 11 de marzo podrá verse en Argentina Akelarre, multipremiado último film del director Pablo Agüero. El film que fue seleccionado en la Quinzaine des réalisateurs de la 73° edición del Festival de Cannes, y tuvo su premiere internacional en la Competencia Oficial de la 68° edición del Festival Int. de Cine de San Sebastián ha resultado el film más ganador de la última edición de los premios Goya, obteniendo 5 distinciones

SALAS

Cine Gaumont – CABA

Jueves 11

15:00 y 20 hs

A partir del viernes 12

18:00 y 21:00 hs

Cine Teatro Munic. Manuel Belgrano- Rafaella ( Sta Fe)

20 hs

CINEAR

CINEAR TV Jueves 11/3 a las 22 hs

(Repite el sábado 13/3 a las 22 hs)

CINEAR PLAY A partir del viernes 12/3

(Gratis por una semana)

NETFLIX

Disponible a partir del jueves 11/3

«NO HAY NADA MÁS PELIGROSO QUE UNA MUJER QUE BAILA»

En 1609, el juez Pierre Rosteguy de Lancre recorrió el País Vasco francés interrogando a centenares de personas y condenando a decenas de mujeres a la hoguera por supuestos actos de brujería. Luego relató su experiencia en el libro “TRATADO DE LA INCONSTANCIA DE LOS MALOS ÁNGELES Y DEMONIOS”. En esos textos barrocos y alucinados, Pierre Rosteguy de Lancre dio forma al mito del « sabbat de las brujas » (en lengua vasca: « akelarre ») que influyó a jueces y luego a artistas durante siglos.

Inspirado en ese libro del siglo XVII, pero con una mirada crítica, Pablo Agüero relata por primera vez la caza de brujas desde una perspectiva completamente femenina. Y por primera vez en la historia, une película muestra que en la caza de brujas no había brujas.

SINOPSIS: País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rosteguy, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

FICHA TÉCNICA

Nombre original: «Akelarre»
Duración: 91 min. Duración: SAM 13 Con reservas
Idioma: Español / Euskera
Color / DCP
Sonido: 5.1 / DOLBY DIGITAL
Aspect ratio: 1.66
País: Argentina / España / Francia

[…] REFERENCIA: RevistaSieteArtes. (mayo 23, 2019). COLUMNA DE OPINIÓN: La poesía como experiencia. Por MAXIMILIANO CURCIO. COLUMNA DE OPINIÓN: La…

[…] cut’ de “Sonno Profundo”, “Abrakadabra” (podés leer nuestra reseña acá: https://revistasieteartes.com/2019/05/10/rincon-cinefilo-abrakadabra-de-nicolas-y-luciano-onetti-por…) y “Francesca”. En este último caso, quería hacerlo…

[…] Podés leer la segunda parte de la entrevista acá: https://revistasieteartes.com/2023/12/18/conversaciones-siete-artes-fabian-vena-segunda-parte-por-ma… […]

[…] Podés leer la primera parte de la entrevista en el siguiente link: https://revistasieteartes.com/2023/12/18/conversaciones-siete-artes-fabian-vena-primera-parte-por-ma… […]

[…] Podés leer la primera parte de la entrevista en el siguiente link: https://revistasieteartes.com/2023/11/17/conversaciones-siete-artes-facundo-arana-primera-parte-por-… […]

AGENDA 2023

Festival Internacional de Cine Mar del Plata / Cobertura ESPECIAL por Julio Varela

AGENDA MUSICAL / Discos: «Hackney Diamonds», de The Rolling Stones

LA COMPAÑÍA TOIA&CALACCI PRESENTA DOS DE SUS ÚLTIMOS TRABAJOS

LAS JUANAS – UNA HEREJÍA CÓSMICA, la obra aplaudida en Argentina y el mundo vuelve a LA CARPINTERÍA.

Benito Cerati brilló en el Teatro Margarita Xirgu de CABA

AGENDA 2022

Richard Coleman & El Trans-Siberian Express cerraron el año en Palermo. Por JIMENA A. COLTRINARI

Benito Cerati celebró los 30 años de «Colores Santos» y «Dynamo»

Invisibles, de Andrea Martínez

OCTUBRE 2021

PREMIOS CURTAS 2021

Shooting Locations Marketplace

Agustín Dettbarn estrenó el videoclip de su canción Misshai Sharem

Mujeres con Historia – Las protagonistas olvidadas

CAMALEÓN, nuevo EP de Federico Laconte, saldrá el próximo viernes 1 de octubre.

JAVIER CALAMARO

La obra Manos Verdes se estrena el 17 de octubre en la Sala Ana Frank.

Vilca, la magia del silencio

Una película de Ulises de la Orden y Germán Cantore

Tanguarro presenta “100 X 100 Milonguero”, su primer material discográfico

Ficha Técnica de «100 X 100 Milonguero»

Centro Cultural de la Cooperación

Regresados / Basta para mí. Basta para todos.

MORA MESÓN JUNTO A MARCELO FUNES

Mis palabras de Marcelo Allasino

Horcas Festeja sus 30 Años » XXX ANIVERSARIO», en Buenos Aires…

NOCHES OSCURAS

ESTRENO AKTRISSA CHAYKA la obra póstuma del director CLAUDIO GATELL

Agenda – SÁBADO 2 DE OCTUBRE 21 HS. ESTRENO «De mujeres»

SEPTIEMBRE 2021

LOS QUE NO QUIEREN VER(THOSE WHO DON´T WANT TO SEE) Una película de GRACIELA DE LUCA

Luego de su primer trabajo “Oscura Realidad” PULSO CRÍTICO presenta:

“Mar de Huellas” su segunda producción discográfica donde incluye el primer single llamado “The Gillers”.

Bailan las almas en llantas, de Pilar Ruiz en Teatro del Pueblo

LOS QUE NO QUIEREN VER, una película de Graciela De Luca

Las cargas

TEATRO STREAMING ESTRENO Sábado 18 de SEPTIEMBRE 22.30 hs «INDAGACIONES SOBRE EL AMOR»

JULIETA VALLINA / Idea Dramaturgia y Dirección

con GERMÁN MOLDOVÁN y FACUNDO PONCE

Pretenciosas ridículas, Las de Barranco

«MARI»

RELATOS DE AMOR Y LOCURA, de Patricio Abadie

Flor Braier regresa con su onírico single «Wonderlay»

La banda tributo The Beetles se presenta en Argentina después de triunfar en Brasil y Paraguay.

Korridor / Experiencia teatral vía streaming (en diferido)

Codec presenta su single «Lapsus» como adelanto de su álbum

INDAGACIONES SOBRE EL AMOR

DORADOS 50, una comedia documental de Víctor Cruz y Alejandro Vagnenkos: 9 SEPTIEMBRE

La Fiesta del Ternero

Dúo Dø derriba fronteras en su single «Torii» con un video animado en 3D

LAS RANAS – Una película de Edgardo Castro

Estreno en Cine Gaumont: LA SESENTA, Crónicas de una lucha obrera: 2 de septiembre

AGENDA DE TEATRO: Chicos Lindos – La noche oscura – Ribetes en tu piel – Las Oceánicas

ESTRENO | Pulover lanza su single «Claromecó» como adelanto de su disco

Masterclass: LAURA MULVEY:: El tiempo de las mujeres / El tiempo del cine – jueves 16 de septiembre – 14H

Roberto Dijo

«El virus de la violencia» de Marina Wainer con Romina Pinto e Iván Steinhardt. Sábado 4 de septiembre 20.30 hs Patio de Actores

Pilar Ruiz estrena Bailan las almas en llantas en Teatro del Pueblo

Estreno «Ribetes en tu piel rojos quedaron» dir. Eloísa Tarruella, con María Nydia Ursi Ducó

21º edición del Festival de Cine Alemán

Lorena Vega dirige a Julieta Díaz y Tomás Wicz en «Precoz», de Ariana Harwicz

Chicos Lindos (Experimento teatral)

El grupo IMPROVISA2 presenta la innovación en…Impro: Fucking Impro

#LaImproCambió // Fucking Impro es un espectaculo del grupo Improvisa2 con dirección general de Iti El Hermoso

LA VIRGEN DE LA TOSQUERA, dirigida por Laura Casabé

MOACIR Y YO – Un film de Tomás Lipgot

“Quizá hago esta película para despedirme de él, o para tenerlo cerca un tiempo más …”

TARARÁ – LA HISTORIA DE CHERNOBIL EN CUBA

Agosto 2021

PERPETUO

DIDO Y ENEAS

NUEVA TEMPORADA EN CANAL ENCUENTROCERO DRAMA

Los hermanos afro, una miniserie de Wisny Dorce

Locomotor, el primer EP de Locomotora Cósmica

Codec presenta «Lapsus» como segundo adelanto de su disco

Sincronizados presenta Mutant3

Ignacio Bartolone estrena «La obra pública» en Espacio Callejón

Ficha artística-técnica

Música / MARINA FAGES

LOS QUE NO QUIEREN VER
(THOSE WHO DON´T WANT TO SEE)

Una película de GRACIELA DE LUCA

**Pilar Ruiz estrena Bailan las almas en llantas en Teatro del Pueblo**

CINE / RETROSPECTIVA Fernando Musa

DESDE EL VIERNES 28 DE MAYO
durante 1 mes – Octubre TV